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El Museo de los Orígenes acoge una muestra de la historia de Madrid
desde la Prehistoria hasta la Edad Moderna

Florida acogerá la mayor colección privada de obras de Salvador Dalí

CaixaForum muestra la obra de Vlaminck, renovador de la pintura vanguardista

El Museo Municipal de Melilla expone 58 muñecas
de época de la colección privada de Javier Mateo

El Museo Arqueológico de Asturias
ha de ser un museo con perspectiva de futuro

Museo Casa Natal de Cervantes incorpora un ejemplar
de El Quijote en gaélico a sus fondos bibliográficos

El Musac abre temporada con cinco nuevas exposiciones

La sala museística de Cajasur ofrece la visión de la guitarra de 32 artistas

El Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) reune a Robert Capa
con su colega y compañera sentimental, Gerda Taro

Museo del Instituto Tecnológico de Moda presenta
200 años de influencia política en la moda de EE.UU

Richard Rogers, en el CaixaFórum de Madrid


 
 

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Richard Rogers, en el CaixaFórum de Madrid

08/07/2008
Madrid

El universo de Richard Rogers lo definen términos como ecológico, legible, transparente, ligero, urbano, público o sistema, y así se muestra en la exposición que CaixaForum dedica a más de cuarenta años de trabajo del arquitecto británico considerado como un gran humanista.

Richard RogersLa madrileña T-4 del aeropuerto de Barajas, el Centro Georges Pompidou en París, el edificio Lloyds de Londres o el Tribunal de Amberes son algunos de los protagonistas de "Richard Rogers+Arquitectos. De la casa a la ciudad" cuyo montaje refleja el interés de Rogers por una arquitectura clara y transparente.

Organizada en coproducción con el estudio de arquitectos de Rogers, el Georges Pompidou y la Fundación "la Caixa", la exposición llega a Madrid después de ser visitada por más de 120.000 personas en Barcelona.

Defensor del potencial de la ciudad como catalizador del cambio social, Rogers, nacido en Florencia en 1933, considera la arquitectura tanto un problema urbanístico como una cuestión política y defiende como única fórmula de ciudad sostenible la ciudad compacta. Mediante el uso de nuevos materiales y técnicas innovadoras, construye estructuras ligeras, transparentes y respetuosas con el entorno que resultan fáciles de comprender y utilizar.

Grandes maquetas, algunas de ellas animadas, dibujos, filmaciones, escritos, paneles colgados y un gran mural de cincuenta metros con fotografías de la producción arquitectónica de Rogers por orden cronológico, llenan los 900 metros cuadrados de la sala diáfana de CaixaForum, en una propuesta que quiere ser entendible para el público en general e interesante para los expertos.

Sin el protagonista
Problemas de salud han impedido que Richard Rogers acudiera a la presentación de la muestra que abrirá mañana sus puertas y que en su última semana de exhibición en el mes de octubre coincidirá con la exposición "Palladio, el Arquitecto", la más exhaustiva sobre el primer humanista del Renacimiento. Graham Stirk e Ivan Harbour, socios del estudio Rogers Stirk Harbour+arquitectos, acompañaron a Ignasi Miró, director del Área de Cultura de la Fundación "la Caixa", para quien esta exposición significa acercarnos a uno de los grandes, a uno de los arquitectos que en las últimas décadas más reconocimiento ha tenido, no solo por premios como el Pritzker o el Stirling, sino por los numerosos proyectos realizados.

"Son trabajos de un hombre con espíritu humanista, proyectos que ofrecen soluciones y nuevas formas de vida colectiva", ha afirmado Miró, para quien Rogers no puede ser entendido sin el carácter vanguardista e innovador de sus propuestas. Ivan Harbour ha recordado que desde hace años tienen estudio en España "país muy importante para la arquitectura, el diseño y las vanguardias en el que tenemos en curso la realización de muchos proyectos", y ha señalado que con esta exposición han tratado de llegar al detalle "y a nuestra filosofía de la arquitectura clara y comprensiva. No se trata de una retrospectiva, sino de una muestra que se quiere abrir al futuro".

CaixaFórum de MadridLas siete secciones que componen la exposición se han dividido por colores y cada uno de ellos hace referencia al tema arquitectónico que trata. Así, "Transparentes", en azul, exhibe proyectos como el edificio del canal de televisión Channel 4 en Londres o el edificio "88 Wood Street" también en Londres.

En verde se han reunido propuestas ecológicas como la "Torre Turbina" de Tokio o la Asamblea Nacional de Gales, mientras que el naranja define proyectos urbanos como el Plan Urbanístico de Shangai en Pudong o la gran maqueta en la que muestra cómo podría ser Londres, que diseñó en 1986.

Edificios públicos, como el South Bank Centre (Londres) o la ampliación de la National Gallery (Londres), ambos no construidos, y el Centro Pompidou, se han reunido en torno al rojo, y el amarillo hace referencia a proyectos actuales entre los que se encuentran "Canary Wharf" (Londres), "Parc 1" (Seúl), el diseño de viviendas prefabricadas en Milton Keynes (Reino Unido), el plan urbanístico para el Coto de Macairena, en Granada, el Campus de la Justicia de Madrid o la remodelación de la plaza de toros de Las Arenas.

El rosa define edificios en los que se han llevado a cabo procesos innovadores de producción y usado materiales de alta tecnología, como la T-4 de Barajas- su proyecto de mayor envergadura- o la T-5 del aeropuerto de Heathrow. Proyectos "legibles", como el Lloyd's de Londres, o "ligeros" como la Fábrica Microprocesadora Inmos en Gales, completan la exposición en la que también se muestran sus trabajos para el Centro Tecnológico Palmas Altas en Sevilla, para el tren de alta velocidad en Valladolid o el de las Bodegas Protos.

 

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Museo del Instituto Tecnológico de Moda presenta
200 años de influencia política en la moda de EE.UU

08/07/2009
Nueva York

La influencia que ha tenido la política en la moda estadounidense en los últimos dos siglos se expone a través de más de cien vestidos, telas y complementos, en la muestra "Moda y política", inaugurada hoy en el museo del Instituto Tecnológico de Moda (FIT) de Nueva York.

La exposición, que permanecerá abierta hasta el 7 de noviembre, revela a través de piezas únicas la influencia de la política, la cultura y los cambios sociales en la moda de EE.UU., desde el neoclasicismo del siglo XIX hasta la elección de Barack Obama como presidente de ese país.

"La elección de Barack Obama ha sido realmente importante para la moda. Aquí tenemos un ejemplo de un vestido hecho por el diseñador francés Jean-Charles de Castelbajac, quien cree que Obama es el representante de la esperanza y el cambio", explicó en declaraciones a Efe Jennifer Farley, una de las comisarias de la exposición.

Museo del Instituto Tecnológico de Moda presenta 200 años de influencia política en la moda de EE.UULos símbolos electorales del actual mandatario de EE.UU. llenan la sala introductoria de la muestra, en la que también aparecen vestidos inspirados en otras campañas, como la de 1968, representada por un traje estampado con la palabra "Nixon" y por otro con la cara del candidato demócrata en aquellos comicios, Hubert Humphrey.

La actual primera dama estadounidense, Michelle Obama, también ha influido de manera muy importante en la moda de su país desde que llegó a la Casa Blanca, por lo que la exposición cuenta con dos versiones de prendas que ella ha llevado.

"Uno de los vestidos que tenemos en la exposición es el que llevó antes de convertirse en primera dama, una prenda en rojo y negro que vistió en la Convención Nacional Demócrata; y el segundo, con el que posó para la portada de la revista Vogue, el pasado marzo", comentó Farley.

Uno de los trajes más importantes de la muestra es una creación de la diseñadora francesa Catherine Malandrino, realizado con las famosas barras y estrellas de la bandera estadounidense para expresar "patriotismo después del 11 de septiembre", explicaron los expertos.

Malandrino volvió a sacar a la luz este vestido como respuesta a la "histórica elección de 2008", cuando algunas personalidades decidieron llevarlo para celebrar el resultado electoral, entre ellas la actriz estadounidense Meryl Streep o la presentadora de la emisión televisiva "Buenos días América", Kelly Ripa. La siguiente sala presenta las diferentes tendencias estilísticas del siglo XIX, pasando por los vestidos neoclásicos en negro hasta llegar a la revolución del feminismo, con ejemplos de vestuario deportivo para la mujer.

Una de las prendas estrella de esta sección es el "monokini", del austríaco Rudi Gernreich, sobre el que Melissa Marra, otra de las comisarias de la exposición, explicó que "se convirtió instantáneamente en un símbolo de la revolución sexual, que no solo prohibieron en las playas, sino también hasta el Papa".

La exposición cierra con piezas centrales de la moda contemporánea, como la de la china Vivienne Tam con su controvertido "Mao" (1995), un vestido compuesto por estampados con la cara del líder comunista chino Mao Zedong.

"Una de las piezas únicas e interesantes es el 'Traje Adelita', de la mexicana Carla Fernández, que juega con los roles de género y se centra en la Revolución mexicana y en las mujeres que lucharon en ella", expresando en la prenda esos contrastes, detalló Marra.

En el área de arte contemporáneo se destacan creaciones de la estadounidense Katie Brierley, quien detalló hoy a Efe que la mayor parte de sus tejidos "están hechos a mano utilizando técnicas tradicionales y todo es producido localmente, todo está hecho a 17 millas de donde vivo". Con la exposición "podemos ver cómo la moda se ha vuelto más compleja y diversa, ya que en los años 20 y 30 era uniforme y la moda contemporánea es totalmente diferente", dijo Brierley al señalar la importancia de la muestra para el mundo de los diseñadores.

 

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El Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) reune a Robert Capa
con su colega y compañera sentimental, Gerda Taro

08/07/2009
Barcelona

El Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) acoge una retrospectiva del fotoperiodista Robert Capa y otra de su colega y compañera sentimental, Gerda Taro, a la que nunca antes se le había dedicado una exposición.

'Esto es la guerra! Robert Capa en acción' reúne más de doscientas instantáneas, algunas inéditas, que el fotógrafo hizo durante los años 30 y 40 en varias guerras, sobre todo en la Guerra Civil española con obras tan emblemáticas como 'El miliciano muerto' y algunos de los materiales de la 'maleta mexicana', que contenía los negativos de 126 carretes fotográficos y que se dio por perdida hasta que reapareció en 1995 en México.

Museu Nacional d'Art de Catalunya MNACA la sombra de Capa y muerta prematuramente --aplastada a los 26 años por un tanque en la batalla de Brunete (Madrid)--, Taro fue la primera fotógrafa que murió durante una guerra y de las primeras mujeres fotoperiodistas.

Su carrera fue breve, pero en la muestra que se puede ver hasta el 27 de septiembre en el Mnac muestra todo un año de su trabajo, desde su llegada a España en 1936 hasta sus últimos trabajos realizados en 1937, antes de fallecer.

La finalidad de la muestra no sólo es dar a conocer a esta relevante fotógrafa sino reconstruir su carrera para distinguirla de la de Capa, ya que después de la muerte de ella, gran parte de su obra se atribuyó a Capa.

Si bien en las muestras se percibe que en aquella época ambos estaban empezando a desarrollar su mirada, experimentando con diferentes estilos, "hay diferencias entre ellos", aseguraron las comisarias: Taro está influenciada por una visión modernista de la fotografía, de lo que se llevaba en Alemania y la URSS "con unas diagonales muy claras", mientras que Capa "es más natural" y se fija en "la energía humana" del cuerpo, la cara y la acción.

Las muestras están coproducidas por el Mnac junto al International Center of Photography de Nueva York (ICP), institución que las inauguró en 2007 y cuyas comisarias, Cynthia Young y Kristen Lubben, aseguraron que Barcelona "es la mejor" ciudad para presentar estas exposiciones porque fue la primera ciudad que visitó la pareja para cubrir la Guerra Civil.

UNA FOTOGRAFÍA MISTERIOSA
Se ha gastado mucha tinta en tratar de determinar si la fotografía del miliciano muerto en Cerro Muriano (Córdoba) fue realmente obra de Capa y si estuvo amañada o realmente el republicano murió ante el objetivo del fotoperiodista por el impacto de una bala perdida.

Las comisarias del ICP consideraron que es "bastante improbable" que Taro hiciese esta fotografía porque en aquella época ella trabajaba con una cámara de negativos cuadrados, mientras que él usaba una de 35 milímetros, que da negativos rectangulares, como se supone que era el de 'Muerte de un miliciano'.

La duda se alimenta por el hecho de que la serie de esa foto fuesen posados de los milicianos para el objetivo de Capa. Todas las copias conocidas de aquella fecha se muestran desde mañana en el Mnac, con lo que cada visitante podrá hacerse su propia opinión.

Al ser las exposiciones de verano del Mnac, cada jueves se podrán visitar hasta las 22 horas, e irán acompañadas de actividades paralelas, como varios cursos de verano de la Universitat de Barcelona (UB), la proyección de la película 'La sombra del iceberg. Una autopsia de la mítica fotografía de Robert Capa 'El miliciano muerto'' y la recopilación mediante Internet de fotografías sobre la Guerra Civil para realizar en septiembre, durante las fiestas de La Mercè, una "pseudoexposición" con las mejores.

Robert Capa

 

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La sala museística de Cajasur ofrece
la visión de la guitarra de 32 artistas
07/07/2009
Córdoba

La sala museística de Cajasur inauguró ayer la exposición de pintura «Guitarras». En ella han trabajado treinta y dos artistas cordobeses de primera línea, que expondrán sus obras en esta sala hasta el día 26.

En la exposición han participado autores como Ginés Liébana, Antonio Villa-Toro, José Luis Múñoz, José María Córdoba, Camilo Huéscar, Rita Rutkowski y Francisco Escalera, entre otros. La aglutinación de los distintos estilos y técnicas pictóricas han hecho posible una colección con un denominador común: la guitarra.

Ginés LiébanaEs una obra de encargo y «muchos de los autores, aunque parezca mentira, nunca han pintado una guitarra» señala Alicia Reguera, comisaria de la exposición, que a su vez, agradece que «todos hayan hecho ese esfuerzo intelectual» El objetivo de estas obras es que los autores plásticos pueden formar parte del Festival de la Guitarra, puesto que es un proyecto cultural con una proyección internacional muy importante y que aportaran con la pintura «su visión sobre el mundo de la guitarra», según Rafael Blanco, teniente alcalde y delegado de Cultura en el Ayuntamiento de Córdoba.

La intención es que el Festival de la Guitarra no sea tan sólo una suma de conciertos sino que se complemente, además, con las artes plásticas; es decir, que se pueda «saborear con los ojos lo que se lleva saboreando con los oídos durante este mes» y así Córdoba pueda estar abierta a la cultura.

Esta exposición se ha presentado por primera vez en Córdoba y han participado en la muestra tanto el Área de Cultura del Ayuntamiento de Córdoba como el Gran Teatro. Cajasur ha querido vincularse al Festival de la Guitarra que «lleva un sello cordobés desde hace muchos años y que es la manifestación cultural y de más eco», añadió Juan José Primo Jurado, miembro de la Fundación Cajasur. Cada uno de los artistas que han colaborado en la exposición muestran una visión distinta sobre el mundo de la guitarra. Ginés Liébana, ha presentado su obra «El maleficio de la guitarra» realizada con una técnica mixta sobre papel.

Autores como Julia Hidalgo, Ángel Corral o Antonio Ortega han trabajado el óleo sobre tabla. Otros autores han realizado sus obras mediante técnicas mixtas y el uso de acuarela y acrílicos. Los materiales sobre los que han trabajado estos artistas han sido, en general, tablas, lienzos, papel y tela.

Luis Calvo Anguís, artista de la exposición y creador del libro «Mapa creativo de Córdoba. Plástica» destaca que algo tiene la guitarra que «la hace presente, y en muchos casos protagonista, en las más bellas pinturas de la historia del arte».

Mediante sus obras, los autores han conseguido reflejar que significa para cada uno de ellos el universo de la guitarra y transmitir a su público que el arte se puede manifestar tanto como por las cuerdas de una guitarra como a través de los pinceles.
 

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El Musac abre temporada con cinco nuevas exposiciones

06/07/2009
León

El Musac abrirá nueva temporada este sábado, a partir de las 17:00 horas, con la inauguración de cinco exposiciones en una jornada protagonizada por la performance del poeta Beatnik John Giorno.

El Musac abre temporada con cinco nuevas exposicionesEn cuanto a las exposiciones en sí, Ugo Rondinone inaugurará en el Musac 'La Noche de Plomo'. La primera exposición individual en España del artista suizo refleja la fascinación de Rondinone por los rituales, los sueños, la poesía y lo cotidiano en la condición humana. El poeta americano John Giorno realizará el día de la inauguración a las 20.00 horas una lectura poética.

'Kyong Park, Las Nuevas Rutas de la Seda'  es una exposición que despliega y repasa el ambicioso proyecto de investigación urbana que el teórico, activista y urbanista Kyong Park está desarrollando a través de los territorios culturales, sociales y políticos que abarcan y se expanden a partir de la antigua Ruta de la Seda.

Jorge Galindo presenta La Pintura y La Furia, una declaración de principios en torno al oficio y la posición del pintor en el mundo actual. Las salas del Musac aparecerán completamente plagadas de la mayor parte de las obras que el autor ha realizado en los últimos años, en las que la furia del hecho creativo será evidente a los ojos del espectador a través de un montaje que reproducirá lo más fielmente posible el estudio del artista.

Laboratorio 987 inaugura la exposición Paisajes Sedimentados, del artista francés Cyprien Gaillard. Grabados, óleos, polaroids, postales y dos vídeos en los que aborda el tema del paisaje,  la arquitectura y su relación con la naturaleza.

Por último, el Proyecto Vitrinas del Musac acogerá a Printed Matter, la mayor organización sin ánimo de lucro del mundo dedicada a la promoción de publicaciones realizadas por artistas.

Durante el acto de inauguración se presentará el nuevo fanzine del artista Ari Marcopoulos, producido especialmente para este proyecto, así como la insignia 'Aprender a leer arte', una  reedición especial en castellano de la insignia diseñada por el artista Lawrence Weiner para Printed Matter. Tanto el fanzine como la insignia se repartirán de forma gratuita, hasta agotar existencias.

 

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Museo Casa Natal de Cervantes incorpora un ejemplar de
El Quijote en gaélico a sus fondos bibliográficos

06/07/2009
Madrid

La Comunidad de Madrid recibió un ejemplar de El Quijote en lengua gaélica, donado al Museo Casa Natal de Cervantes de Alcalá de Henares por el embajador de Irlanda en España, Peter Gunning, informó el Gobierno regional.

Museo Casa Natal de CervantesLa directora general de Archivos, Museos y Bibliotecas, Isabel Rosell, recibió el libro de manos del embajador. Esta versión es esencial dentro de las traducciones de El Quijote a las lenguas célticas.

Fue realizada por Peadar Ó Laoghaire (1839-1920), fue editada póstumamente, en 1921, y el ejemplar pertenece a la reedición de 2001, revisada por el poeta y traductor Gabriel Rosenstock.

Esta donación pasará a formar parte de la colección de obras de Miguel de Cervantes en lenguas extranjeras que se conserva y exhibe en el museo. De todos estos volúmenes, 157 son de ediciones de El Quijote en 40 diferentes lenguas y alfabetos.

La conservación de estas "joyas bibliográficas" es una actividad del museo que se remonta a los primeros años de su fundación en 1956. El Museo Casa Natal de Cervantes es un museo monográfico de titularidad y gestión de la Comunidad de Madrid, situado en el inmueble donde, según los estudiosos, nació el escritor.

Recrea los distintos ambientes de una casa acomodada de los siglos XVI y XVII, mediante una ambientación que persigue que el visitante entre en las estancias percibiendo la presencia de sus moradores en el desarrollo de su vida cotidiana.

 

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El Museo Arqueológico de Asturias 
«ha de ser un museo con perspectiva de futuro»

05/07/2009
Oviedo

El mundo de los neandertales y la cueva de Sidrón, el arte paleolítico, las minas de la sierra del Aramo y la arquitectura de la Monarquía asturiana serán las etapas históricas más representativas en el Museo
Arqueológico de Asturias. Así se desprende del proyecto museológico, dirigido y coordinado por la catedrática de Arqueología de la Universidad Autónoma de Madrid Carmen Fernández Ochoa. El texto se encuentra actualmente pendiente de estudio y aprobación en el Ministerio de Cultura, organismo titular de la institución.

El protagonismo de Sidrón se justifica en el documento, porque los restos humanos hallados en la cueva de Piloña están permitiendo avances en el conocimiento del hombre de Neandertal punteros en el contexto europeo. En cuanto al arte paleolítico, algunos de los tipos existentes en Asturias son únicos y característicos de la región. Las minas del Aramo han aportado restos humanos y útiles singulares que demuestran la riqueza mineral de la región. Respecto al arte de la Monarquía asturiana, también conocido como Prerrománico, es único en el contexto europeo de la época, tanto en calidad como en cantidad. Además, las intervenciones en ellos a lo largo de la historia, han permitido la recuperación de muchos de sus restos arquitectónicos, que se custodian en el Arqueológico.


Museo Arqueológico de AsturiasElaborado por un equipo científico en el que están integrados los más destacados especialistas vinculados a la arqueología asturiana -la mayoría, profesores de la Universidad de Oviedo-, el texto es un vasto
documento que se divide en cuatro capítulos. El primero de ellos, denominado «Base documental», es una introducción explicativa de los contenidos, imprescindible para realizar la propuesta expositiva. Realizado por cada uno de los grupos de investigadores de acuerdo con unos criterios fijados en las reuniones conjuntas, además de la temática científica y organización de contenidos, incluye sugerencias sobre aspectos museográficos y una referencia bibliográfica.

El segundo de los capítulos se refiere a los contenidos temáticos y a la propuesta expositiva. Se seleccionan cinco áreas temáticas principales: Los tiempos prehistóricos, Neolítico y Edad de los Metales, El tiempo de los castros, Roma en Asturias y Asturias medieval; se propone, además, un área complementaria: De colección a museo y memoria histórica de la arqueología asturiana.

Las fichas de objetos arqueológicos y los planteamientos generales sobre la exposición permanente serían los otros dos capítulos del proyecto.

El Arqueológico de Asturias «ha de ser un museo con perspectiva de futuro», cabecera de la futura Red de Museos Arqueológicos del Principado. Deberá mostrar «la potencia y calidad de la arqueología asturiana» y ser «un centro con función didáctica y educativa», según se afirma en el documento.

En el texto también se hace referencia a la «escasísima dotación de recursos humanos y económicos» con la que se puso en marcha la elaboración del proyecto museográfico. Se cuenta, asimismo, que en el momento de elaborar el programa de la exposición permanente, «los fondos del Museo se encuentran almacenados en una nave industrial sin un orden topográfico preciso y sin que se hubiera procedido a una redefinición y actualización del depósito antiguo o del correspondiente a las más recientes excavaciones». Y se añade: «La ausencia de esta primordial tarea de revisión de la colección ha supuesto un gran "handicap" a la hora de redefinir el museo, de tal manera que esta labor se ha tenido que realizar de forma intermitente al compás de la elaboración de la "Base documental" y, en consecuencia, ha supuesto un gran esfuerzo, tanto para el equipo científico como para los arqueólogos que han operado como asistentes técnicos».

Si se cumplen los plazos propuestos, el Museo Arqueológico inaugurará su exposición permanente a comienzos de 2010 y será con posterioridad a este acontecimiento cuando se retome el plan museológico «para completarlo sentando las bases para garantizar su funcionamiento futuro».

La exposición deberá contar con producciones multimedia, para englobar el diseño de elementos interactivos, audiovisuales y multimedia. El proyecto propone incorporar algunas escenografías que faciliten la comprensión del discurso y sugiere, entre otros, el caso de las pinturas del Paleolítico, el ídolo de Peña Tu, los entibados mineros de Boinás y la iglesia de San Miguel de Lillo.

En lo que respecta a la celda del padre Feijoo, el proyecto museográfico propone su recreación tal como estaba en la antigua exposición del Arqueológico, aunque con «una actualización» que la dinamice y la haga atractiva. Para su realización se cuenta con varias fotografías, así como con todos los materiales que compró la antigua Diputación en la década de 1950 para diseñar su recreación.

 

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El Museo Municipal de Melilla expone 58 muñecas de época 
de la colección privada de Javier Mateo

04/07/2009
Melilla

Ayer se inauguró en el Museo Municipal la exposición temporal de muñecas Half-Doll y Art Decó, una muestra compuesta por 148 objetos y más de 60 muñecas de porcelana propiedad de la familia Mateo Andújar.

Hasta el próximo 18 de septiembre, los interesados podrán observar una colección que refleja el estilo de vida de los años 20. Minutos antes de que se abriese al público la muestra, su propietario, Javier Mateo, recorrió la sala con los periodistas para explicar con más detalle cada una de las piezas expuestas. 

Museo Municipal de MelillaSegún dijo, estas muñecas, «que
se regalaban a las amantes», dan a conocer el exotismo y la elegancia de esa época. 

La colección, formada por más de 60 muñecas de porcelana de estilo Art Decó producidas durante la primera mitad del siglo XX,
se completa con otros objetos de la época, como boquillas de fumador, esculturas de bronce, gramolas, licoreras o abanicos. 

Aunque en la muestra no están todas las que componen la colección de Mateo y Andújar, las piezas exhibidas dan al visitante una idea de este arte «y nada mejor que una exposición de este tipo para conmemorar el
centenario de la llegada de Enrique Nieto a la ciudad».

 

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CaixaForum muestra la obra de Vlaminck, 
renovador de la pintura vanguardista

03/07/2009
Barcelona

Unas ochenta obras provenientes de museos y colecciones de todo el mundo del fovista francés Maurice de Vlaminck, un rebelde y provocador artista, considerado clave para entender la renovación de la pintura de vanguardia europea de principios del siglo XX, se exhiben desde hoy en Barcelona.

Ubicada en CaixaForum, después de verse en Madrid la primavera pasada con gran éxito de público, la exposición, que se ha montado en colaboración con sVo Art, muestra la evolución del pintor desde un primer periodo influenciado por el postimpresionismo hasta la iniciación del fovismo, su posterior alejamiento, y su acercamiento a Cézanne.  Asimismo, se exponen un conjunto de cerámicas que el artista pintó a partir de 1906 y una selección de sus esculturas de procedencia africana y oceánica, puesto que fue uno de los primeros en descubrir este arte.

CaixaForum muestra la obra del fovista francés Maurice de VlaminckLa comisaria Maïthé Vallès-Bled ha explicado hoy en rueda de prensa que el francés, nacido en 1876 y fallecido en 1958, es uno de los principales representantes del fovismo y siempre se presentó como un autodidacta, aunque "conocía muy bien la pintura de su época". Según Vallès-Bled, fue siempre un rebelde y un provocador, anarquista, "que cuestionó los principios de la pintura y del impresionismo decadente que se mantenía a principios del siglo XX".

A la hora de plasmar su trabajo sobre una tela, "fue uno de los artistas más virulentos de su momento, no dudando en utilizar colores puros, tal como salen del tubo, y expresó a través del color todo lo que antes se había expresado con otras técnicas". A diferencia de otros coetáneos, su inspiración y su experimentación no fueron los paisajes del sur de Francia, sino los de las orillas del Sena, que solía recorrer en bicicleta.

Precisamente, la comisaria ha recalcado que por sus circunstancias vitales -se casó muy joven y a los 23 años ya tenía 3 hijas- simultaneó su oficio de pintor con otros muy alejados de este ámbito y ejerció como corredor ciclista, de regatas e incluso enseñó música. No empezó a vivir de la pintura hasta los años 1905-1906 y considera Vallès-Bled que siempre pintó "con tonos muy gruesos, muy rápidos, con el color vertido directamente sobre la tela".

Rue de Village, de VlaminckEn 1900 había conocido a André Derain, una de sus mayores influencias, compañero de viaje vital, que le llevaría a ejecutar este tipo de pintura, de colores casi puros, bautizada con el calificativo de fauve, que en francés significa fiera. En este tiempo conoce también la obra de Van Gogh, que le impacta, y entabla amistad con Matisse y Picasso. A partir de 1907, se empieza a alejar del fovismo, entendido más como grupo de amigos que como movimiento artístico, y, desorientado, descubre la obra de Cézanne, quien seguía el principio de que todas las formas geométricas ya existen en la naturaleza. Será, justamente, la realidad que le ofrece la naturaleza su fuente de inspiración, acabando en la década de los años veinte "siendo muy naturalista, hasta el extremo de que algunos críticos entendieron que era demasiado clasista, aunque nunca renunció a la fuerza del color".

La exposición, que podrá verse hasta el próximo 18 de octubre, se detiene, asimismo, en un conjunto menos conocido de su obra como son una serie de naturalezas muertas y retratos de amigos y vecinos, que llaman la atención por su poder expresivo. Otro apartado importante de este monográfico son sus cerámicas, de las que existen unas 150 piezas catalogadas, así como una decena de piezas que muestran la influencia que Vlaminck recibió de la escultura africana y oceánica.

 

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Florida acogerá la mayor colección privada de obras de Salvador Dalí

02/07/2009
Miami

Una fortaleza geométrica de cemento y cristal a prueba de huracanes, que captura en su diseño las especulaciones del creador del misticismo atómico reunirá en Florida la mayor colección privada de obras del pintor Salvador Dalí.

La colección de 2.140 piezas, que incluye 96 pinturas del enfant terrible del surrealismo, así como numerosos aguafuertes y dibujos, abandonará las actuales instalaciones del Museo Dalí de St. Petersbug, en la costa oeste de Florida, un edificio muy expuesto a la acción de la naturaleza.

La excepcionalidad de este nuevo museo radica en ser una construcción con muros de 45 centímetros de espesor diseñada para resistir el impacto de huracanes de categoría cinco con vientos de hasta 265 kilómetros por hora. Su estructura externa y diseño interior evoca elementos muy característicos de Dalí (1904-1989), como son "lo racional y apolíneo junto con lo irracional, dionisíaco y fantástico", explicó el director del museo, Charles Henri Hine.

Henri destacó que la obra del pintor ampurdanés contará por fin con el marco que se merece en el nuevo museo, cuya construcción tendrá un coste de 35 millones de dólares y, si se cumplen los plazos previstos, se inaugurará el 11 de enero de 2011.

Uno de los grandes aciertos de esta colección es que recoge, como ninguna otra, las "sucesivas épocas" que componen la trayectoria artística del pintor más febril y creativo del grupo surrealista. Sus fervientes admiradores pueden deleitarse con el artista joven, "clásico, casi impresionista", además del pintor surrealista o el creador del "misticismo atómico", explicó el director del Museo Dalí. "No hay duda de que en su período surrealista Dalí creó algunas de las obras más importantes del siglo XX, pero el fondo de nuestro museo saca a la luz la importancia de los últimos períodos también", precisó Henri. 

Museo Dalí de St. Petersbug

Lúdico, con una voluntad de provocación permanente, el Dalí que celebra esta colección, sin dejar de ser ése, es el artista de los guiños clásicos, "a la manera de Velázquez", "de tono histórico", que se contemplan por ejemplo en El descubrimiento de América por Cristóbal Colón (1958/1959), destacó.
O el Dalí menos conocido que practica la estética del misticismo atómico, a finales de los 50, concepto que nos pone frente a un artista obsesionado con la ciencia y física contemporánea y la omnipotencia infinita de Dios.

Esta obsesión del pintor catalán por las ecuaciones matemáticas y la ciencia la recoge con "daliniana" precisión el renombrado arquitecto Yann Weymouth, responsable del diseño del nuevo museo. Para ello, Weymouth ha dispuesto en el vestíbulo abierto del museo una sorprendente escalera helicoidal, ascendente, síntesis de la molécula de ADN, en la que Dalí creyó reconocer la presencia del Creador.

"La escalera es la perfecta secuencia y expresión de la ascensión al cielo", aseguró con entusiasmo Henri, quien se siente especialmente orgulloso de la última adquisición del museo: el cuadro titulado Gala contemplando el Mediterráneo que, a una distancia de veinte metros, se transforma en el retrato de Abraham Lincoln (1976). Y volvemos con esta obra a encontrarnos con una constante en el quehacer artístico de Dalí: la afición del pintor por las imágenes doble, triples y múltiples, su gusto por la fotografía instantánea, "en colores", "hecha a mano", como él mismo dijo en una ocasión.

Henri despliega sobre la mesa láminas, fichas, cuadernillos donde se aprecia lo ambicioso del proyecto, ya en marcha (la construcción del nuevo museo comenzó en diciembre pasado), y el gran impacto cultural y económico que tendrá en el estado.

El museo, que recibe actualmente cerca de 200.000 visitantes al año y genera 60 millones de dólares a la economía local, podría duplicar esas cantidades. Pero Henri pone una nota de inquietud: el nuevo museo necesita recaudar nueve millones de dólares para completar los 35 que cuesta su construcción, una diferencia que confía en que pueda ser cubierta mediante diversas donaciones.

El nuevo emplazamiento del museo estará muy cerca del actual, apenas unas pocas manzanas más al norte, en la misma agradable zona de la bahía de Tampa. Así que es mucho lo que ofrecen estas nuevas instalaciones al visitante: más de 6.000 metros cuadrados distribuidos en tres pisos (la obra de Dalí se exhibe en el tercero), una cafetería, una sala de cine, una librería y archivo y un jardín "diseñado de forma matemática, con numeración de secuencias". O sea, un museo bello, quizá tan bello como el "encuentro fortuito de un paraguas y de una máquina de coser sobre una mesa de disección", la manifestación perfecta de la belleza para el conde de Lautréamont.

 

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El Museo de los Orígenes acoge una muestra 
de la historia de Madrid desde la Prehistoria hasta la Edad Moderna

02/07/2009
Madrid

El Museo de los Orígenes, con el fin de mantener el acceso al público de parte de sus instalaciones durante el transcurso de las obras, ha preparado la exposición Orígenes de Madrid que muestra la historia de la
ciudad desde la Prehistoria hasta la Edad Moderna, apoyándose en las colecciones del propio museo junto con paneles, audiovisuales y materiales didácticos, informó hoy el Ayuntanmiento de Madrid.

La directora general de Archivos, Museos y  Bibliotecas, Belén Martínez, presentó esta mañana esta muestra que, a través de un total de 153 piezas, recorre en cuatro apartados los orígenes y el desarrollo de la villa.

Museo de los OrígenesEn primer lugar, hay una zona dedicada a los primeros habitantes del valle. En esta parte se presentan restos de 500.000 hasta 15.000 años de antigüedad. En este apartado se incluyen las herramientas utilizadas para trabajar y cazar. Destacan los restos del primer hombre fósil encontrado en Madrid en los años 20 del siglo pasado. Se trata de un molar de un niño de hace unos 150.000 años que podría ser de la especie heidelbergensis, o de neandertal.

El segundo apartado se centra en el desarrollo de las sociedades agrarias El avance en el control de medio natural originó hace 7.400 años un proceso de sedentarización ligado a la domesticación de animales y a la aparición de la agricultura. En esta sala se muestran los avances tecnológicos logrados con el descubrimiento de la cerámica, lo que supuso un cambio sustancial en la dieta alimenticia, la aparición de la metalurgia, la vida en los poblados y la compleja organización social y de creencias religiosas manifestadas en los rituales funerarios. Destacan los restos de un poblado de la Edad del Bronce que estaba situado en los terrenos del hospital 12 de Octubre y los ricos ajuares funerarios.

El tercer apartado recoge el Madrid romano y el fin de la Antigüedad. Se exponen aquí los restos de la villa romana de Villaverde Bajo en la que se alcanzó un grado de refinamiento notable a juzgar por los mosaicos y pinturas, las esculturas y los delicados vidrios.

Igualmente se exhiben restos de un cementerio visigodo que ilustran la aportación de estos nuevos habitantes, llegados en escaso número y que reocuparon algunos de los antiguos asentamientos romanos.

La última sala se centra en la fundación de Madrid en el siglo IX por los musulmanes, el desarrollo de la ciudad durante la Edad Media que fue rodeada por sucesivas murallas islámicas y cristianas y el gran crecimiento que experimentó la villa desde la instalación de la Corte en ella que la convirtió en capital de un imperio universal.    Destacan las magníficas piezas de alfarería  y de instrumentales quirúrgicos islámicos, elementos de vajilla y cristalería cristianos y restos del antiguo alcázar.

Como cierre de la exposición, que permanecerá abierta al público hasta que finalicen las obras del Museo,  se muestra la gran maqueta de Madrid en el siglo XVII basada en el espléndido plano de Pedro de Texeira, de 1656.

 

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Nefertiti se quedará en el Museo Egipcio de Berlín

01/07/2009
BerlínEl busto de Nefertiti, seguirá en el Museo Egipcio de Berlín

El busto de Nefertiti, la pieza más valiosa del Museo Egipcio de Berlín, se quedará en la capital alemana, según opinó hoy su antiguo director, Dietrich Wildung, pese a que las autoridades egipcias reclamaron su devolución hace sólo un par de semanas. 

Aunque Wildung se ha jubilado recientemente de su cargo de director (le ha sucedido Friederike Seyfried), sigue siendo considerado una de las máximas autoridades entre los egiptólogos alemanes y su opinión es tenida en cuenta. Wildung insistió en que pretende seguir contribuyendo a aclarar todas las imprecisiones que existen en torno a la reina del Nilo (1370 a.C.-1330 a. C), cuyo busto hallaron arqueólogos alemanes en el Valle de Amarna en 1912. "Sobre todo me voy a esforzar por que todo el alboroto -que no ha sido causado por Egipto, insisto- que rodea a Nefertiti se acabe finalmente, y por que tanto Egipto como Alemania estén satisfechos", apuntó Wildung en declaraciones a la radio alemana Kultur.

Cruce de declaraciones
Así respondía Wildung a las declaraciones de hace dos semanas del secretario general del Consejo Superior de Antigüedades egipcias, Zahi Hawass, a un dominical berlinés en las que afirmaba que el busto de Nefertiti es un "tesoro de excepción" de la cultura egipcia, por la que vale la pena presentar una petición formal de restitución. Egipto ya reclamó, sin éxito, a Adolf Hitler la restitución del busto, e incluso últimamente se sucedieron peticiones más o menos formales para exhibir el busto de forma temporal en museos egipcios, pero hasta ahora Berlín no accedió alegando los riesgos que supondría tal transporte. 

Hawass aseguró que se propone elevar la reclamación al plano oficial, defendiendo que los arqueólogos alemanes lo sacaron del país ilegalmente en 1912. El problema es que el busto de la esposa del faraón Akenaton, célebre por ser el más bello del mundo, no sólo es un tesoro preciado para su país de origen, sino también un imán museístico y seña de identidad de Berlín, presente en todas sus guías turísticas. De hecho, será este año la estrella de la reapertura, el próximo mes de octubre, del Neues Museum. 

Este centro es la última pieza que quedaba por recuperar de la Isla de los Museos de Berlín, destrozada por los bombardeos en la Segunda Guerra Mundial.

 

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