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Mundos Tribales en el Museo de Prehistoria de Valencia
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29/10/2008
Valencia
El Museo de Prehistoria de Valencia presenta el próximo 5 de noviembre la exposición «Mundos tribales: una visión etnoarqueológica», una muestra que rescata tradiciones ancestrales para mostrarlas al público valenciano. La exposición muestra, a través de un conjunto extraordinario de más de 100 objetos y 130 fotografías y filmaciones, las comunidades indígenas de Etiopía, Papúa-Nueva Guinea y Australia. La exposición ofrecerá la oportunidad de recorrer tres áreas culturales donde, todavía hoy, habitan pueblos que mantienen vivas tradiciones y formas de vida ancestrales.
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Se trata de una muestra pionera «entre nosotros por su temática y ha supuesto un reto dentro de las líneas de investigación desarrolladas por el Museo de Prehistoria de Valencia», explica la directora, Helena Bonet.
Con esta muestra el museo invita al visitante, no sólo a comprender y conocer mejor las sociedades prehistóricas, sino a reflexionar sobre la situación actual de los pueblos indígenas y el compromiso político y social, que todas las personas e instituciones deberían tener a favor de su supervivencia, ante el poderoso avance de la globalización.
Con motivo de la exposición el Museo de Prehistoria ha organizado la conferencia sobre «El arte rupestre en la tierra de Arnhem (Australia)», a cargo de la Doctora Inés Domingo Sans.
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El Museo Guggenheim Bilbao se llena de color con Cy Twombly
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28/10/2008
Bilbao
Una selección de casi 100 obras, entre pinturas, esculturas y dibujos, ocupan la segunda planta y una sala de la primera, con especial incidencia en las series temáticas más importantes desarrolladas por el artista a lo largo de su trayectoria que se presentan, salvo algunas excepciones, en un recorrido cronológico.
Esta exposición enfatiza, así mismo, la especial relación y el compromiso del Museo con este artista en los últimos años con la adquisición en el año 2007 de la serie Nine Discourses on Commodus (Nueve discursos sobre Cómodo, 1963), la primera serie concebida unitariamente por Cy Twombly, en torno a la cual gira la muestra.La comisaria de la exposición es Carmen Giménez, gran conocedora de la obra del artista y responsable en la primavera de 1987 de Cy Twombly, la primera gran retrospectiva en España del artista, comisariada por Harald Szeemann, y que se presentó en el Palacio de Velázquez y Palacio de Cristal de Madrid.
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La comisaria de la exposición es Carmen Giménez, gran conocedora de la obra del artista y responsable en la primavera de 1987 de Cy Twombly, la primera gran retrospectiva en España del artista, comisariada por Harald Szeemann, y que se presentó en el Palacio de Velázquez y Palacio de Cristal de Madrid, siendo ella entonces Directora del Centro Nacional de Exposiciones. Anteriormente, en 1986, Cy Twombly fue uno de los artistas incluidos en la exposición inaugural del Centro de Arte Reina Sofía, Referencias: un encuentro artístico en el tiempo, comisariada también por Carmen Giménez. Más tarde, en el otoño de 1987, la muestra de La Colección Sonnabend, comisariada por Jean Louis Froment, en este mismo centro contó igualmente con una importante representación de la obra del artista.
La presentación de las obras que componen esta monografía única entabla un interesante diálogo con la inconfundible arquitectura del edificio de Frank Gehry, cuyas galerías de formas curvilíneas y grandes lucernarios resaltan la fuerza del trabajo de Twombly y las ricas tonalidades y texturas de sus pinturas y esculturas.
La exposición cuenta con importantes préstamos de la Tate Modern de Londres, el Museum Ludwig de Colonia, el Centre Georges Pompidou de París y la Daros Collection de Zúrich en Europa; del Museum of Modern Art de Nueva York, la Menil Collection de Houston y la National Gallery of Art de Washington D.C. en Estados Unidos. De forma muy generosa y especial la muestra también exhibe préstamos de la colección propia de Cy Twombly, entre otras numerosas instituciones y colecciones privadas, tanto españolas como internacionales.
Con motivo de la muestra, el Museo Guggenheim Bilbao publica un catálogo que cuenta con una presentación de Carmen Giménez y con el ensayo Zahorí, a cargo del Profesor Francisco Calvo Serraller, Catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. Además, incluye dos entrevistas al artista: una de ellas realizada por Nicholas Serota, Director de la Tate de Londres; y, la otra, realizada por el recientemente fallecido crítico de arte David Sylvester, uno de los historiadores del arte que mejor ha escrito sobre la obra de Cy Twombly.
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Joyas griegas siglos XVII al XIX de la Colección del Museo Benaki en el ICPNA
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28/10/2008
Perú
El Museo Benaki de Atenas guarda una de las colecciones de joyas y orfebrería más importantes de Europa. Gracias a las gestiones de la Embajada de Grecia, el público limeño podrá admirar la belleza y oficio de estas piezas deslumbrantes, no solo por el empleo que de los metales preciosos hicieron artesanos y artistas griegos, sino por el valor histórico que encarnan pendientes, collares, cintos, tiaras, coronas y brazaletes. Una muestra de la indudable trascendencia de la cultura helénica para Occidente.
El helenismo, luego de la pérdida de su independencia política, existió por varios siglos bajo gobiernos extranjeros: el de los turcos otomanos y el de los venecianos y otros latinos que se habían establecido en diversas islas y áreas costeras del mar Egeo y del mar Jónico.
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La dominación de Grecia por parte de los otomanos, con excepción de las islas Jónicas, culminó en 1715 luego de prolongadas y extenuantes guerras. Sin embargo, el mundo griego consiguió sobrevivir y preservar su identidad nacional, mantenida por el idioma griego y la fe ortodoxa. De hecho, desde mediados del siglo XVIII, el helenismo cautivo experimentó un notable apogeo económico, intelectual y artístico que se benefició de los avances en el ámbito internacional.
De importancia decisiva para la formación del arte neohelénico fue el legado bizantino en el que se mezclaron por igual influencias de la opulencia de Oriente y el espíritu innovador de Occidente. La fértil unión de las diferentes tradiciones culturales también se vio reflejada en las joyas, cuyos valores estéticos y materiales dependían de las circunstancias históricas existentes en las diversas áreas del mundo griego.
Destacan en las islas Egeas un grupo de joyas de oro caracterizadas por su fina decoración y filigrana, esmalte alveolado y perlas que reflejan influencias de Occidente en su repertorio temático y estilo. El centro de producción de estas joyas que data del siglo XVIII se ubica en uno de los prósperos pueblos de las islas griegas en ese entonces bajo dominio latino. Las joyas de oro de las islas Jónicas en el siglo XIX reflejan indudablemente la influencia latina en la medida en que ésta fue asimilada por los orfebres de Epiro que buscaron refugio en el protectorado británico para escapar de la persecución antes de la guerra de independencia.
Luego de la conquista otomana de Grecia, una nueva orientación estética se impuso gradualmente en todas las regiones y las características principales del arte y la joyería neohelénicos finalmente se cristalizaron. Las joyas neohelénicas en su mayoría hechas de plata pero también de cobre o bronce para después dorarlas se caracterizan por mezclar diferentes técnicas y métodos de decoración, cuyos impresionantes resultados se basan en la imaginativa combinación de formas individuales en detalladas composiciones.
Las características predominantes son la repetición de muchos elementos independientes que articulan la pieza principal y los colgantes que se desprenden de intrincados sistemas de uniones, cadenas y mallas metálicas, con un frecuente tintineo cuando el usuario realiza sus movimientos. Estos adornos hilera tras hilera cubrían áreas completas del cuerpo. La decoración incorpora diversos motivos florales, símbolos protectores y apotropaicos relativo a los ritos o acciones sagradas con las que el ser humano busca procurarse una defensa efectiva ante el mal, así como monedas reales o sus imitaciones. Esta variedad de temas y técnicas decorativas así como el uso de piedras preciosas de colores (principalmente de vidrio) y de esmalte le dan a las joyas neohelénicas un aire verdaderamente majestuoso aunque sean elaboradas con materiales sencillos.
La vorágine de eventos históricos en el siglo XIX, marcado por la guerra de independencia griega y la fundación del Estado griego (1830) trajo cambios económicos, sociales y estructurales importantes en la sociedad griega. Estos cambios y el efecto catalizador de los modelos europeos originaron la transformación gradual y la industrialización de la producción artística, así la elaboración de joyas toma un giro, el de la modernidad.
La muestra Joyas griegas, manifiesta una visión en torno, no sólo a la estética helénica, sino a todo un proceso de producción artística vinculada a los estamentos sociales, los ritos y la vida cotidiana de la Grecia de los siglos XVII, XVIII y XIX.
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Inauguran en Colombia Museo Internacional de la Esmeralda
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27/10/2008
Colombia
Aunque Colombia es considerado el productor de las esmeraldas más hermosas del mundo, nunca había tenido hasta ahora un museo para exhibir estas piedras preciosas y apetecidas. Las más de 3.000 piezas que Alberto Sepúlveda ha coleccionado desde hace 35 años –cuando se convirtió en un empresario que compra y vende esmeraldas– pueden ser observadas hoy por colombianos y extranjeros en un céntrico edificio de la ciudad de Bogotá.
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Sepúlveda tuvo la idea del museo hace 20 años, durante una feria de piedras preciosas celebrada en la ciudad alemana de Múnich. “Un señor me compró una esmeralda y me dijo que la iba a donar para un museo. Desde entonces me quedó sonando la idea”, manifestó Sepúlveda.
A la entrada del Museo Internacional de la Esmeralda, un local de 650 metros cuadrados, Sepúlveda mandó construir una réplica de socavón, una cueva que se excava en la ladera de un cerro, de unos 15 metros de largo, donde el visitante tendrá la sensación de encontrarse en una mina de esmeraldas.
Tras ese primer recorrido por el socavón, se llega a un inmenso salón donde están exhibidas, por ejemplo, esmeraldas en bruto y sin pulir, que pueden pesar hasta 265 quilates.
Las esmeraldas más costosas en los mercados internacionales están marcadas por su transparencia, por la saturación de su color, por su tamaño y por su forma, explicó el especialista.
Una leyenda popular colombiana dice que alguna vez la diosa indígena Fura lloró amargamente porque su esposo, Tena, le fue infiel, y sus lágrimas terminaron convertidas en pequeñas piedras verdes a las que en adelante se les llamó esmeraldas, afirmó Sepúlveda, quien es el gerente del nuevo museo. La figura de esa diosa no podía faltar en el lugar y fue tallada por un artesano en una piedra natural obtenida en las minas de los municipios de Muzo, Coscuez y Chivor, en el departamento de Boyacá, ubicados a más de 100 kilómetros al noreste de Bogotá.
El otro municipio que produce esmeraldas en Colombia es Gachalá, departamento de Cundinamarca, localizado a 60 kilómetros de la capital del país.
Sepúlveda, un empresario de 60 años, oriundo de Boyacá, pretende que parte del dinero que produzca el Museo sea invertido en los niños pobres de Muzo, Coscuez, Chivor y Gachalá, cuyos padres han muerto en accidentes mineros. No tenemos la cifra de cuántos son los niños, advirtió Sepúlveda, quien, alegando razones de seguridad, declinó revelar el precio de su colección de piedras y el costo del Museo.
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El primer museo español dedicado a Barbie
abre sus puertas en la localidad de Lanaja
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22/10/2008
Huesca
La localidad de Lanaja inaugurará el próximo viernes, 24 de octubre, un espacio cultural que dedicará a la mítica muñeca Barbie. Este es el primer museo de España que se dedicará al personaje y albergará una exposición permanente con más de 700 muñecas Barbie. La inauguración tendrá lugar a las 20.30 horas.
La exposición sobre esta muñeca conforma un mágico mundo de ilusión, en el que se puede encontrar desde princesas encantadas y criaturas mitológicas del bosque hasta el místico mundo de los indios de la Antigua América.
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La colección se convierte también en un auténtico paseo de la fama, con estrellas de cine como Marilyn Monroe, Audrey Hepburn en 'My Fair Lady' o Clark Gable en 'Lo que el viento se llevó'.
Algunas de las piezas que se exponen han sido vestidas por importantes diseñadores de moda como Versace o Burberry. Otras han sido elaboradas expresamente para el museo con trajes tradicionales de España, entre los que destaca el Ken asturiano, la Barbie alicantina y, en especial, los danzantes de Lanaja.
El Museo de Lanaja está enclavado en un antiguo almacén de grano que data del siglo XVI. La restauración del edificio ha respetado la estructura clásica de su arquitectura, manteniendo el vínculo con su tradición. El museo permanece abierto al público los viernes de 17.00 a 21.00 horas y los sábados, domingos y festivos de 10.00 a 21.00 horas.
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El Museo Oteiza, la obra desvelada
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21/10/2008
La llegada de los aniversarios despliega siempre acciones de conmemoración y recuerdo, rituales de celebración que permiten canalizar las manifestaciones sociales y culturales de cada comunidad.
Son también momentos de reflexión y análisis, que establecen, en su condición revisionista, nuevos lazos y dinámicas de futuro. En 2008, han coincidido dos efemérides estrechamente vinculadas al Museo Oteiza.
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Una, sin duda la más significativa, es el centenario del nacimiento de Jorge Oteiza, que ha provocado diversas acciones de revisión y reconocimiento a la figura de este gran artista. La otra, el cumplimiento del quinto aniversario del Museo de Alzuza, que alberga la colección escultórica y documental más importante del autor, y que se ha convertido en el referente en el análisis y el estudio de su obra y su pensamiento estético.
En este año coinciden, por tanto, el centenario de un artista que asentó las bases de su ideario y práctica artística en el pasado siglo, junto con el primer lustro de existencia de este joven museo que camina por el recién iniciado siglo XXI. Y que ha colocado la obra y el pensamiento de Oteiza en el centro de todos sus planteamientos y ha enfatizado el carácter público de un legado artístico al que ha proporcionado un acceso público permanente.
El Museo Oteiza, resultado del proyecto arquitectónico de Sáenz de Oiza, se inauguró el 8 de mayo de 2003, apenas unas semanas después del fallecimiento de su fundador. Tras un primer momento convulso cargado de complicaciones, centró su rumbo con la llegada a la dirección de Pedro Manterola, en el verano de 2004. A partir de 2005, comenzó a desarrollar un ámbito propio y exclusivo de trabajo, basado en generar escenarios y herramientas de reflexión en torno a la obra y la figura de Jorge Oteiza, mediante publicaciones, becas, proyectos expositivos y herramientas de interacción con el público.
Ediciones críticas
En este periodo, el museo, que ha registrado 210.000 entradas, ha editado una quincena de publicaciones de investigación y análisis de la obra de Oteiza, destacando las ediciones críticas de su obra escrita, como su Poesía completa, la Interpretación estética de la estatuaria megalítica americana o el Quousque tamdem, y la recuperación de materiales descatalogados, ha programado una decena de exposiciones sobre su creación artística, también en relación con otros creadores, y ha desarrollado una constante actividad pedagógica, tanto en el museo, como en los centros escolares de su entorno.
El ámbito de la investigación ha constituido el eje fundamental del Museo Oteiza, que inauguró su actual Centro de Documentación en 2005, que promueve la concesión de becas de investigación anuales y ha procesado el rico y extenso legado documental de Jorge Oteiza, así como su biblioteca personal, poniendo a disposición de los investigadores 29.000 registros de su archivo.Todas estas acciones han provocado que los más notables historiadores y críticos de los fenómenos artísticos hayan girado su mirada hacia la figura de Oteiza, colocando su propuesta artística en la centralidad de los movimientos de renovación del arte del siglo XX, cuya historia, hasta hace pocos años, se ha escrito apenas sin tener en cuenta la significación de su trabajo.
Aspectos inéditos
Por tanto, el consenso sobre el valor de la obra de Oteiza no es, sin duda, el mismo que años atrás. Este periodo ha servido para revelar aspectos inéditos de la obra de Oteiza, como su rica y extensa creación sobre papel, de la que apenas nada se sabía, reconstruir y analizar algunos de su proyectos arquitectónicos o revelar la esencia de su laboratorio experimental, como en la exposición que, comisariada por Angel Bados, ocupa ahora el museo y que constituye una de las acciones principales de su Centenario, junto con el Congreso Oteiza y la crisis de la modernidad, que comienza hoy. La propia dinámica del museo ha permitido, también, establecer colaboraciones con otros centros culturales y generar dinámicas conjuntas de análisis y revisión crítica de Oteiza y su tiempo, posibilitando que su obra pudiese mostrarse en diversas exposiciones, como las celebradas en el Museo Guggenheim de Bilbao y Nueva York, o en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, entre otras.
El Museo Oteiza encara ahora su futuro con la presencia en su dirección de Gregorio Díaz Ereño y con el reto de poder transmitir a su público actual y futuro la vigencia de la significación de la obra de un artista aún sorprendente, que continúa generando un interés creciente, y que contiene muchos aspectos aún por desvelar.Un artista que consiguió hacer de su trabajo artístico un elemento de reparación del hombre a través de la solución existencial y simbólica que aporta la escultura y el arte, que construyó su ideario y su práctica estética desde «la necesidad absoluta del hombre en vencer a la muerte,de situarse en el más allá, en lo absoluto». Un autor, que concibió al arte y la educación estética como un elemento de conocimiento personal y transformación social, de creación de cultura y de mitos.Transmitir esa enseñanza y proyectar hacia la sociedad estos ambiciosos objetivos determinan el reto identitario del Museo Oteiza
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El MuVIM analiza el tratamiento de las masas en el cine de entreguerras
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21/10/2008
Valencia
El Museu Valencià de la Il.lustració i la Modernitat (MuVIM) abordará el tratamiento de las masas en el cine de entreguerras en el ciclo cinematográfico 'El cuerpo de la multitud. Figuraciones de las masas en el cine de entreguerras', que se desarrollará desde mañana hasta el 31 de octubre bajo la dirección de Vicente J. Benet, según informó la Diputación de Valencia en un comunicado.
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Según avanzó Benet, del mismo modo que la pintura, el dibujo o la fotografía, "el cine de principios del siglo XX y fundamentalmente de entreguerras utilizará con particular eficacia el motivo de las multitudes para representar las tensiones de la sociedad moderna caracterizada por la industrialización, las concentraciones humanas en grandes ciudades, la alienación en el trabajo, el avance técnico, las guerras a escala planetaria y los conflictos políticos".
La propuesta 'El cuerpo de la multitud', coordinada desde el Centre d'Estudis i d'Investigació del MuVIM, ofrecerá diversas proyecciones cinematográficas aderezadas con ponencias e intervenciones de autores tan destacados como Ángel Quintana, Rafael Rodríguez Tranche, Juan José Lahuerta, José Díaz Cuyás, Antonio Monegal, Vicente Sánchez Biosca y propio director del ciclo."No cabe duda de que, dentro de las manifestaciones artísticas, el cine ocupa un lugar esencial en la figuración de las masas ligadas a la experiencia de la modernidad técnica y también como medio ideal para mostrar su capacidad ornamental", comentó Benet, quien explicó que la selección de películas que plantean "busca ofrecer un repertorio básico de las diferentes estrategias de representación de la multitud por parte del cine del periodo".
Las sesiones cinéfilas comenzarán a las 17.30 horas --excepto la del día 30, que será a las 10 horas-- y consistirán en una breve introducción previa a la película, proyección y ponencia final del invitado, abierta a debate. La asistencia al ciclo cinematográfico documental podrá ser convalidada por créditos de libre opción por los alumnos matriculados."La estrecha colaboración que nos vincula con las universidades valencianas se amplía en esta ocasión con la colaboración del Institut Français de Valence y Stromboli Videoclub digital", comentó el director del MuVIM, Romà de la Calle.
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La exposición World Press Photo 2008
estará en el CCCB de Barcelona hasta al 14 de diciembre
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21/10/2008
Barcelona
La exposición fotográfica World Press Photo 2008, que organiza la fundación Photographic Social Vision podrá verse en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) hasta el 14 de diciembre.
Este año han sido premiados cuatro fotógrafos españoles: Lorena Ros, Cristina García Rodero, Emilio Morenatti y Miguel Riopa. En total han participado 5.019 fotógrafos, de los que 177 eran españoles.
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Este es el cuarto año que la exposición se exhibe en el CCCB. La pasada edición tuvo más de 30.000 visitas a su paso por Barcelona, una de las 80 ciudades que la acoge. La muestra está patrocinada por la Obra Social de Caja Mediterráneo.
El World Press Photo es uno de los premios más importantes del ámbito del fotoperiodismo. Cada año un jurado internacional e independiente formado por trece profesionales escoge las mejores imágenes enviadas por fotoperiodistas, agencias y periódicos en diez categorías diferentes.
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La Casa-Museo de Menéndez Pelayo se inaugura el 24 de octubre
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20/10/2008
Santander
El Ayuntamiento de Santander y la Sociedad Menéndez Pelayo celebrarán definitivamente el próximo viernes al mediodía el acto de inauguración de la Casa-Museo de Menéndez Pelayo y sede la citada entidad que lleva el nombre y difunde el legado del polígrafo y erudito santanderino.
La Sociedad, que preside Ramón Emilio Mandado, ha editado un facsímil del acta de su constitución el 16 de octubre de 1918, y convocará en breve un nuevo Premio de Investigación con destino a 2009.
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El próximo día 24 los actos municipales certifican no sólo el regreso material de la Sociedad a su sede natural en las instalaciones de la Casa del polígrafo, sino que supondrán el inicio de una nueva etapa de proyección de la entidad en las que apuesta por el rigor y la transparencia. El acto en torno a la casa museo escenifica el regreso de la Real Sociedad Menéndez Pelayo a su sede de Gravina, en el entramado bibliotecario del centro de Santander.
El origen de la situación se generó en las obras y remodelaciones acometidas en el edificio con motivo de la ubicación en su seno de la sede de la Fundación Gerardo Diego, la cual abrió sus puertas en 2005. La ubicación fragmentada de ambas instituciones, que propició inicialmente varias polémicas, ha dado paso a una nueva etapa. El edificio que comparten ambas instituciones culturales queda, no obstante, dividido en dos áreas independientes en sus accesos y estancias. La Sociedad, al margen de las estancias y mobiliario del gabinete personal del polígrafo, ocupa las dependencias ubicadas en la planta baja, en unas instalaciones transparentes, cuyo diseño responde al espíritu con el se emprende desde la Sociedad este nuevo periodo de estudio, investigación y con varios proyectos en el punto de mira.
La entidad, que mantiene un convenio de colaboración con el ayuntamiento santanderino, ha proyectado una serie de actividades de carácter público. Una exposición, la mencionada edición de una reproducción facsímil del acta fundacional, la convocatoria del citado Premio sobre trabajos de Investigación, el programa global ya conocido de publicación de seis libros y un congreso internacional sobre el legado de Menéndez Pelayo son algunas de las actividades e iniciativas previstas. En 2009 el nuevo congreso de la serie de Asambleas Científicas emprendidas por la institución santanderina hasta 2012, fecha de la conmemoración del primer Centenario del fallecimiento de Menéndez Pelayo, se centrará en estudios y debates sobre 'Historia de los heterodoxos españoles'.
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Museo de la Ciencia y el Agua acoge la muestra 'La lucidez de la luz'
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19/10/2008
Murcia
El Museo de la Ciencia y el Agua de Murcia acoge hasta el próximo 2 de noviembre la exposición 'La Lucidez de la Luz', una muestra producida por la Obra Social de Caja Madrid, que tiene como objetivo aumentar el respeto al medio ambiente y presentar una reflexión profunda sobre las energías renovables y su uso.Además, según datos del Museo de la Ciencia y el Agua de Murcia y la Obra Social Caja Madrid, la obra pone de manifiesto las consecuencias que está teniendo y tendrá para la continuidad de la vida, el actual modo de tratar al planeta.
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También pretende ser un instrumento de apoyo y estímulo a las medidas que la comunidad internacional quiere adoptar, a través del protocolo de Kioto, para mejorar la salud del clima y la calidad de vida de todos.
La muestra se divide en tres ámbitos, por un lado, 'Energías no renovables', compuesta por energía eléctrica, transporte, industria, cambio climático y distribución, que explica las actuales fuentes de energía, sus inconvenientes y explotación y como todo ello ha llevado a una situación insostenible en el planeta.
Por otro lado, 'Hogar sostenible/hogar insostenible', muestra como el comportamiento diario tiene una relación directa con la sostenibilidad del planeta; y por último, 'Energías renovables', dividida en el sol, el agua, el viento, biocombustibles, hidrógeno y Kioto, donde se apuesta por estas fuentes de energía apoyándose en los beneficios que presentan frente a las fuentes tradicionales y la necesidad de un compromiso mundial.
Según los organizadores, esta exposición pretende ser un instrumento de apoyo y estímulo a las medidas que la comunidad internacional quiso adoptar, a través del protocolo de Kioto, para mejorar la salud del medio ambiente y la calidad de vida de todos los humanos. Por otro lado, pretender informar acerca de los beneficios y perjuicios que todos los tipos de energía, tanto renovables como no, aportan al hombre.
Asimismo, 'La Lucidez de la Luz' está dirigida por el naturalista Joaquín Araujo. Las fotos y los paneles informativos expuestos en el museo consiguen explicar estos modos de energía de una forma entretenida y adecuada para los visitantes.
MUESTRA 'EL COSMOS DE LA SALUD
Posteriormente a esta exposición, el museo murciano acogerá a partir del 7 de noviembre y hasta el 1 de marzo de 2009 la muestra 'El cosmos de la salud'. El objetivo es animar tanto a adultos como a jóvenes a vigilar su estado físico-mental y a preocuparse por su salud, además de ser un instrumento de información sobre la composición de los alimentos, sensibilizar sobre los beneficios de una vida activa y concienciar al público para que adquiera hábitos alimenticios saludables.
La muestra se divide en tres ámbitos, primero 'el buen karma del deporte' donde se anima a una vida activa al visitante; segundo, 'el buen karma de los alimentos' donde se aborda toda la información sobre alimentación, funciones de los nutrientes, grupos de alimentos, dietas, entre otras; y tercero, 'el buen karma de la compra', donde se hace un análisis exhaustivo sobre el etiquetaje correcto que deben llevar los alimentos y la agricultura y ganadería ecológica. La idea fundamental es transmitir que el equilibrio del cuerpo y la mente es frágil y depende de unas máximas o sencillos preceptos para la salud.
La muestra se completa con paneles explicativos; módulos interactivos como 'alimentación sana y equilibrada' o 'corazón y sedentarismo'; una zona de yoga y gimnasia; y una gran pantalla donde se exhibe el clip 'publicidad engañosa'. Y por último, el 'nutrivisión', un buffet simulado donde el visitante elige su comida y un programa informático, evalúa si las elecciones fueron correctas o no, en relación a la edad, talla y peso del visitante.
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30 exposiciones llenarán 18 espacios de Valencia
en el proyecto 'Fotogràfica 2008'
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19/10/2008
Valencia
Un total de 30 exposiciones llenarán de arte 18 espacios culturales de la ciudad hasta el próximo abril de 2009 en el proyecto cultural 'València. Fotogràfica 2008', que coordina el Museu Valencià de la Il.lustració i de la Modernitat València. El programa será presentado el próximo jueves, 23 de octubre, con motivo de la inauguración de las cuatro muestras propuestas por el MuVIM, avanzaron hoy fuentes de la Diputación de Valencia.
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| El director del museo, Romà de la Calle, comentó que, "dada la excelente acogida de la edición anterior de 'València Fotográfica', celebrada en 2006, hemos programado una segunda para este año, que comienza en el último trimestre de 2008 y concluirá en abril de 2009".
La presentación oficial del proyecto 'València. Fotográfica 2008' coincide con la inauguración en el MUVIM de cuatro exposiciones que estarán en cartel hasta el próximo 7 de diciembre, 'Arequipa en blanco y negro. El estudio de arte vargas hermanos, 1912-1930', coproducida por el MuVIM y Canopia; 'Giuseppe Pagano. Fotografías 1933-1945', 'Gerard Castello Lopes. Oui/Non', y 'Karel Capek. Fotógrafo'.
Las inauguraciones irán sucediéndose en todos los espacios expositivos colaboradores en un ciclo fotográfico que presenta de nuevo a Valencia como la capital de la fotografía.
Canopia ha producido junto al MuVIM y con la colaboración del Consulado General de Perú en Valencia la exposición 'Arequipa en blanco y negro. El estudio de arte Vargas Hermanos'. Los hermanos Vargas, Carlos y Miguel (Arequipa- Perú) desde las primeras décadas del siglo XX consiguieron, además de realizar trabajos fotográficos de alta calidad, transformar su estudio fotográfico creado en 1912 un notable centro de difusión cultural.
En la muestra, comisariada por Peter Yenne y Adelma Benavente, se podrán contemplar 83 fotografías ubicadas en tres secciones diferentes, retratos de estudio, el pictorialismo y los nocturnos y otra denominada 'Los aprendices', explicaron las mismas fuentes. Por su parte, Daria de Seta comisaría la exposición dedicada a Giuseppe Pagano (Parenzo 1896-Mauthausen, 1945), uno de los personajes italianos más relevantes del panorama arquitectónico de entreguerras que también cultivó una gran afición a la fotografía.
IRONÍA "SUTIL"
La muestra 'Giuseppe Pagano. Fotografías 1933-1945' expone un total de 407 fotografías, divertidas y amenas, capaces de servirse de la sutileza de la ironía.
En cuanto a la selección deducada a Gerard Castello Lopes (Vichy, 1925), repasará la trayectoria de uno de los cronistas más importantes y representativos de Portugal. A través de las fotografías que se expondrán en la muestra, comisariada por Luisa Costa Dias, se refleja la idea de Castello Lopes de mostrar un país frágil y hermoso, dramático en su aislamiento representativo.
Por último, la exposición centrada a Karel Capek mostrará casi un centenar de fotografías distribuidas en diversos bloques temáticos --vidas, jardines, animales domésticos, personalidades o viajes entre otros-- así como una muestra de algunos de los dibujos que realizó para ilustrar sus libros. Pavel Scheufler y Lucie Vlckova serán los encargados de coordinar la exposición, que refleja cómo el "breve episodio de la vida fotográfica de Karel Capek se sitúa en el periodo de entreguerras en la República Checa".
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Una experta en arte actual dirigirá el Museo Nacional de Escultura... barroca
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19/10/2008
Valladolid
La profesora de Historia del Arte de la Universidad de Valladolid María Bolaños es la nueva directora del Museo Nacional del Colegio de San Gregorio de Valladolid. Así lo comunicó el ministro de Cultura, César Antonio Molina, durante la reunión del Patronato del museo.
Bolaños cuenta en su haber con una extensa y prestigiosa bibliografía en museología y es experta en arte contemporáneo. Precisamente este perfil y que en el razonamiento para elegir su candidatura se destacase, entre otros méritos, «la originalidad de su planteamiento en lo referido a las conexiones que las colecciones del museo pueden tener con la mirada contemporánea», llevó a Molina a ratificar que el Colegio de San Gregorio seguirá centrándose en su reconocida y excepcional colección de escultura renacentista y barroca.
El perfil académico de la profesora Bolaños suscitó ayer una relativa sorpresa en el mundo universitario y especialistas en el arte de los siglos XVI y XVII, tal como comprobó este periódico al recabar su opinión. De hecho, algunos de los miembros del Patronato y de los vocales del museo confirmaron a ABC que el nombre de María Bolaños se daba como nueva directora a las pocas horas de la dimisión, el 1 julio, de Jesús Urrea, anterior director.
Tal como se podía comprobar ayer mismo en una página web de una conocida revista especializada, a finales de julio, a las pocas horas de constituirse la comisión de expertos para valorar los proyectos que se presentasen a la plaza, ya se daba por hecho el nombramiento de Bolaños, quien, además, fue vocal en el Patronato en representación ministerial hasta hace unas semanas.
De hecho, sólo ha habido tres candidatos para esta golosa plaza, a la que podía concursar, por ejemplo, el cuerpo de conservadores de museo. No en vano un patrono dijo ayer: «El concurso se convocó a finales de julio y ya se resolvió en septiembre. Estaba cantado»
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El Museo Barjola repasa la evolución artística de Gomila
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18/10/2008
Gijón
La evolución del particular universo creativo del pintor Juan Gomila (Barcelona, 1942) y su concreción en una gran pieza concebida para el espacio de la capilla de la Trinidad constituyen el tema de la doble muestra dedicada al artista que, bajo el título «Apariencias 1971-2008», se exhibe desde ayer en el Museo Juan Barjola.
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Aunque, según precisa el propio artista, «no se trata de una retrospectiva en sentido estricto, sino una selección rigurosa de piezas, todas ellas representativas», el recorrido despliega una visión muy completa de una obra alimentada en la efervescencia del pop de los setenta que, en los últimos años, ha recalado en la fotografía.
«El primer sorprendido al ver ante mí de nuevo toda esta obra he sido yo mismo», confiesa Gomila, que, a pesar de la variedad de los trabajos reunidos en la primera planta del museo -unas 25 obras- identifica «un interés constante por los mismos gestos: la manipulación de plantillas, recortes, siluetas y las construcciones con los restos que todo ese proceso va dejando», siempre con «la silueta humana» en un entorno frecuentemente urbano como eje.
Así, la muestra, comisariada por Javier Fuentes Feo, arranca con dos abigarradas obras plenas del espíritu del pop que pronto se concretan en la reconocible dialéctica entre hombre y espacio, humanidad y signos urbanos. Destaca en esta etapa la pionera instalación pictórica sobre paneles móviles con la que Gomila consiguió sonados éxitos en las bienales de Alejandría y São Paulo. En ella se recoge la «fuerte impresión, no sólo estética» que produjo «a alguien que llegaba de Gijón grandes ciudades como Londres o Nueva York» la inmersión en un entorno saturado de signos y movimientos urbanos.
La evolución de Gomila en los ochenta se plasma en lienzos con espectaculares técnicas mixtas y collages que acusan el espíritu de la época sin dejar de reconocerse como obras suyas. «De la limpieza de la pintura pura y plana pasé a una pintura más agitada, más fluida, más libre y más liberada también de los entornos urbanos y de las figuras humanas, que ahora aparecen más solitarias y fragmentadas», comenta su autor. En la dinámica de ese cambio está «siempre la insatisfacción» propia de quien se define como «hijo de la cultura del descontento».
Todo el conjunto se remata con una especie de apoteosis de su tema predilecto, la figura humana, en un conjunto que evoca en el altar de la Trinidad las pinturas corales de tema religioso y para las cuales ha rescatado siluetas que tienen más de veinte años.
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El Museo de Historia Natural de Nueva York
acoge una muestra sobre cambio climático
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18/10/2008
Nueva York
El Museo de Historia Natural de Nueva York, el mayor del mundo en su género, inaugura mañana una muestra sobre el cambio climático con la que pretende mostrar de forma objetiva las causas del calentamiento del planeta y la parte de responsabilidad que tiene el ser humano.
La exposición, que se podrá visitar en Nueva York hasta el 16 de agosto de 2009, ha sido bautizada como "Cambio Climático: La amenaza de la vida y un nuevo futuro energético" y aborda, con ánimo de desmitificador, una de las mayores preocupaciones científicas y sociales del siglo XXI.
Aunque el Grupo Intergubernamental sobre Cambio Climático (IPCC, en inglés) -ganador del Premio Nobel de la Paz 2007- defiende que el cambio climático está directamente relacionado con la actividad humana, existen también opiniones escépticas al respecto.
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Entre ellas, la de la propia Sarah Palin, candidata republicana a la vicepresidencia de Estados unidos y gobernadora de Alaska, que recientemente se negó a afirmar que la intervención humana tuviera algo que ver con ese problema.
"Aunque en el pasado el clima de la Tierra ha cambiado debido a una variedad de causas naturales, existe el consenso científico de que la actividad humana está causando el reciente e histórico incremento de las temperaturas en el planeta", aseguran los responsables de la exposición en su web.
La presidenta del museo neoyorquino, Ellen Futter, recordó al presentar la muestra que existe un "abrumador" consenso científico de que el calentamiento del planeta "supone un reto que hay que afrontar de forma urgente". Con aplicaciones interactivas, maquetas y recursos multimedia, se tratan de explicar los fundamentos científicos del cambio climático al público de todas las edades, mostrar los peligros potenciales y ofrecer medidas paliativas individuales y colectivas.
Una copia de la exposición será exhibida en otros lugares del mundo, como España (en Valladolid, del 31 de enero al 21 de junio de 2009) y México (en México D.F. de octubre de 2009 a marzo de 2010).
Marc Ayala, el director del proyecto en Expografic -la empresa encargada de intermediar para que la exposición llegue a España por encargo de la Junta de Castilla y León-, explicó a Efe que allí el contenido será ligeramente adaptado al contexto español. "La idea es potenciar asuntos de especial interés para España, como el de los incendios, las sequías o la desertización. Por eso, expondremos ejemplos locales de cómo han subido las temperaturas en el país o cómo se van alargando los veranos", apuntó Ayala.
"Esta exposición es muy completa y se ajusta a lo que buscaba la Junta, que nos encargó localizar la mejor exposición del mundo sobre la materia para su nuevo centro de divulgación sobre sostenibilidad medioambiental y nuevas fuentes de energía en Cañada Real", explicó.
La presidenta del museo neoyorquino detalló que el objetivo es que los visitantes entiendan y asuman el "complejo y urgente reto" que supone el calentamiento. "La exposición deja claro tanto que no existe una única solución, como que la combinación de acciones individuales y sociales pueden y deben mitigarlo", aseguró.
Los organizadores dicen presentar evidencias de que la actividad humana en los últimos trescientos años, especialmente por la quema de combustibles fósiles, la deforestación y otros cambios en el uso de la tierra, han alterado drásticamente el mundo natural. "El mensaje más básico es que el problema es real y con decisiones y estrategias adecuadas tenemos las vías para afrontarlo", añadió el vicepresidente del museo, Michael Novacek.Para ello, apuesta por el fomento de energías como la nuclear, eólica, geotérmica o solar, y pone en duda el uso de biocarburantes, que pueden contaminar más que el petróleo. Además, propone medidas individuales, como usar bombillas de bajo consumo, recurrir al tren antes que al avión, ir a trabajar en bicicleta, hinchar bien las ruedas de los coches, leer periódicos por internet, lavar con agua fría, bajar el aire acondicionado o reciclar. "Queremos transmitir optimismo mostrando al visitante que tenemos el control sobre nuestro futuro por medio de la innovación y la imaginación", defendió el comisario de la muestra Edmond Mathez.
Otro comisario de la muestra, Michael Oppenheimer, añadió que ésta "no podía ser más oportuna, ya que la oportunidad de arreglar este problema se agota rápidamente, pero el futuro aún está en nuestras manos". Reconoció que se trata de un asunto que se ha politizado e, incluso, consideró que así debe ser, ya que se tienen que adoptar iniciativas desde los poderes públicos para afrontarlo.
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El Museo Arqueológico acoge la muestra 'Secretos que esconden las rocas'
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17/10/2008
Murcia
Conocer los orígenes de la vida y su evolución hasta la actualidad es posible desde ayer visitando la sala de exposiciones temporales del Museo Arqueológico de Murcia (MAM), que acogerá hasta el próximo 4 de enero la muestra 'Secretos que esconden las rocas. Fósiles en la Región de Murcia'. Fruto del trabajo de los investigadores de la Comunidad Autónoma de Murcia, esta exposición, comisariada por el paleontólogo Gregorio Romero y la conservadora del MAM, nos invita a un viaje a través del tiempo desde el Paleozoico (hace 542 millones de años).
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Junto a sorprendentes fósiles, se exhibe una recreación virtual ilustrativa de cómo era la vida en cada uno de estos periodos: Cámbrico, Jurásico, Mioceno y Cuaternario.
Entre las 185 piezas que se exponen en esta muestra, destaca el único hueso de dinosaurio hallado en la Región, encontrado en Yecla y perteneciente a una mano, del cretácico inferior (hace 80 o 90 millones de años) o una pieza única de la Capa Negra, «una de las pocas evidencias en el mundo de la extinción masiva de la vida en la Tierra a finales del Cretácico, encontrada en el Barranco de Gredero (Caravaca)», cuentan los expertos.
La instructiva exposición, que se completa con un ciclo de conferencias a cargo de expertos en la materia, acaba con una maqueta del futuro Museo Paleontológico y un mensaje al público para concienciarlo sobre la importancia de conservar este patrimonio que «siempre ha sido objeto de expolio, ya que ha sido muy típico salir al campo a coger fósiles, y según la ley de Patrimonio Cultural de la Región de 2007 está prohibido», ilustran los comisarios de la muestra. A partir de enero, la muestra itinerará por diversos museos municipales de toda la Región como los de Cartagena, Lorca, Alhama y Yecla.
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Inauguran exposición con estatuas de ciudad romana de Herculano
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17/10/2008
Nápoles
Una exposición con 150 estatuas de mármol y bronce, que celebra la grandeza de Herculano, la ciudad sepultada bajo toneladas de cenizas del Vesuvio en el año 79 de la era cristiana, se inauguró en el Museo Arqueológico de Nápoles y permanecerá abierta hasta el 13 de abril de 2009. Se trata de una ocasión única para repasar un momento de la historia narrado por un centenar y medio de estatuas, llegadas casi íntegras hasta nuestros días, gracias a la lluvia de ceniza que encapsuló por 17 siglos la vida de una de las ciudades más ricas y bellas del Imperio romano.
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No es que Herculano, en realidad, fuese más hermosa que otras de la antigüedad, sólo que raras veces una ciudad ha preservado su belleza a través de tantos siglos sin conocer el vandalismo de los ladrones y profanadores de tumbas que asolaron otros tesoros de la Civilización.
Fue en 1711 cuando un príncipe austríaco descendió con una cuerda en un pozo y se encontró en medio del teatro romano de la ciudad y con este hallazgo inesperado comenzaron las excavaciones sistemáticas ordenadas por los reyes borbónicos de Nápoles que prontamente expropiaron la zona y acumularon los tesoros encontrados en el Museo Arqueológico. Con diversas pausas debidas a problemas políticos y económicos, los arqueólogos continuaron excavando durante tres siglos los restos de Herculano y en los últimos años, gracias a una generosa donación de la Fundación Packard, los hallazgos se han ido multiplicando y el último de todos, un gran ajuar de telas, ocurrido en julio de este año, forma también parte de esta exposición que se considera la más importante del año del sur de Italia.
Instalada en el atrio del Museo, que de ahora en adelante en lugar de recibir a los visitantes con boleterías, librerías y negocios de souvenirs será el ámbito para extraordinarios eventos como este, la exposición asombrará por la belleza y la monumentalidad de las estatuas. Algunas ostentan dimensiones más grandes que las humanas como la de la diosa Demetra, la madre tierra, de mármol blanco y 1,88 cms., y de mirada absorta y exquisito ropaje, encontrada el 21 de abril
de 1997 en la Villa de los Papiros, la más rica de la ciudad, así llamada por la extraordinaria biblioteca de papiros que aún espera ser restaurada, o como la Pallas Atenea de dos metros, encontrada en el mismo lugar pero casi dos siglos y medio antes, en 1752.
Algunas son ya famosas como el Sátiro durmiente de bronce, siempre de la Villa de los Papiros, verdadero yacimiento estatuario con un centenar de piezas a cada cual más perfecta, o el Mercurio (o Atleta) sentado o el Apolo, porque pertenecen a la colección permanente del museo. Pero otras provienen de los depósitos y algunas más acaban de ser debida y rápidamente restauradas al haber sido encontradas en las recientes campañas de excavaciones.
La exposición va degradando en luz y en amplitud en las tres salas que ocupa: las estatuas monumentales son iluminadas con luces restallantes que resaltan la blancura del mármol y evidencian los restos de pintura que originalmente las cubrían mientras en la siguiente se ubican las esculturas de bronce con sus verdes brillantes y los frescos (no podía faltar el Aquiles y Quirón, perfecto ejemplo de pintura pompeyana), los frisos y los relieves mientras en la semipenumbra de la última se asiste al drama de la ciudad embestida por la furia del Vesuvio.
Aquí, en efecto, se hallan las siluetas de 300 habitantes de Herculano que se refugiaron en la playa esperando una nave salvadora y en cambio fueron sepultados por una lluvia de fuego y cenizas que durante siglos los conservaron intactos, junto a sus pertenencias, hasta que fueron descubiertos en la penúltima década del siglo pasado.
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Mir, Vlaminck, Richard Rogers y Palladio, en la nueva temporada de CaixaForum
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16/10/2008
Barcelona
Una gran retrospectiva del pintor catalán Joaquim Mir, con un centenar de obras, abrirá la temporada 2009 de CaixaForum Barcelona, donde también se podrán contemplar exposiciones del fauvista Maurice de Vlaminck y de los arquitectos Richard Rogers y Andrea Palladio.Las obras maestras del arte islámico del Museo Aga Khan y los trabajos premiados en la edición 2009 de FotoPres completarán la programación del centro, que intensificará la oferta para todo tipo de públicos, mostrará de forma permanente su amplia colección de arte contemporáneo y ofrecerá, por primera vez, un programa regular de conciertos musicales.
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Durante una rueda de prensa celebrada hoy en Barcelona, el director general de la Fundación "La Caixa", Jaume Lanaspa, y el director del área de cultura de la institución, Ignasi Miró, han dado a conocer las diferentes actividades, entre las que destaca, asimismo, una convocatoria de ayudas de 283.000 euros para proyectos culturales que incidan en problemáticas sociales.
La retrospectiva de Mir, artista de referencia de principios del siglo XX, llegará al edificio modernista de la montaña de Montjuïc el próximo 3 de febrero, pudiendo conocer el público una muestra inédita, con un centenar de obras, entre óleos, pasteles y dibujos, que denotan la evolución del pintor, desde un naturalismo primerizo hasta un estilo más personal próximo al impresionismo, al final.
Comisariada por Francesc Miralles, la exposición se podrá ver hasta el día 26 de abril y, posteriormente, se trasladará al Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre mayo y junio próximos.
En marzo será el turno del arquitecto británico Richard Rogers, definido como el "último humanista", en una muestra que ilustrará su fascinación por el movimiento moderno, concibiendo el edificio como una máquina, y apostando siempre por una arquitectura clara y transparente.
Si entre marzo y junio CaixaForum se rendirá a Rogers, entre mayo y septiembre de 2009 llegará el momento del conocido como "primer arquitecto humanista", el italiano Andrea Palladio, asociado a edificios como la iglesia de San Giorgio Maggiore de Venecia o al Palazzo Chiericiati de Vicenza.Dibujos, maquetas, pinturas y grandes retratos permitirán adentrarse en el trabajo de este arquitecto, que a partir de su tratado de 1570 transformó el lenguaje de la arquitectura en el mundo occidental durante más de 500 años. 
Verano es la estación escogida para mostrar en la capital catalana la obra de Maurice de Vlaminck, un revolucionario autodidacta, icono del fauvismo, que contribuyó con su obra a la renovación de la pintura dentro de la vanguardia europea de principios del siglo XX. De la mano del catalán Luís Monreal, quien en sus inicios fue alma de CaixaForum, se podrán conocer las obras maestras del arte islámico de la colección del museo Aga Khan.El objetivo es que mejore el conocimiento del mundo musulmán, que se extiende desde el África Negra hasta los confines de Asia, pero también con influencia en algunos puntos de Europa.
Los trabajos seleccionados como premios y como becas en la edición 2009 de FotoPres, de autores como Lourdes R.Basolí, Marta Ramoneda o José Luis Expósito, se expondrán entre el 27 de octubre de 2009 y el 14 de febrero de 2010. El pintor andaluz Luis Gordillo será el encargado de escoger las obras del fondo de La Caixa que se expondrán en Barcelona, siguiendo un ciclo que se inició en 2006 con las propuestas de Juan Uslé y Soledad Sevilla.
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La colección Berardo en Paris: la pasión por el arte de un 'self-made man'
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16/10/2008
París
Con la exposición 'De Miró a Warhol', el Museo del Luxemburgo de París presenta a partir del jueves una selección de 74 obras del siglo XX, procedentes de la colección de José Berardo, acaudalado empresario portugués, apasionado por el arte y deseoso de compartir su pasión con el público. La muestra recorre los diversos movimientos artísticos del siglo pasado, del surrealismo al pop art, pasando por la abstracción geométrica o el nuevo realismo: una travesía pedagógica de va de Joan Miró a Andy Warhol con altos en el arte de Jackson Pollock o Nicolas de Staël.
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Presentadas en el museo del Senado francés hasta el 22 de febrero, las obras proceden del museo Colección Berardo, inaugurado en Lisboa a mediados de 2007 gracias a un acuerdo entre el empresario y el gobierno portugués, que aportó el edificio y administra el museo. Berardo entregó en depósito a la institución cerca de 900 obras durante diez años, durante los cuales el Estado dispone de una opción de compra exclusiva de la colección, por 316 millones de euros.
'Self-made man', José Berardo nació en 1944 en Madeira. Hijo menor de una familia numerosa y modesta, abandonó la escuela a los 13 años, pero ya en esa época tenía la pasión del coleccionista y reunía sellos postales o cajas de fósforos. A los 19 años emigró a Sudáfrica, donde hizo fortuna en el comercio del oro y se inició como coleccionista de arte. El empresario ríe todavía cuando evoca su primera adquisición, en 1969: un retrato de mujer que se llevó a su casa orgullosamente, creyendo haber comprado un cuadro verdadero. Su esposa le hizo ver la realidad: se trataba de la copia de un original que se encuentra en el museo del Louvre: 'La Gioconda'. "Todavía tengo esa reproducción", dice.
José Berardo, de 64 años, con una fortuna estimada en 1.800 millones de dólares por Forbes en mayo pasado, recalca que "nunca vendió nada" de su colección, "ni siquiera los errores". "Nunca consideré el arte como una inversión", declara.
El empresario reconoce que "no es un experto", pero "se hace aconsejar" por especialistas. "Con él, todo pasa por la persuasión", señala André Cariou, curador de la exposición. Berardo compra en las subastas, en las galerías o a otros coleccionistas.
Pero no habla de sus preferencias artísticas personales, limitándose a decir que lo que hay en su casa "es diferente de la colección". "Es mi propio gusto, mi placer", agrega. Para él, "lo importante es preservar y reunir" las obras, "evitar su dispersión". "La cultura no tiene fronteras, pertenece a todo el mundo y hay que compartirla", estima el coleccionista. Bernardo insistió por ello para que el museo que lleva su nombre en Lisboa sea gratuito. "De niño, yo hubiera querido ir a los museos, pero había que pagar", recuerda.
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Miguelete ya cuenta con un museo que recorre su trayectoria taurina
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16/10/2008
Algeciras
El diestro Miguel Ramos Miguelete ya cuenta con un museo que lleva su nombre en Algeciras. El subdelegado de la Junta de Andalucía en la comarca, Rafael España, inauguró ayer el salón cultural multiusos que lleva el nombre de torero Hijo Adoptivo de Algeciras. También estuvieron presentes el coordinador de la Administración General del Estado, José Andrés Hoyos, el concejal del equipo de gobierno Julio Martínez Fírvida y el portavoz del Partido Popular en el Ayuntamiento, José Ignacio Landaluce. El alcalde de Algeciras, Tomás Herrera, no pudo asistir al encontrarse indispuesto.
El salón social está situado en la calle Pedro Ponce y en él se pueden encontrar numerosas fotografías y recuerdos de Miguelete desde su etapa de matador de toros, de apoderado, empresario y como gran aficionado a la Fiesta. Las paredes del museo recogen instantáneas de Miguelete con toreros de la talla de Rafael Ortega, Antoñete, Ortega Cano, Emilio Muñoz, Joselito y Espartaco. También está la cabeza del toro de la alternativa y de la confirmación en Las Ventas, así como varios óleos obra de su hermano el pintor José Ramos, que falleció el año pasado.
Tampoco faltan fotografías de Miguelete en su etapa como director de la escuela taurina de Algeciras y con personajes como el doctor Ramos Argüelles y el periodista Manuel Molés. El visitante podrá ver imágenes que recogen momentos de la trayectoria profesional del diestro algecireño en plazas como Torremolinos, Puerto Banús y Algeciras.
El subdelegado de la Junta, Rafael España, destacó en su intervención la figura de Miguelete y todo lo que ha hecho siempre por los demás. "Miguel no ha sido una primera figura como torero, pero sí es una gran persona, siempre ayudando a los que más lo necesitan, algo muy difícil en los tiempos que estamos", añadió. Mientras tanto, Miguelete agradeció en su discurso la labor de Rafael España para que el museo sea una realidad. "La verdad es que tengo que agradecer el trabajo de la Junta de Andalucía para que este sueño sea una realidad. Debo de agradecer a todos los que me han apoyado en este proyecto y que han puesto el cartel de no hay billetes con su presencia en este día tan bonito y tan emocionante para mí como es la inauguración de este museo", señaló.
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| Cierran museo de Mandela por una invasión de conejos |
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15/10/2008
Ciudad del Cabo
El museo de Robben Island, Sudáfrica, permanecerá cerrado mientras las autoridades sacrifican una colonia de conejos que ha invadido el lugar donde Nelson Mandela estuvo preso.
Funcionarios dijeron el martes que el museo, visitado por turistas que quieren ver la celda del ex presidente, quedará temporalmente cerrado mientras matan a los conejos para proteger la vegetación y los edificios históricos del sitio, que es Patrimonio de la Humanidad.
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"La población actual es tan grande que amenaza con dañar de forma permanente la delicada vegetación de la isla e impone una grave amenaza a otras especies animales", dijo en un comunicado Seelan Naidoo, presidente en funciones del museo.
Naidoo indicó que se desconocía la cantidad exacta de conejos que había en la isla.
Luego de sacrificar a los animales, se realizará un programa de esterilización para mantener una población pequeña y sostenible de conejos. El museo isla, ubicado frente a la costa de Ciudad del Cabo, permanecerá cerrado entre el 1 y el 16 de noviembre.
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El grabado de Goya recuperado en Colombia
regresa al museo de Bogotá donde se exhibía
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15/10/2008
Bogotá
El grabado de Francisco de Goya robado en Bogotá el mes pasado y recuperado por la Policía colombiana el pasado domingo fue devuelto hoy por el alcalde bogotano, Samuel Moreno, al museo donde se exhibía como parte de una exposición.
La obra "Tristes presentimientos de lo que va a acontecer", robada el 11 de septiembre de una sala de exposiciones de una fundación dependiente de la Alcaldía de Bogotá, fue hallada este domingo en un hotel bogotano gracias a un informante, que cobrará una recompensa equivalente a unos 9.000 dólares.
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El grabado es propiedad del Museo del Grabado de Goya, situado en Fuendetodos (centro-norte de España), cuna del artista, y pertenece a la serie "Los desastres de la guerra", de la que se exhiben en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño de Bogotá ochenta obras.
"Este es un acto de desagravio con el arte mundial", manifestó el alcalde de Bogotá, al colgar el cuadro en la sala de exposiciones acompañado por el general Rodolfo Palomino, comandante de la Policía de la ciudad, que recuperó el grabado.
La serie goyesca se expondrá en Bogotá hasta el próximo día 30 y más tarde se trasladará a la ciudad colombiana de Medellín. "Lo más importante de todo es que esta es una reivindicación de lo que es todo el esfuerzo que se hace en torno a una exposición de las características, la importancia y, sobre todo, de la trascendencia de ésta del pintor Goya", dijo el alcalde Moreno. Añadió que con la recuperación del grabado, "Bogotá recupera las posibilidades de albergar grandes exposiciones de arte. La verdad que fue muy triste el incidente de hace un mes, pero, afortunadamente, la Policía en forma muy competente logró la recuperación", dijo. "Se había conformado un equipo institucional de expertos en investigación de hurto de arte", dijo el general Palomino."El cuadro estaba en el mercado negro, pero el manejo de 'fuentes humanas' nos permitió la recuperación porque el cuadro cada día se valorizaba más y había más riesgo de desprestigio", señaló.
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El Museo del Pan abrirá sus puertas antes de Navidad
y acogerá documentos de una fundación de Portugal
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15/10/2008
Valladolid
La Fundación del Museo do Pao de la localidad portuguesa de Seia entregó ayer 23 documentos relacionados con este alimento a la Diputación provincial de Valladolid para el futuro Museo del Pan de Mayorga, que será inaugurado de forma oficial «antes de las próximas navidades», según anunció el presidente de la Diputación, Ramiro Ruiz Medrano, tras la firma ayer de un convenio de colaboración entre ambas instituciones en el Palacio de Pimentel.
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Ruiz Medrano confirmó que este espacio expositivo «organizará jornadas de puertas abiertas desde su inauguración oficial, antes de que finalice el año, y hasta después de la fiesta de Reyes, para comenzar su actividad normal en el mes de febrero del 2009».
El director del Museo del Pan de Seia, Sergio Carvalho, destacó la importancia de este convenio para «preservar un patrimonio común de la humanidad que de otra forma podría perderse», además de establecer «vínculos culturales» entre ambos países. El documento más antiguo de los 23 cedidos por el centro portugués data de 1756 y se refiere a los salarios de los trabajadores rurales del Alentejo, mientras que el más reciente está fechado en 1939.Entre ambas fechas, la cesión documental abarca títulos, escrituras, normas y tarifas relativas al cultivo cerealista, desde el abastecimiento de agua para la agricultura, protección debida a los panaderos, salarios y tributos de los trabajadores, tasas de algunos cereales, instauración de un comisario para la reforma de la agricultura, e incluso sobre la presión del contrabando de productos, normalmente trigo, entre otros.
Los términos de la colaboración comprometida entre ambos museos incluyen, además de la cesión temporal de recursos expositivos y contenidos, el intercambio de las exposiciones temporales y otras
actividades relacionadas con el objetivo específico de los dos museos.
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Museo de cultura africana abre sus puertas en Shangai
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14/10/2008
Shangai
Se ha construido en la metrópoli oriental china de Shangai un museo dedicado a ayudar al público chino a conocer mejor la vida y la cultura del continente africano.
El centro, que lleva por nombre "Museo para una experiencia de estilo de vida de África", ya está abierto al público y está situado en la calle Xianggang de Shangai, en una zona cercana al Bund.
Está previsto que se celebre una ceremonia de inauguración el próximo mes de noviembre, según aseguró Cheng Hui, presidente de la compañía "Into Africa Cultural Development" y también uno de los principales inversores del recinto, si bien no especificó una fecha exacta.
"El arte de África es muy diferente al nuestro, y se necesita tiempo para que la gente lo acepte", dijo Cheng.
El museo, con una superficie de 400 metros cuadrados y que supuso una inversión de 146.495 dólares, alberga obras artísticas procedentes de más de 20 países africanos, incluidas piezas talladas en madera y piedra, pipas egipcias y té de Sudáfrica.
"África es un destino potencial para el turismo chino con el desarrollo de las relaciones sino-africanas", explicó Cheng. "Los turistas chinos pueden acudir al museo para aprender más sobre África y preparar sus visitas al continente", añadió.(Xinhua)
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Felipe II renace en la National Gallery de Londres
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14/10/2008
Londres
Felipe II, en los fabulosos retratos del Tiziano y de Antonio Moro y en las esculturas de los Leoni, ha llegado a la National Gallery en el marco de una exposición dedicada a la época de esplendor del género renacentista por excelencia. "Tiziano y Moro son los dos grandes maestros del retrato cortesano", señaló eldirector del Museo del Prado, Miguel Zugaza, mientras recorría la exposición londinense y la comparaba con la celebrada anteriormente en la pinacoteca madrileña.
"Hay obras que no han podido viajar entre las dos capitales por cuestiones de conservación", dijo Zugaza. Así, el autorretrato juvenil de Alberto Durero o el gran retrato ecuestre de Carlos V en la batalla de Mühlberg, de Tiziano, no han venido a Londres, y a la inversa no pudieron viajar a Madrid algunas obras maestras de la National Gallery.
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Entre ellas están el maravilloso retrato del matrimonio Arnolfini, de Jan Van Eyck, y el apodado "Los Embajadores", de Hans Holbein el Joven, con su famosa calavera anamórfica como "memento mori".
Tampoco pudieron verse en El Prado dos retratos de pontífices de profunda penetración psicológica: el de Julio II della Rovere, de Rafael, que se conserva en la propia galería de la plaza de Trafalgar, y el de Pablo III, de Tiziano, procedente del Museo de Campidonte (Nápoles). "Sólo falta el de Inocencio X, de Velázquez (del museo Doria-Pamphili, de Roma)", comentó Zugaza al ver esos dos retratos de papas juntos en la misma sala.
Según explicó uno de los comisarios de la exposición, Luke Syson, especialista en el Renacimiento italiano de la National Gallery, en el Prado hubo toda una sección dedicada a la difusión del retrato por Europa gracias a las nuevas técnicas de impresión y al grabado.
Ese aspecto falta en la National Gallery, que ha puesto el acento, por el contrario, en el dibujo original, del que hay aquí extraordinarios ejemplos de artistas como Pontormo, Ghirlandaio, Durero, Giovanni Bellini, Giulio Romano o Hans Holbein el Joven. Una de las obras maestras que ha figurado en ambas exposiciones, según el director del Prado, es el retrato que hizo Ghirlandaio de un anciano y su nieto, que se conserva en el Louvre. La exposición ha logrado reunir ese retrato al óleo con el dibujo, procedente del Museo Nacional de Estocolmo, de un anciano muerto que fue el modelo utilizado por Ghirlandaio para el retrato del abuelo, algo realmente extraordinario, según Zugaza.
Otra de las obras que no viajaron al Prado es el retrato que hizo el pintor flamenco Quentin Massys de una mujer vieja y grotesca, popularmente conocido como "La Duquesa Fea". Los expertos, que han investigado el cuadro con motivo de esta exposición, llegaron a una doble conclusión: la mujer sufría una deformación facial, consecuencia de una rara forma de enfermedad de Paget, y el pintor no copió una caricatura de Leonardo da Vinci, sino que fue más bien al revés. "Ahora podemos decir con confianza que Leonardo- o al menos uno de sus seguidores- copió la maravillosa pintura de Massys, no al contrario. Es un descubrimiento muy apasionante", comentó la comisaría de la exposición Susan Foister. Tanto los representantes de la National Gallery como el director del Prado han querido hacer hincapié en el "gran espíritu de colaboración" existente entre ambas pinacotecas, que se complementan en muchos aspectos, y se dicen dispuestos a continuar esa cooperación en próximas exposiciones.
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El Museo de Bellas Artes de Bilbao
acoge la exposición "Sorolla. Visión de España"
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14/10/2008
Bilbao
"Sorolla.Visión de España", una exposición de 14 lienzos que el pintor valenciano realizó por encargo de la Hispanic Society de Nueva York, se puede ver en el Museo de Bellas Artes de Bilbao hasta el próximo 18 de enero de 2009. Tras su paso por Valencia, Sevilla y Málaga, la muestra se ha convertido en la exposición más vista en España desde 1990, con más de 746.300 visitantes.
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La exposición fue presentada hoy en la pinoteca bilbaína por el presidente de Bancaja, José Luis Olivas; la presidenta de la Fundación del Museo Bellas Artes, Miren Azkarate, y el director de la Hispanic Society of America, Mitchell Conding. Olivas destacó la importancia de la obra de Sorolla, a la vez que destacó la dificultad del transporte de las obras de Sorolla desde Nueva York hasta Valencia "con un avión especial", y las medidas de seguridad especiales llevadas a cabo a su alrededor.
A modo de ejemplo, resaltó que "estos cuadros, a efectos de seguro, están valorados en 100 millones de euros".La exposición está formada por catorce paneles de gran tamaño, que fueron encargados en 1911 a Sorolla por el hispanista norteamericano Milton Huntington, para decorar una de las salas de la Hispanic Society, que fundó a principios del siglo XX con el objetivo de dar a conocer la cultura española en los Estados Unidos. Esta sala, en un principio proyectada para ser una biblioteca, finalmente quedó convertida en la "Sala Sorolla".
Las obras, que es la primera vez que salen de su emplazamiento original, han sido restauradas para la ocasión por un equipo de expertos conjunto entre Bancaja y la Hispanic Society Durante 1912, Joaquín Sorolla (1863-1923) se dedicó a recorrer la geografía española, captando imágenes de tipos para construir después la gran decoración de la Hispanic Society. En 1913 cambió de opinión y, aunque no dejó de usar algunos de los cuadros de tipos, empezó a pintar los paneles directamente del natural; ese año hizo el monumental "La fiesta del pan. Castilla". Durante el año siguiente realizó cinco paneles, "Los nazarenos. Sevilla (marzo-abril)", "La jota. Aragón (verano)", "El concejo del Roncal. Navarra (verano)", "Los bolos. Guipúzcoa (septiembre)" y "El encierro. Andalucía (noviembre-diciembre)". En 1915 pintó cuatro más, "El baile. Sevilla", desde enero hasta marzo, "Los toreros. Sevilla", desde marzo hasta mayo, "La romería. Galicia", durante el verano y "El pescado. Cataluña" en el otoño. El año 1916 sólo pintó "Las grupas. Valencia", en el que empleó desde enero hasta marzo; también el año siguiente, 1917, solamente un panel, "El mercado. Extremadura". Entre noviembre de 1918 y enero de 1919 hizo "El palmeral. Elche" y, finalmente, ese mismo año 1919 pintó el último de los paneles durante los meses de mayo y junio, "La pesca del atún. Ayamonte".
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El Museo de la Ciencia de Valladolid
inaugura una exposición sobre 150 años de ecología en España
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14/10/2008
Valladolid
El Museo de la Ciencia de Valladolid inaugura hoy a las 12.00 horas la exposición temporal '150 años de ecología en España. Ciencia para una tierra frágil'.
La exposición consta de cinco módulos explicativos que, a través de fotografías, publicaciones, vídeos, dibujos y ejemplares de las colecciones del Museo Nacional de Ciencias Naturales (CSIC), combinan elementos históricos desde 1857 con investigaciones actuales.
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Esta muestra, que estará presente en el Museo de la Ciencia hasta el 26 de abril de 2009, llega a Valladolid gracias al trabajo del CSIC, la Fundación Banco Santander, y la colaboración de la Junta de Castilla y León y la Sociedad de Amigos del Museo Nacional de Ciencias Naturales (Samncn). A la inauguración asistirá la vicepresidenta primera de la Junta y consejera de Medio Ambiente, María Jesús Ruiz; el alcalde de Valladolid, Francisco Javier León de la Riva, el director gerente de la Fundación Banco Santander, Javier Aguado Sobrino, el director del CSIC, Alfonso Navas Sánchez, y el director del Museo de la Ciencia, José Antonio Gil Verona.
CONTENIDO DE LA MUESTRA
La exposición realiza un recorrido a través de los 150 años de ecología española, así como de los distintos personajes que la han impulsado desde sus inicios y los descubrimientos científicos que han acontecido en España durante los últimos años. Todo esto, sin olvidar las investigaciones y las cuestiones que más preocupan a la sociedad actual, como los incendios, la desaparición de los ecosistemas, la extinción masiva de especies, los espacios protegidos, el cambio global y la sostenibilidad y su desarrollo.
De este modo, la muestra contiene, entre otros, viejos planos y libros que supusieron hitos en la bibliografía de la ecología, láminas científicas, mapas, dibujos y fotografías desde el siglo XIX hasta la actualidad, además de `piezas pertenecientes a la propia colección del CSIC. Sin embargo, todos estos elementos no existirían sin aquellos primeros impulsores de la ecología, como Lucas Mallada, José Cuatrocasas, Eduardo Hernández Pacheco o Ramón Margalef, entre otros. A estas y a otras importantes figuras hace mención también esta exposición, ya que han tenido un papel muy relevante en la creación, evolución y consolidación del tejido natural protegido y el conocimiento de los ecosistemas que cohabitan en el territorio español.
CINCO ÁMBITOS TEMÁTICOS
La exposición se estructura en cinco ámbitos temáticos, cada uno identificado con un color y compuesto de uno o varios módulos. 'Las leyes de la espesura' se centra en las causas y consecuencias de la pérdida de tantas y tantas hectáreas de masa boscosa durante estos 150 años. Éste ámbito abarca los módulos 'La defensa de los bosques', 'Sociedades de plantas' y 'Bosques, fuego y cambio climático'.
Otra área de la exposición es 'Islas de agua en un mar de tierra', que está dedicada a la diversidad de las especies y la flora de los ríos, lagos y humedales. Los paneles de esta parte de la muestra tratan como tema esencial la contaminación de los ríos. También al medio acuático está dedicado al área 'La promesa de lo invisible', donde se hace patente la preocupación, si bien a partir de principios del siglo XX, por la costa española y la pesca, además de por los distintos mares y continentes donde los investigadores han ido ampliando sus conocimientos en las ciencias del mar.
'Del individuo al paisaje' es la zona destinada a analizar cómo se influencian mutuamente estos dos elementos del medio ambiente, llegando a variar las condiciones evolutivas del individuo y modificando éste, a su ves, la faz del paisaje y las diversas especies que lo pueblan.
Finalmente, el ámbito temático 'Los aliados de la Tierra' recoge los grandes nombres de la protección del medio ambiente, como José Antonio Valverde, por sus campañas para la salvación de paisajes como Doñana o Francisco Bernís. También se hace mención a la misión del ser humano con las nuevas tecnologías y conocimientos de vigilar, diagnosticar y restaurar en la medida de lo posible los propios daños que la acción del hombre vaya ocasionando al planeta.
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Obreros Municipales hallan Urnas Funerarias de hace 1200 años
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13/10/2008
Catamarca (Argentina)
Urnas y restos arqueológicos que datan de unos 1.200 años fueron encontrados en el centro de la ciudad de Andalgalá por un grupo de obreros que cavaba zanjones.El director del Museo Arqueológico de Andalgalá, David Alvarez, confirmó hoy a la prensa que los restos arqueológicos encontrados estaban a una profundidad de unos tres metros y en muy buen estado de conservación.
Los obreros se encontraban realizando el cavado de zanjones sobre la calle Bárcena, para la futura instalación de cloacas, cuando encontraron urnas funerarias que contenían restos humanos y piezas arqueológicos como arcos, flechas y ajuares funerarios.
En la primera evaluación, las piezas arqueológicas, como las urnas funerarias, pertenecen al arte "cerámico" que ocuparon la poblaciones nativas en la zona de Andalgalá, y que data de unos 1.200 años de antigüedad.
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Las urnas son del tipo San José, de grandes dimensiones, similares a las que se exhiben en el Museo de Andalgalá, y las tapas de las mismas son muy singulares, aunque a pesar de cierto deterioro que presentan, serán reconstruidas en su totalidad.
Alvarez confirmó que solicitaron a la Escuela de Arqueología de la Universidad Nacional de Catamarca y a la Dirección de Patrimonio Cultural que realicen el análisis de los restos arqueológicos encontrados. Andalgalá se encuentra en el departamento homónimo a unos 250 kilómetros de la capital, en el oeste provincial. |
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El Museo de Avilés incorporará un ala destinada a la exhibición de cerámica
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13/10/2008
Avilés
El Museo de Avilés, que se construye actualmente en la calle La Ferrería, incorporará un ala destinada a la exhibición de cerámica, tanto tradicional como contemporánea. Así lo indicó el concejal de Cultura, Román Antonio Álvarez, que explicó que esta idea se podrá materializar una vez que la Escuela de Cerámica cambie su sede a la Factoría Cultural, que abrirá sus puertas en la antigua fábrica de camisas de El Carbayedo.
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| Así, el edificio que ocupaban hasta ahora los cursos de cerámica, anejo al Museo de Avilés, quedará libre para poder mostrar al público los fondos cerámicos del Ayuntamiento, muchos de ellos adquiridos en las distintas ediciones de los certámenes de San Agustín, y que permanecen desde hace años embalados por falta de sitio para su exhibición.
«En el momento en que la Escuela salga de ese edificio, la idea es que se cumpla el proyecto de escuela tal y como fue concebido, con una parte museística», indicó Álvarez. Además de los fondos municipales, podrían sumarse otras piezas, como las que se vayan recopilando en las distintas excavaciones que se van a llevar a cabo en la ciudad, como las que ya existen de Camposagrado y de Valdecarzana.
El concejal de Cultura también explicó que se ha puesto en contacto con José Manuel Feito, párroco de Miranda, y con Ricardo Fernández, ceramista experto en el estilo de Miranda, para que sus piezas puedan verse en el espacio expositivo. Las piezas de Ricardo Fernández, una veintena de ellas, ilustran todas las tipologías que se conocen de la cerámica negra, y recientemente pudieron verse en Avilés, en el marco de una exposición organizada por Cajastur. En cuanto al material de Feito, además de cerámica de Miranda incluye también otro tipo de piezas tradicionales.
El concejal de Cultura explicó que este nuevo espacio expositivo no alterará la distribución de las otras cuatro zonas que constituirán el Museo de Avilés, y que están planteadas por épocas históricas. «Esto será un nuevo espacio con la cerámica como eje transversal, y con un discurso expositivo coherente». Así se pretende explicar, por ejemplo, la evolución cerámica de Avilés, cuya tradición no está únicamente vinculada a la cerámica negra de Miranda, sino que también hay otras técnicas representadas en las excavaciones.
El fin de obras del Museo de Avilés, y también del convento de los Padres Franciscanos, está previsto en el primer semestre de 2009. Además del derribo del viejo convento, se iniciará un proceso de rehabilitación de la capilla de Las Alas, anexa a la iglesia de los Padres Franciscanos.
«También estamos trabajando para que haya una actuación coordinada en ambas fachadas», explicó Román Antonio Álvarez. Así, el concejal ya se puso en contacto con el responsable de Patrimonio del Principado, Adolfo Rodríguez Asensio, para realizar la limpieza y consolidación de los distintos elementos utilizando métodos poco agresivos, dadas las características de los materiales de construcción empleados.
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Encuentran un grabado de Goya en un hotel de Bogotá
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13/10/2008
Bogotá
El grabado fue robado hace un mes de un museo de la capital colombiana. Ha aparecido con el marco y protegido por una carpeta de plástico, oculto entre las mantas de una habitación de un hotel del centro de Bogotá.Las pesquisas para recuperar el grabado casi llevan a la cárcel a un profesor universitario que, en forma de broma, se hizo pasar por el autor del hurto.El cuadro, que lleva por título 'Tristes presentimientos de lo que ha de acontecer', había sido sustraída el 12 de septiembre de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, donde se exhibía como parte de la serie "Desastres de la Guerra" del genial pintor español.
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La directora del museo, que ya ha visto el obra, ha confirmado que es el original que robaron. Además, los ladrones no le han quitado el marco, lo que ha facilitado su identificación.
Se trata de la primera vez que esta colección se exhibe en América Latina y Bogotá fue elegida como primer destino. Las planchas originales de esas escenas se encuentran en la Academia de San Fernando, en Madrid; de ellas se han hecho varias ediciones y una de las primeras es la que ha llegado a Bogotá. |
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La Policía recupera cientos de piezas de incalculable valor arqueológico
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13/10/2008
Madrid
En una operación realizada por el GRECO de Palma de Mallorca los agentes han intervenido cerca de un centenar de objetos (ánforas, jarras y otras piezas) que habían sido expoliados en su mayoría en yacimientos submarinos. Otra actuación, desarrollada en Almería y Jaén, ha permitido recuperar diversas joyas episcopales que habían sido sustraídas de una vitrina del Museo de la Catedral de Jaén el pasado mes de septiembre.
Además, la Brigada del Patrimonio Histórico, de la Comisaría General de Policía Judicial, ha entregado esta mañana a la Ministra Consejera de la Embajada de Perú en España 243 piezas precolombinas pertenecientes a la 'Colección Patterson'. Estos objetos fueron recuperados por los investigadores españoles, tras permanecer ocultos durante diez años, e intervenidos judicialmente después de ser reclamados en tiempo y forma por las autoridades peruanas.
243 piezas devueltas a Perú
En el año 1997 se celebró en Santiago de Compostela una exposición compuesta por 1.760 piezas precolombinas originarias de distintos países sudamericanos. Tras finalizar, los objetos no fueron restituidos a sus países de origen y quedaron depositados en un almacén por el organizador de la exposición.Pasados diez años, se recibieron informaciones desde Perú que apuntaban a que los objetos podrían encontrarse aún en nuestro país, ya que desde entonces no se había vuelto a saber nada de ellos.
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Las gestiones realizadas por la Brigada del Patrimonio Histórico permitieron localizar las 1.760 piezas y realizar un inventario que fue remitido vía INTERPOL a todos los países que pudieran estar afectados, para que efectuasen las reclamaciones de restitución que fueran pertinentes.
Tan sólo Perú solicitó mediante comisión rogatoria que le fueran restituidas 31 piezas de su propiedad, que le fueron entregadas a través de su Embajador en España en diciembre del año pasado.
Además, solicitó en tiempo y forma la devolución de otros 243 objetos de la misma colección, que fueron igualmente intervenidos de manera preventiva y depositados en el Museo de América. Dando cumplimiento a lo ordenado por el Juzgado de Instrucción número 2, esta mañana se ha hecho entrega de dichos objetos a la Ministra Consejera de la Embajada de Perú en España, en una recepción que ha tenido lugar en el Museo de América.
Por otra parte, el resto de la colección no estuvo en ningún momento intervenido judicialmente por lo que el organizador de la exposición procedió a su retirada del almacén donde se encontraba depositada. Tras abonar una importante cantidad por los gastos de depósito durante diez años fue llevada hasta Alemania, donde en la actualidad se encuentra retenida.
Su traslado sin las autorizaciones de exportación pertinentes podría ser constitutivo de un delito de contrabando, por lo que se ha solicitado a Alemania una Orden Europea de Embargo de la colección.Las autoridades policiales y culturales españolas han informado a los Agregados Culturales de los países interesados que, en el caso de ser recuperadas, se procedería a su devolución incondicional a sus propietarios.
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El Museo de la Laguna de Sariñena
ofrece a los visitantes una exposición con 27 cuadros de paisajes de Aragón
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12/10/2008
Huesca
El Museo de la Laguna y el Ayuntamiento de Sariñena han organizado una exposición pictórica de Daniel Grustán Ballarín, natural de esta localidad.
La muestra, titulada 'Toda mi vida', reúne 27 cuadros en los que predominan los paisajes de Aragón, lienzos que el autor donará al museo para que su obra perdure y pueda ser admirada.
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Grustán Ballarín ha realizado más de doscientas exposiciones individuales y colectivas y ha ganado innumerables premios a lo largo de su carreta artística. Además, ha escrito el libro 'Guerra, exilio y represión' donde narra las vivencias de un republicano de Sariñena.
Esta muestra que se presenta en el museo es una colección privada de 27 cuadros llamada 'Toda mi vida', donde el autor presenta los más de 50 años que lleva pintando y creando obras de arte, que tienen como tema central, en su mayoría, los paisajes de Aragón.
MUSEO DE LA LAGUNA
La directora del Museo de la Laguna de Sariñena, Asunción Miranda, explicó a Europa Press las peculiaridades de este centro, que reúne un museo etnológico de tres plantas, con salas dedicadas a la laguna de Sariñena y a exposiciones temporales. "En estos momentos tenemos una exposición de maquetas de cartón de Manuel Casabón", unas "diez o doce maquetas preciosas, dignas de ver", en las que el visitante podrá reconocer ermitas y esculturas; y en otra sala se encuentran las pinturas de Daniel Grustán.
Este centro museístico, ubicado en "una casa típica aragonesa muy antigua de tres plantas, y con un jardín con plantas aromáticas de la zona en su interior", comparte espacio con la oficina de turismo de Sariñena y en él, junto a las exposiciones, se realizan otro tipo de actividades, como conferencias y jornadas. Entre las próximas, se celebrará una charla con un biólogo y una jornada sobre poesía.
El museo recibe numerosas visitas a lo largo del año, aunque "este mes de agosto ha sido más flojo" porque el centro sólo abrió sus puertas los sábados y domingos. Normalmente, "vienen muchos colegios y muchos visitantes que acuden a la Laguna se acercan también hasta aquí", de modo que se reciben entre 300 y 500 visitantes al mes.
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Lanjarón incrementará su oferta turística
con un museo de la miel y la apicultura
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11/10/2008
Lanjarón
La VIII Feria de la Miel Andaluza abre hoy sábado sus puertas en Lanjarón y permanecerá abierta hasta el próximo lunes en una nave cedida por el propietario del Balneario. Paralelamente, se celebrarán en el salón de fiestas del famoso recinto termal las XIII Jornadas Técnicas de Apicultura y el XI Concurso de Mieles de Andalucía. En Andalucía existen unos 3.200 apicultores de los 400 son de Granada que, en total, poseen unas 40.000 colmenas que producen cada año unos 600.000 kilogramos de miel de diferentes variedades.
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En una finca lanjaronense, bautizada con el nombre de Berta Wilhelmi, de unos 18.000 metros cuadrados de superficie y adscrita por la Junta de Andalucía al Consejo Regulador 'Miel de Granada', se está poniendo en marcha el Museo de la Miel y el Centro de Interpretación de la Apicultura. Este museo, según el presidente de la Asociación Provincial de Apicultores de Granada (APAG) y del  Consejo Regulador de la DOP 'Miel de Granada', José Orantes, y su secretario
técnico e hijo, José Orantes, estará dividido en tres partes. En una se ubicará un lagar de cera con más de 300 años, adquirido en un pueblo de Zamora, que pesa unos 15.000 kilogramos y está provisto de una prensa y caldera elaboradas en madera de roble y castaño. En otra parte de la finca se abrirán varios itinerarios con 29 expositores para que los visitantes conozcan en profundidad el mundo de la apicultura. Y en otra se montará una sala expositiva y un colmenar árabe construido con cañas y junco y cubierto de barro y boñiga de vaca. Asimismo, se mostrará un criadero profesional de abejas reina de la familia Orantes que, actualmente, dispone de material para criar unas 8.000 al año. Es un criadero de reinas dedicado exclusivamente a la defensa, cría y selección de nuestra subespecie de abeja autóctona, la 'Apis mellifera iberiensis'.
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Roma celebra con una muestra la creatividad de entreguerras de Picasso
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11/10/2008
Roma
Con una exposición que reúne 180 obras del genio de la pintura Pablo Picasso, Roma celebra la magnífica creatividad del periodo de entreguerras del artista español, ícono del arte moderno del siglo XX. Las obras expuestas en el céntrico museo Complejo del Vittoriano, entre ellas óleos, grabados, dibujos y esculturas, provenientes de numerosos museos y colecciones privadas, fueron realizadas entre 1917 y 1937, un periodo particularmente fértil, marcado por la mezcla de estilos, desde el cubista y neoclásico hasta el surrealista.
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"A partir de 1917 Picasso deja de descartar estilos e inventa cada día uno nuevo sin eliminar los precedentes", explicó Yves Alin Bois, curador de la exposición y profesor de historia del arte de la Universidad de Princeton, en Estados Unidos.
Bajo el subtítulo "El arlequín del Arte", Roma recuerda también su viaje a Italia y en particular su estadía en Roma entre el 17 de febrero y 2 de mayo de 1917, cuando era un artista renombrado, para ilustrar los trajes y la escenografía de un espectáculo teatral de su amigo el poeta Jean Cocteau en el Teatro de la Opera.
La exposición se abre con varios óleos del personaje cómico de la antigua comedia italiana, metáfora de la libertad creativa, entre ellos el espléndido "Arlequín" abstracto realizado en 1927, propiedad del Metropolitan Museum de Nueva York, y el cubista "Arlequín músico" de 1924, del National Gallery of Art de Washington. "Quise ante todo mostrar la diversidad de Picasso", cuenta Bois, cuya selección de obras resulta no sólo eficaz sino impactante, gracias a los préstamos concedidos entre otros por los tres grandes museos dedicados al artista catalán, el de París, Barcelona y Málaga.
"Lograr los préstamos de Arlequín fue algo muy difícil", admite el curador, quien seleccionó también un Arlequín neoclásico del Museu Picasso de Barcelona, un retrato formal al estilo de los realizados en el Renacimiento.
Además de la figura del arlequín en Picasso, que representa su alter ego y su irreprimible cultura mediterránea, la muestra presenta una serie de "corridas" y de óleos de mujer, entre ellos el célebre retrato "Mujer con sombrero" (Marie-Thérèse Walter, madre de su hija Maya), pintado en 1934, en el que distorsiona su figura sensual sobre un fondo amarillo y consolida el "estilo Picasso".
Para mostrar su capacidad de trabajar con estilos diferentes, la exposición se cierra con la serie de 100 grabados realizados para su marchante Ambroise Vollard entre 1930 y 1937 y conocidos como la "Suite Vollard", los cuales pasaron a la historia del grafismo mundial. En esas planchas Picasso juega con todas las influencias, con Rembrandt, el minotauro, el escultor y su modelo y ofrece una visión de su volcánica fantasía, de su saber artesanal, de su deseo de experimentación y espíritu de libertad y, en sustancia, de la metamorfosis de la creatividad.
La exposición, que fue inaugurada el viernes por el presidente de la República Giorgio Napolitano, abrirá el sábado sus puertas al público y se clausurará el 8 de febrero del 2009.
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Trastienda de museo
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11/10/2008
Murcia
Los museos de la Región albergarán durante el último trimestre del año más de 150 actividades, entre conciertos, conferencias, cursos y talleres, con el objetivo de convertirse en espacios de reflexión, según informó el consejero de Cultura, Pedro Alberto Cruz. Cruz, que presentó la programación de los museos de la Región junto al director general de Bienes Culturales y Bellas Artes, Enrique Ujaldón, destacó entre las novedades de la oferta cultural de estos espacios expositivos la puesta en marcha del Laboratorio de Experiencias y Tendencias en el Museo Arqueológico de Murcia.
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Esta iniciativa contará con la presencia de importantes pensadores y filósofos como el catedrático de Comunicación de la Universidad de Sevilla, Manuel Ángel Vázquez, que impartirá una conferencia el 28 de noviembre sobre Paleotelevisión, neotelevisión, transtelevisión: pasado, presente y futuro del medio televisivo, o el periodista y profesor de la universidad Pompeu i Fabra Arcadi Espada, quien disertará, el 9 de diciembre, sobre El periodismo, entre el ficcionalismo y las nuevas tecnologías.
El Arqueológico también incluye en su programación el Laboratorio de la Interculturalidad, en el marco del cual, del 10 de octubre al 21 de noviembre, se han programado diversas conferencias sobre justicia intercultural, minorías o la actual construcción de una política europea de inmigración.
Además, albergará, los días 27 y 28 de octubre, un congreso homenaje al profesor de la Universidad de Granada Pedro Cerezo, especialista en filosofía española y en la figura de José Ortega y Gasset, así como un congreso dedicado a Floridablanca, del 2 al 4 de noviembre, organizado junto a la Universidad de Murcia, y las actuaciones incluidos en el programa A deshoras.
Así mismo, el Museo de Bellas Artes de Murcia (MUBAM) incluye en su programación las exposiciones de Asincronías, que este último trimestre incluye los trabajos de Santiago Ydañez, y seminarios sobre hip-hop, mujeres compositoras, ópera romántica o canto gregoriano. La oferta de la iglesia de San Juan de Dios contempla un ciclo de conciertos de música antigua; el Museo de Santa Clara un ciclo de conferencias sobre excavaciones y arqueología, y el de Música Étnica de Barranda conciertos de flamenco pop, música andalusí y folclore.
Discapacitados
En el Museo de Arte del Cigarralejo se llevarán a cabo talleres sobre Cerámica a mano, Los íberos, artesanos y guerreros o Los hombres de la Prehistoria, y cursos para discapacitados visuales, así como conferencias y exposiciones. Enrique Ujaldon afirmó que, aunque se van a potenciar las actividades en los museos, no se va a dejar de lado la programación de talleres para niños y familias, sobre todo los fines de semana.
En este sentido indicó que el Museo de Santa Clara continuará con su programación infantil, entre la que destacó los talleres sobre pintura y escritura, y que el MUBAM albergará talleres de creación plástica para niños y familias. La muestra Taxidermia Espirituosa, de Santiago Ydáñez, dentro del proyecto Asincronías, puede disfrutarse actualmente en sus dependencias expositivas.
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Exhibirán en un museo de Canadá 258 piezas arqueológicas de Costa Rica
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10/10/2008
Costa Rica
Un total de 258 piezas arqueológicas precolombinas de Costa Rica se exhibirán del próximo 2 de noviembre hasta el 19 de abril de 2009 en el Museo Pointe à Callière de Montreal, Canadá, informó hoy una fuente oficial.
El Museo Nacional de Costa Rica, custodio de las obras, indicó en un comunicado que la exhibición tendrá como nombre "Costa Rica: tierra de maravillas" y consiste en un recorrido cronológico que cuenta la historia de los costarricenses desde el año 500 antes de Cristo hasta la conquista española.
La muestra cuenta con piezas precolombinas costarricenses de oro, cerámica, piedra y jade, las cuales fueron seleccionadas por el especialista del museo canadiense, Claude Chapdeleine, y el arqueólogo del museo costarricense, Ricardo Vázquez.
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Todas las obras simbolizan la estrecha relación existente entre la naturaleza y los hombres y la mayoría de ellas han sido adquiridas por el Museo Nacional de Costa Rica en los últimos diez años.
En total, se mostrarán 99 piezas de cerámica, 49 de piedra, 58 de oro y 52 de jade, para un total de 258, de las cuales 184 nunca han participado en exhibiciones nacionales ni internacionales.
Esta muestra es la mayor organizada por el Museo Nacional de Costa Rica en un recinto especializado en el exterior. |
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Museo Tate compra raro boceto de Rubens
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10/10/2008
Londres
El Museo Tate de Gran Bretaña compró un raro boceto de Peter Paul Rubens con la ayuda de varias fundaciones de arte y patrimonio con el fin de evitar que fuese vendido en el extranjero.
El Tate pagó 5,7 millones de libras esterlinas (9,9 millones de dólares) por la versión en boceto de la pintura "La apoteosis de Jaime I", que muestra al rey Jaime I siendo elevado al cielo.
La obra completa fue pintada en el techo del Salón de Banquetes de Whitehall, la residencia del monarca en Londres, en el siglo XVII. El boceto ha estado en poder de la familia de Anthony David Brand por dos siglos. Cuando él falleció, la familia ofreció al museo la posibilidad de comprar la obra a un precio con descuento con fines fiscales.
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El museo realizó una recaudación de fondos con la ayuda de otras organizaciones, entre ellas el Fondo del Arte y el Fondo del Monumento del Patrimonio Nacional, con el fin de comprar la obra antes de que fuese puesta en venta en el mercado abierto y posiblemente vendida a alguien del extranjero.
Rubens creó el estudio para el rey Carlos I en 1620 como un adelanto del trabajo que le encomendó la Comisión Whitehall. El Salón de Banquetes sobrevivió al incendio que destruyó el resto del palacio en 1698.
El boceto de "La apoteosis de Jaime I" ha estado en exhibición en el museo desde fines de marzo pasado. Peter Paul Rubens, líder de la escuela flamenca del siglo XVII, es considerado el representante más genuino y completo del estilo barroco.
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Los 'Martes en el Museo' se dedicarán a charlas históricas
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10/10/2008
Albacete
Este ciclo monográfico de charlas, ya consolidado, recorrerá la historia de Castilla La Mancha.
Por octavo año el Museo de Albacete, junto con la Asociación de Amigos del Museo, la Consejería de Cultura, Turismo y Artesanía y el apoyo de Obra Social de CCM, presentaron el ciclo de conferencias 'Martes en el Museo'.
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La temática elegida para el presente curso 2008/09 ha sido la historia de Castilla La Mancha, por lo que, divididas en cinco bloques, las conferencias harán un repaso desde la Prehistoria hasta la Edad Contemporánea de nuestra región.
A diferencia de otras ediciones, este año el ciclo de conferencias ha sido elaborado siguiendo un formato de monográfico, según explicó Blanca Gamo como representante del Museo de Albacete. Además de las charlas previstas para cada martes, el ciclo se completará con visitas y viajes culturales que completarán las exposiciones semanales.
Debido a las obras de rehabilitación de las instalaciones del Museo, el Salón de Actos del Centro Cultural de CCM acogerá este año el ya consolidado ciclo de conferencias. En representación de Obra Social de CCM, Mª Dolores García afirmó que para su institución es «un lujo poder tener estas conferencias en casa».
Importante labor
La vicepresidenta de la Asociación de Amigos del Museo destacó la increíble labor de coordinación llevada a cabo por el museo para que este ciclo salga adelante. También resaltó que iniciativas como ésta no se realizan en cualquier lugar y que Albacete se debe desprender del «sanbenito de inferioridad cultural respecto a otras ciudades españolas».
Finalmente, la delegada de la Consejería de Cultura, Turismo y Artesanía hizo «una llamamiento a los ciudadanos de la región para que acudan al ciclo de conferencias» que contará con ponentes de gran prestigio y reputación en su campo y que acudirán de distintas universidades de españolas.
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Kate Moss, “Sirena de Oro”
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"Siren" de Mark Quinn |
09/10/2008
Londres
La pieza llamada "Siren" es obra del escultor Mark Quinn, pesa 50 kilogramos y es la más grande que se haya realizado desde tiempos del Antiguo Egipto.
La estatua en oro macizo de la modelo Kate Moss fue inaugurada hoy en el Museo Británico de esta ciudad, como parte de la muestra de obras contemporáneas “Statuephilia”, que se abrirá al público el próximo 4 de octubre y estará vigente hasta el 25 de enero de 2009.
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La pieza del escultor Mark Quinn, denominada “Siren” (Sirena) y valuada en 2.6 millones de dólares, fue inaugurada en la Sala Nereid junto a una serie de figuras griegas.
En un comunicado, el Museo Británico informó que la efigie de 50 kilogramos de peso, calificada como la “Afrodita de nuestro tiempo”, es la más grande que se haya realizado en el metal precioso desde tiempos del Antiguo Egipto.
Quinn, conocido por su obra “Allison Lapper pregnant”, que causó controversia pues plasmó en mármol a una mujer real que nació sin brazos y con las piernas muy cortas, declaró que utilizó a Moss como inspiración porque “es la idea perfecta de la belleza actual”.
La exposición podrá ser visitada por el público a partir del próximo sábado, junto a obras de artistas como Damien Hirst, Antony Gormley y Ron Mueck.
Philip Attwood, director de las colecciones de arte moderno del Museo Británico, declaró que aunque el recinto londinense es más celebrado por sus piezas de la antigüedad, “mucha gente desconoce que también hay preciosos objetos contemporáneos”.
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Caravaggio, Monet, Picasso y Dalí, en
"Obras maestras del Museo de Montserrat en BBVA"
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Obra de Caravaggio |
09/10/2008
Madrid
Un recorrido histórico-cultural entre los siglos XII y XX de la mano a artistas como Caravaggio, Sisley, Monet, Degas, Rusiñol, Casas, Nonell, Picasso o Dalí se inaugurará ayer con la muestra 'Obras maestras del Museo de Montserrat en BBVA. De Caravaggio a Picasso', en el Palacio del Marqués de Salamanca de Madrid. En cartel hasta el próximo 7 de diciembre, la exposición incluye 100 piezas, entre pinturas, esculturas y obras sobre papel, seleccionadas de las cerca de 1.300 del monasterio.
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"Es la primera vez que el Museo de Montserrat cede un número tan importante de obras", aseguró Javier Ayuso, director de comunicación e imagen de BBVA.
Entre los lienzos más destacados figuran 'El viejo pescador' (1895) y 'El monaguillo' (1896), pintados por Pablo Picasso entre sus 13 y 15 años, o 'Retrato de mi padre' (1925) y 'Dos figuras femeninas tumbadas sobre las rocas' (1926), ambos de Salvador Dalí.
"AUTÉNTICA ANTOLOGÍA"
"Tenemos aquí una auténtica antología", describió Francesc Fontbona, coordinador científico del catálogo. "Se puede decir que ahora en Montserrat está expuesto el 'equipo reserva'", afirmó, haciendo una metáfora futbolística.
El recorrido comienza con piezas del siglo XII y continúa con obras tardogóticas y del primer Renacimiento como 'Construcción de una iglesia', de Nicolás Francés, o 'Nacimiento de la Virgen', de Pedro de Berruguete. De Caravaggio se presenta 'San Jerónimo Penitente', composición recientemente restaurada en el Prado. También destaca el retrato de Lafontaine, uno de los pocos cuadros de Rigaud en colecciones españolas. El impresionismo es uno de los movimientos mejor representados en la muestra, con óleos de Monet, Sisley, Degas y Pisarro.
La escuela catalana constituye el núcleo central de la exposición, que enseña la influencia de París en catalanes como Modest Teixidor (en 'Pla de Palau'), Romà Ribera y Eliseu Meifrén. Sin embargo, en este ámbito se puede subrayar a Santiago Rusiñol, de quien se exhiben 'Café de los Incoherentes (Café Montmartre)', 'Rue Norvins' e 'Île Saint-Louis'.Ramón Casas, amigo de Rusiñol, también supo traducir en sus lienzos su fascinación por la luz y los temas parisinos, como se ve en 'Antes del baño', 'Joven decadente' o 'Madeleine', modelo que posaba para Toulouse-Lautrec y Alfons Mucha. Dario de Regoyos, con 'Polluelos', y Julio Romero de Torres, con 'Esperando', conectan con el estilo de estos creadores catalanes.
'BOMBONES' CON FUERZA
"Queríamos dar un equilibrio a esta selección. Hay algunos autores un poco secundarios, pero sus piezas son verdaderos 'bombones' y tienen mucha fuerza", detalló el padre Josep C. Laplana, director del museo y comisario de la muestra.
De Isidro Nonell, por ejemplo, se exhiben cuatro óleos, de los que destaca 'Un pobre chiquillo', de 1896. Joaquim Mir es otro de los grandes de este período, representado por obras como 'Reflejo' o 'Alforja'. Catalanes como Frances Gimeno o Anglada Camarasa y extranjeros como Torres-García, Georges Rouault y Serge Poliakoff también podrán ser vistos.
Un grupo de esculturas (sobresalen 'La modestia' de Llimona y 'María Rosa', de Joan Rebull) y de obras sobre papel completan el recorrido. Dibujos de Casas, Nonell, Picasso, Juan Gris, Dalí, Metzinger o Antoni Tàpies forman parte de la muestra, así como las acuarelas 'Dama con sombrilla', de John Singer Sargent y 'El vendedor de tapices', de Mariano Fortuny.
"UN MONASTERIO CULTO"
Montserrat ha tenido dos épocas diferenciadas y separadas por la Guerra de la Independencia, cuando el monasterio fue quemado y saqueado, perdiendo todo su patrimonio artístico. Sin embargo, en mediados del siglo XIX, de la mano del abad Antoni M. Marcet, la abadía empezó a recobrar su esplendor, con una gran biblioteca y una pinacoteca que incluía la obra de Caravaggio expuesta en Madrid. "Marcet decía que deseaba convertirlo en un 'monasterio culto'", reveló Laplana.
Tras la Guerra Civil, el abad Marcet fue sustituido por Aureli M. Escarré, el verdadero creador del actual Museo de Montserrat, que transformó la abadía en un centro cultural de relieve y consiguió la donación de uno de los más importantes coleccionistas de obras catalanas, el industrial Josep Sala.
La donación de Sala abrió una sección dedicada a la pintura moderna, con obras de Picasso, Dalí o Casas, y produjo un incremento en el acervo, despertando la atención de otros donadores. Hoy el Museo de Montserrat cede sus obras a instituciones como el MoMa de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. "Una obra de arte cedida es un embajador que proclama una sintonía y una proximidad", concluyó Laplana sobre el préstamo al Palacio del Marqués de Salamanca de Madrid.
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Richard Serra regresa a Bilbao
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Richard Serra |
08/10/2008
Bilbao
El escultor estadounidense instala en el Guggenheim su obra 'Plow'
Richard Serra (San Francisco, 1939) refuerza sus palabras dibujando en un cuaderno de bocetos una rueda de bicicleta, en la que encuentra las mismas formas curvas de las gigantescas esculturas de acero en las que trabaja en los últimos años. Tres años después de instalar en el Museo Guggenheim las siete esculturas que conforman La materia del tiempo ha vuelto a Bilbao para supervisar la colocación en el exterior del edificio de la obra Plow (Arado, 1992), un préstamo a largo plazo de un coleccionista.
Plow está formada por dos piezas cuadradas de acero, de dos metros de lado y ligeramente inclinadas, que se hunden siete centímetros en el suelo. Serra dice que es una obra que se define por su verticalidad, su peso, la gravedad, la localización y su capacidad de transformar el espacio que ocupa.
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| Con las esculturas de La materia del tiempo y sus trabajos más recientes busca, en cambio, la experiencia del espectador. "La percepción del público es el tema central de las esculturas. No son dibujos ni piezas que uno coloque en un pedestal. Sin la experiencia al moverse entre ellas no hay contenidos, no hay esculturas", asegura.
Recién llegado de Londres, donde ha inaugurado una exposición de su obra reciente, Serra se reconoce feliz en el Guggenheim, el museo con la muestra más significativa de su obra. "No puedo estar más satisfecho. Cada vez que veo la instalación pienso que es más de lo que yo había previsto", dice. Ahora trabaja sobre esculturas que llevan la atención del espectador a "los puntos ciegos". Las obras proponen un recorrido desconcertante entre las piezas de acero, por unos pasillos que no dejan ver hacia dónde se dirige. Una vez más la escultura juega con la psicología del espectador. "Los volúmenes son la forma constructiva de estas esculturas", precisa. "Lo que yo hago es redefinir el contexto y añadir una tensión".
Serra cree que la obra cambia cuando se expone en espacios públicos. "En la calle nadie pregunta quién es el autor y la obra debe abordar las comparaciones con el urbanismo. Se ve por el gran público como algo inútil, que no satisface más que necesidades líricas. Es lo contrario de lo que ocurre en un museo, donde lo que cuenta es la etiqueta". Convencido de que el arte cubre carencias del ser humano difíciles de discernir, Serra advierte de los riesgos de traspasar los límites de lo comercial y conseguir públicos masivos. "Las publicaciones sensacionalistas no son lo mismo que Beckett", sentencia. "La escultura ya está superando la frontera del consumo. Para muchos artistas, hoy el contexto es el mercado. El merchandising es el tema central, no se debate sobre la estética de la obra, sino que se habla de su valor de intercambio".
Serra rehúsa dar nombres que avalen esta tendencia, pero precisa que está siendo propagada por galeristas y coleccionistas hasta convertir al mundo artístico en "el único mercado especulativo no regulado". Personalmente, el autor de La materia del tiempo -un encargo por el que el Guggenheim pagó 20 millones de dólares (14,3 millones de euros, al cambio actual)- no tiene queja. "La situación es muy difícil para un artista joven. ¿Sólo se va a preocupar de la producción comercial o abordará la relación con su propia experiencia?", se pregunta. "La cuestión es si enlazas con el público o si investigas. Ni Cézanne ni Picasso ni Pollock creaban obras para el mercado".
El futuro del arte, cree Serra, dependerá de "la juventud inesperada". "La siguiente generación decidirá si van a contratar a 200 colaboradores para desarrollar una idea o van a optar por una vía alternativa y soñar el sueño de todos los poetas del pasado. No lo puedo predecir".
Serra recurre a la ironía para esquivar las preguntas sobre la desaparición de su escultura en el Reina Sofía. "La mafia goza de estupenda salud en Madrid", dice. "[La desaparición] no es más que una nota al margen".
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El museo barreño incorpora un fósil con 3.500 millones de años de antigüedad
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Fosíl de Cianobacterias |
07/10/2008
Los Barrios
El Museo de Historia Natural de Los Barrios cuenta desde hace poco con una nueva pieza que se ha convertido en la estrella de la colección que gestiona Juan José Castillo: un fósil de cianobacterias, o algas verdeazuladas, de 3.500 millones de años de antigüedad. Se trata de uno de los primeros organismos vivos que hubo sobre la Tierra. Estas células son procariotas, es decir, sin núcleo diferenciado y que se reproducen con una simple división. Su diámetro varía desde los 0,3 a 0,5 micrómetros.
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Están consideradas como los organismos más primitivos de este planeta y capaces de realizar la fotosíntesis.
Estos microorganismos se sitúan en el origen de la vida en la Tierra. Contienen clorofila y pueden descomponer el agua durante la fotosíntesis para producir oxígeno. Se encuentran en el suelo, pero la gran mayoría vive en agua dulce o salada. Muchas especies forman filamentos de varias células, de ahí que parezcan plantas. También contienen diversos pigmentos en membranas localizadas hacia el borde de la célula.
Antes de la aparición del microscopio electrónico se les clasificaba con las algas eucariotas, o sea, con núcleo, pero luego se les descubrió características distintas. Según los fósiles encontrados, hasta hace unos 1.000 millones de años sólo existían miccroorganismos procariotas. La teoría más aceptada es que las células eucariotas evolucionaron a partir de células procariotas que empezaron a vivir por simbiosis en el interior de células más grandes.
La pieza que se exhibe en el Museo de Historial Natural de Los Barrios procede de un yacimiento de la zona minera de Ironwood, en el estado norteamericano de Michigan. El fósil se compone de varias capas petrificadas de algas verdeazuladas. Esa agrupación de fósiles en láminas recibe el nombre de estromatolitos.
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La Tate Modern presta 'Metamorfosis de Narciso'
al Museo Dalí durante tres meses
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Museo Dalí |
07/10/2008
Figueres
La Fundación Gala-Salvador Dalí cumplió ayer uno de los deseos del genio surrealista al exponer, por primera vez juntos, el óleo sobre tela Metamorfosis de Narciso, pintado en 1937, y el poema homónimo que el artista escribió para ser leído mientras se contempla la pintura.
El cuadro pertenece a la colección de la Tate Modern de Londres desde 1979 y es uno de los máximos exponentes del surrealismo daliniano, según Vicenç Todolí, director de este centro cultural londinense.
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"Es una de nuestras piezas más importantes y una de las más complejas dentro del universo surrealista", afirmó.
Durante tres meses podrá contemplarse en el Teatro Museo Dalí de Figueres (Alt Empordà), en un montaje especial que incluye el manuscrito del poema y que permitirá al visitante seguir la recomendación del propio pintor. "Dalí propone leerlo y observar con una 'fijeza distraída' el cuadro como aplicación integral de su método paranoico-crítico", explicó ayer el director del centro, Antoni Pitxot.
El óleo, que despertó el entusiasmo de Sigmund Freud, une la tradición clásica de la mitología griega con el psicoanálisis a través del mito de Narciso, cuya egolatría no debió de resultar ajena al artista. "Dalí se identificó con él hasta el punto de retratarse junto a un charco en el que se reflejaba su rostro. La clave del cuadro está en esa foto, tomada por Gala durante una excursión por el Cap de Creus", apunta Pitxot.
Una vez más, los paisajes desnudos de Cadaqués y Portlligat son el trasfondo de un lienzo en el que desfilan personajes y temas del imaginario daliniano: rocas, huevos, un perro flaco o un tablero de ajedrez para una partida con la muerte.
La Fundación Gala-Salvador Dalí también anunció ayer la publicación este otoño del poema La Metamorfosis de Narciso con dos estudios introductorios.
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La vanguardia y la guerra, en el Museo Thyssen
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Autorretrato |
07/10/2008
Madrid
La historia del arte está indisolublemente unida a la de la guerra. Y nunca esa vinculación ha sido tan evidente como en la I Guerra Mundial, más conocida como la Gran Guerra. Pese a ello, y a que en esa confrontación está la semilla de los grandes movimientos de vanguardia, el tema ha sido poco estudiado.
La exposición ¡1914! La vanguardia y la Gran Guerra, que desde hoy se puede ver en el Museo Thyssen-Bornemisza y en Caja Madrid, viene a dar luz a un periodo en el que la creación vivió uno de los momentos de máximo esplendor de su historia.
Nada menos que 222 obras procedentes de museos y colecciones de todo el mundo constituyen una oportunidad única para entender este periodo. Javier Arnaldo, conservador jefe de Investigación del Museo Thyssen y comisario de la exposición, explicó ayer que ha tardado cuatro años en poder presentar este trabajo. "La Gran Guerra produjo un entusiasmo universal. Los soldados se alistaron con ánimo exultante y los artistas participaron plenamente de ese resultado.
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La guerra del 14 cambió el mundo. Acabó con tres imperios, el austrohúngaro, el ruso y el alemán, y se plantaron las semillas de los futuros totalitarismos. Del delirio se pasó a la depresión más absoluta, y al acabar todo, los europeos supieron que sus destinos estaban vinculados para siempre".
Guillaume Apollinaire, Fernand Léger, Otto Dix, Franz Marc, William Roberts, David Bomberg, Wyndham Lewis y Max Beckmann son algunos de los 68 artistas sobre los que Arnaldo ha vertebrado la doble exposición.
La muestra arranca situando al visitante en las vísperas del comienzo de la guerra, en 1914. Es el momento en el que maduran o están a punto de nacer los grandes movimientos artísticos del siglo: expresionismo, cubismo, futurismo, vorticismo y abstracción.
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Se coloca la primera piedra del Museo del Cerdo Ibérico y la Dehesa
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Cerdos Ibéricos en la Dehesa |
07/10/2008
Monesterio
La primera piedra del Museo del Cerdo Ibérico y la Dehesa se colocará en Monesterio, en un acto al que asistirá la delegada del Gobierno en Extremadura, Carmen Pereira.La colocación de esa primera piedra tendrá lugar a las 13.00 horas en el Paseo de Extremadura de Monesterio, según informa la Delegación del Gobierno en Extremadura en una nota de prensa, en la que destaca que la construcción de esta infraestructura se realizará con una aportación inicial del Ministerio de Cultura de 500.000 euros. Previamente, la delegada del Gobierno en Extremadura, presidirá la constitución de la Junta Local de Seguridad de Monesterio, en la que también estará presente el alcalde de la localidad, Antonio Garrote Ledesma, y responsables de las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad.
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El Museo de Euskal Herria de Gernika recoge la exposición
"De la Memoria" de Jesús Mari Lazkano
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05/10/2008
Bilbao
El Museo de Euskal Herria de Gernika acogerá desde mañana 55 obras de coleccionistas privados firmadas por Jesús Mari Lazkano, en una exposición que cuenta con el título 'De la Memoria'.
Según informó la Diputación foral de Bizkaia, el propio diputado general José Luis Bilbao, acompañado del autor, presentará mañana a las siete y media de la tarde los 55 acrílicos que recogen "la más íntima visión del paisaje que el artista figurativo contempla desde su estudio ubicado en Urdaibai".
Lazkano, nacido en 1960 en Bergara (Gipuzkoa), es uno de los creadores vascos "máximos exponentes" de la pintura realista desarrollada en Euskadi, y en su "dilatada" carrera ha realizado más de una treintena de exposiciones individuales por todo el mundo.
El autor es doctor en Bellas Artes por la UPV-EHU, y profesor titular de la Facultad de Bellas Artes de Bilbao y ha realizado numerosas representaciones y series de pinturas de paisajes y construcciones de Bilbao, Bizkaia, Roma, Nueva York, entre otros lugares.
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B. B. King estrena museo y nuevo disco a los 83 años
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Interior del B. B. King Museum |
05/10/2008
Memphis
A sus 83 años recién cumplidos, el legendario guitarrista B. B. King parece no querer poner freno a su agitada vida profesional. Coincidiendo con la presentación de su último álbum de estudio, One kind favor, y los preparativos de su inminente gira norteamericana, el músico ha sido homenajeado en su pueblo de adopción en el Delta del Misisipí (Indianola) con la inauguración del B. B. King Museum and Delta Interpretive Center, un espacio dedicado a su vida, su obra y, sobre todo, a la música que lo ha hecho mundialmente famoso, el blues.
Este es un privilegio al alcance de muy pocos artistas y aún menos de los que siguen en activo. Pero B. B. King hace mucho tiempo que juega en una Liga aparte, la de los que han trascendido la leyenda musical para convertirse en iconos. "He oído decir que el cielo es precioso", dijo emocionado el músico en el acto inaugural del museo, el pasado 11 de septiembre. "Pero si el cielo es más bonito que lo que siento en este momento, entonces estoy preparado para irme mañana mismo".
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Visitar el B.B. King Museum supone emprender un viaje en el tiempo en busca de los orígenes del blues. La primera parada es una sala de cine, donde un filme presenta al músico e introduce al espectador en la cultura tradicional del Delta del Misisipí. A partir de aquí se suceden las distintas salas de exposición, donde su vida se mezcla con todo lujo de detalles con el trabajo en las plantaciones de algodón, las primeras emisoras de radio, el movimiento por los derechos civiles y los antiguos estudios de grabación que marcaron su camino hacia la fama.
LA GUITARRA 'LUCILLE'
Los visitantes no solo podrán ver sus guitarras (entre ellas, la emblemática Lucille), las imágenes de sus actuaciones más legendarias y su impresionante colección de 14 Grammy, sino que también tendrán la oportunidad de descubrir la persona que se esconde detrás del mito y podrán seguir paso a paso la historia de una música que surgió de la nada y cambió la cultura americana para siempre.
Pero no todo han sido facilidades a la hora de poner en marcha este ambicioso proyecto. Muchos de los inversores privados cuestionaron su emplazamiento, ya que el museo queda muy alejado de las rutas turísticas y comerciales de la zona. Pero sus responsables tenían claro que la vida del músico y la historia del blues están arraigadas al Misisipí y que ningún otro lugar podía albergarlo. "Aquí es donde están mis raíces", explicó un sonriente B.B. King en la concurrida rueda de prensa. "Por este motivo cada año vuelvo a Indianola para dar un concierto benéfico y espero que el museo también contribuya a la educación de los chicos del Delta del Misisipí".
Este compromiso educativo y la voluntad de dar a conocer la leyenda del blues fueron los motivos que convencieron al famoso cantante y guitarrista para prestar su nombre y ceder parte de su patrimonio al proyecto.
Ahora que la popularidad de la música de raíces negras parece medirse por las ocurrentes rimas del hip-hop y el éxito de las nuevas divas del soul, es importante recordar que nada de esto sería posible si no hubiera sido por el fenómeno del blues en la primera mitad del siglo XX. Una música cruda y pasional que se convirtió en el sonido negro por excelencia en una sociedad rural, marcada por las tensiones raciales, y que encumbró el mito de la taberna, la guitarra y ese cruce de caminos en el que uno podía vender su alma al diablo por un puñado de buenos acordes.
B. B. King está considerado el rey del blues, pero el éxito y la fama nunca han eclipsado su carácter humilde, que le ha mantenido siempre cerca de sus orígenes. "El Delta del Misisipí ha sido como un guía para mí", reconoció el músico a los periodistas cuando le preguntaron sobre sus años de juventud. "Muchas veces he pensado que si tuviera que vivir de nuevo mi vida, no cambiaría nada excepto la experiencia de la segregación racial. Y puede que ahora también acabara el instituto y fuera a la universidad para estudiar informática".
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El museo de la remolacha de Alfambra (Teruel)
muestra los trabajos de siembra y recolección del cultivo en los años 60
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05/10/2008
Alfambra
El museo monográfico de la remolacha, del municipio turolense de Alfambra, muestra los trabajos de siembra y recolección de este cultivo tal y como se hacían en los años 60. El alcalde de la localidad, Amador Villamont, destacó que se trata de que "los jóvenes actuales tengan consciencia y recuerden cómo trabajan sus antepasados en tiempos difíciles".
El museo fue creado hace dos años y se encuentra a 26 kilómetros de Teruel, en la carretera Nacional 420. Está situado en el antiguo lavadero de la localidad, remodelado y convertido en un edificio modernista. Villamont explicó que la idea de crear un museo sobre la remolacha surgió porque la localidad "era la segunda productora de este cultivo, que aportaba la mayoría de ingresos al municipio".
Este monográfico sobre la remolacha, que pretende ser un "recuerdo a las prácticas del pasado", según el alcalde de Alfambra, cuenta con un salón de actos, en el que se proyecta un vídeo de 25 minutos sobre el cultivo, instalaciones de semillas, raíces y plantaros reales de remolacha, tal y como lo hacían los habitantes de la localidad en los años 60.
Además, tiene un fondo permanente de aperos, maquinaria y transporte relacionados con la remolacha, que fueron donados por los vecinos del pueblo, así como 3 pilas que recuerdan que el edificio, en el pasado, fue el lavadero municipal.
El alcalde de la localidad, en declaraciones a Europa Press, aseguró que el museo "no tiene muchas visitas", porque según el responsable municipal, "hay que darle una mayor publicidad".
Villamont explicó que el museo está situado en un punto turístico estratégico, entre el parque Diñó polis y el museo de las Cuencas Mineras, "por eso tenemos que conseguir que los autobuses paren en Alfambra y pasen unas horas".
El alcalde comentó que "con la musealización" de las pinturas del siglo XV, de la ermita de Santa Ana de la localidad, que se producirá en los próximos meses, "esperamos poder ofrecer un paquete turístico atractivo y darle la publicidad que se merece".
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Girona tendrá el cuarto CaixaForum en el 2010
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Imagen virtual del futuro
CaixaForum de Girona |
4/10/2008
Girona
La Fundació La Caixa prevé abrir otras instalaciones en Lleida y Tarragona
Tras el éxito de Palma de Mallorca, Barcelona y Madrid, el fenómeno CaixaForum ampliará su oferta con un nuevo centro en Girona. El equipamiento sociocultural abrirá las puertas a finales del 2010 en un local que la Fundació La Caixa posee en la calle poeta Marquina, y que hasta ahora ha desempeñado la función de casal para la tercera edad.
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El esplai para la gente mayor no desaparecerá, sino que se reubicará en unas nuevas instalaciones en la sala Girona, un centro de la entidad en el que se exhiben la mayoría de exposiciones. Jaume Lanaspa, director general de la fundación, destacó que los dos proyectos, con una inversión de 5 millones de euros, demuestran "la decidida apuesta por seguir avanzando en el ámbito cultural y social de Girona, en unos momentos de cierta incertidumbre económica".
El nuevo CaixaForum que se abrirá en Girona tendrá 1.400 metros cuadrados repartidos en dos plantas. Las instalaciones dispondrán de una sala de exposiciones de más de 300 metros cuadrados, un auditorio para unas 200 personas, un espacio para llevar a cabo talleres infantiles y otras salas accesorias.
Lanaspa afirmó que estas instalaciones permitirán ampliar y diversificar la oferta de la fundación en la ciudad, con un nuevo concepto propio del siglo XXI. "Será una plataforma coherente con las inquietudes sociales actuales, que potenciará el valor de la cultura como elemento de integración social", explicó. Al igual que sus hermanos de Barcelona, Palma y Madrid, el nuevo centro promoverá el conocimiento y el desarrollo personal de los usuarios de todas las edades a través de exposiciones, conciertos, ciclos de literatura y poesía, debates de actualidad, jornadas sociales, talleres educativos y familiares, y actividades dirigidas.
Visión global
"El concepto CaixaForum permite una visión global de los temas desde el punto de vista pedagógico, divulgativo e incluso lúdico en un solo centro. Eso facilita que puedan realizarse muchas actividades, algunas de ellas relacionadas con la ciencia y el medio ambiente, lo que no es habitual en un museo convencional", añadió el director general de la fundación.
Lanaspa avanzó que La Caixa tiene previsto realizar un proyecto similar en Lleida y Tarragona, aunque no concretó la fecha. "Se trata de ampliar el concepto histórico de centros culturales y generalizar a toda Catalunya esta experiencia exitosa que hace años iniciamos en Palma y Barcelona", agregó.
El delegado general de La Caixa en Girona, Rafael García, precisó que la reforma del local de la calle Poeta Marquina se iniciará a principios del 2009, año en el que se cumplirá el centenario de la presencia de La Caixa en la capital gerundense. Mientras duren los trabajos, la fundación repartirá su oferta cultural entre diferentes espacios de la ciuda, como la sala de exposiciones temporales del Museu d'Història.
Entre las actividades previstas para los próximos meses destaca una gran retrospectiva sobre Charles Chaplin, las obras monumentales de Manolo Valdés, los conciertos participativos de El Mesías y una muestra sobre los orígenes del hombre.
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Cultura compra 'La duquesa de Osuna' para el Museo Romántico
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Retrato familiar de la
Duquesa de Osuna |
03/10/2008
Madrid
El Ministerio de Cultura ha pagado 361.000 euros por el cuadro de Agustín Esteve Retrato familiar de la Duquesa de Osuna, que ayer salió a la venta en la subasta anual de arte español de la sala Christie's sin que ningún comprador privado se acercara a los 300.000 euros del precio mínimo estimado.
El cuadro, un gran lienzo (200x150 centímetros) pintado por Agustín Esteve y Marqués sobre 1796, ha sido adquirido para el Museo Romántico de Madrid, en la actualidad cerrado por obras de rehabilitación, según han informado fuentes del ministerio.
Cuando Christie's sacó ayer este lote a la venta lo hizo por 220.000 euros y lo declaró "invendido" al no recibir ninguna puja, sin embargo pocos minutos después anunció que el Estado, presente en la sala con varios asientos reservados, había ejercido su derecho de tanteo. La sala ha informado hoy de que el precio final que se pagará son 361.000 euros, lo que incluye la prima de comprador y el IVA, en torno a un 20-25% de la cifra de adjudicación, un montante que supone, eso sí, el récord mundial de venta para una obra de Esteve.
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El pintor, nacido en Valencia en 1753 y muerto a partir de 1820 sin que se sepa el lugar, hace en el cuadro, cuyo nombre completo es Retrato familiar de la Duquesa de Osuna como Dama de la Orden de Damas Nobles de la Reina María Luisa, una impecable composición sobre las tres edades de la mujer, un tema muy querido desde el Renacimiento. La calidad de ejecución de esta pintura, según Christie's, es tan excepcional que se puede considerar una de las obras cumbres dentro del trabajo de este maestro retratista, cuya fortuna crítica suele presentarle injustificadamente a la sombra de Goya.
Una venta de 5.575.450 euros
La subasta de ayer se saldó en 5.575.450 euros, un poco por debajo de los seis millones que la casa Christie's estimaba como mínimo de ventas, según datos facilitados antes de que comenzara la sesión pública. Precisamente, la otra "estrella" de la velada, La gata rosa de Hermenegildo Anglada-Camarasa, que se pensó que vendería entre 1.500.000 euros y 2.500.000 euros, se adjudicó tras concluir la sesión pública, a un postor particular que ofreció 1.375.000 euros. Anglada Camarasa (Barcelona, 1871-Pollensa, 1959) es el autor que tiene el récord de una obra vendida en España en subasta pública, lograda en 2006 con 3 millones de euros.
Christie's ofreció en catálogo 131 obras, de las que, según los datos facilitados hoy, se vendieron 70, sobre todo de arte contemporáneo para el que se han logrado diez récords mundiales de artistas españoles: Manolo Valdés, Pablo Palazuelo, Baltasar Lobo, Juan Uslé, Martín Chirino, Moisés Villèlia, Agustín Esteve, Susy Gómez, Daniel G.Verbis y Guillermo Pérez Villalta. El mejor resultado lo consiguió Manolo Valdés, del que se vendieron Matisse como pretexto, que tras impuestos y primas, sube a 505.000 euros; la escultura "Librería-Aparador", por la que se han pagado 181.000 euros; y "La infanta Margarita", adjudicada en 65.000.
Las ventas destacadas, aparte de La gata rosa, Matisse como pretexto, La duquesa de Osuna y Librería aparador, fueron Femmes aux boites de sardines, de Oscar Domínguez, (301.000 euros); Virtus Marin V, de Pablo Palazuelo (301.000 euros); y Grande jeune fille a genoux, de Baltasar Lobo (265.000 euros). Por importe le siguen Talls, de Miquel Barceló (217.000 euros); Nudo suelto, de Juan Uslé (193.000 euros); Personaje, de Manolo Millares (193.000 euros); y Dans une isle a 5 heures de l'aprés-midi, de Joan Miró (181.000 euros).
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Oda a la sandía en el Museo de las Ciencias
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Florida Sandía |
02/10/2008
Valencia
¿Sabían que la corteza de la sandía contiene un ácido que no produce el cuerpo humano y que al asimilarlo abre los vasos sanguíneos y mejora la circulación y el ritmo cardíaco?
Éste es el último descubrimiento en relación a los saludables efectos que tiene el consumo de esta fruta en el organismo humano, y ha sido presentado en el primer evento internacional monográfico sobre la sandía, que ha tenido lugar este jueves en el Museo de las Ciencias Príncipe Felipe de Valencia.
Una vez más, Valencia y España se convierten en referente de la agricultura europea y mundial, ya que a la cita han acudido ponentes de Estados Unidos, Sudáfrica, Hungría e Italia para debatir e instruir sobre los hábitos de consumo, el comercio internacional, las propiedades y las innovaciones en marketing de este producto de un intenso color rojo.
Una tonalidad que se debe a un pigmento natural llamado licopeno, que posee un poder antioxidante que ayuda a prevenir distintos tipos de cáncer, como los de páncreas, colon, pulmón y próstata.
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No acaban aquí los infinitos valores de un alimento cien por cien saludable que, además de beneficiar la vista, reforzar el sistema inmunológico y ejercer de escudo contra la ansiedad y el estrés, resulta que revitaliza y rejuvenece. Sí, sí, embellece la piel y el cabello, fortalece huesos y dientes y ayuda a adelgazar. Lo dicen los expertos, los muy muy 'sandieros'.
Con un 92% de agua y una buena dosis de vitaminas y minerales en el 8% restante, la sandía se presenta como el remedio a los quejidos físicos del ser humano.
Pero no descuidemos su potencial culinario. Gazpacho de sandía, ensaladas con sandía, sandías gratinadas y confitadas, en cóctel o sorbete... Ni se imaginan la de platos que se pueden preparar con este alimento básico en la cocina creativa.
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Un museo chileno muestra por primera vez una obra de Velázquez en Chile
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Retrato del rey Felipe IV
de Velázquez |
02/10/2008
Chile
Este retrato, propiedad del Museo del Prado y que por primera sale de España, es la pieza central de la exposición 'Velázquez en la obra de Bru y Cienfuegos', que analiza la influencia del pintor sevillano en los artistas plásticos chilenos contemporáneos.
La muestra es fruto de una investigación realizada por la doctora en Arte Claudia Campaña, profesora de la Pontificia Universidad Católica de Chile, quien también ha escrito un libro. 'Hace tres años que empecé a investigar las citas de Gonzalo Cienfuegos y Roser Bru y me pareció muy importante ver el referente, que en este caso es la obra original de Velázquez', dijo Campaña.
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Durante la inauguración de la exposición, el director del Museo de Bellas Artes, Milan Ivelic, y el embajador de España en Chile, José Antonio Martínez de Villarreal, resaltaron este miércoles la oportunidad de mostrar una obra original de Velázquez.
El retrato del rey Felipe IV es una de las obras más destacadas de Diego de Velázquez (1599-1660) y se cree que fue pintado en un periodo que va entre los años 1653 y 1657.
La obra pertenece a la colección permanente del Museo del Prado de Madrid, institución que por primera vez permite que este retrato salga de España para ser exhibido en Chile.
Para el Museo de Bellas Artes esta obra es un 'baluarte', por lo que han desplegado un gran sistema de resguardo en el lugar, con guardias de seguridad que cuidan la pintura día y noche y que están conectados directamente con Carabineros.
En la muestra participan los pintores nacionales Roser Bru y Gonzalo Cienfuegos, quienes presentan una selección de obras realizadas desde 1973 hasta el 2006, a partir de las observaciones de las pinturas de Velázquez y en especial de 'Las Meninas'.
En la sala Chile del museo, donde está la exposición, existe una reproducción de 'Las Meninas' enfrentada a las citas de los pintores chilenos, con lo que según la autora del libro y curadora de la muestra, 'el público podrá hacer lecturas cruzadas'.
Roser Bru, pintora y grabadora chilena de origen español y que ahora expone junto a Cienfuegos, salió de España a raíz de la Guerra Civil (1936-1939) y llegó a Chile en el legendario carguero 'Winnipeg', fletado por el poeta Pablo Neruda, que en esa época era cónsul en París.
Bru, Premio Nacional de Pintura en 1962, dijo a Efe que está 'muy agradecida al Museo del Prado por la oportunidad de tener una obra de Velázquez en Chile'.
'Velázquez es un gran pintor, es un tesoro que lo hayan traído aquí. Me parece estupendo que el Museo del Prado haya prestado por primera vez un cuadro a un país de Latinoamérica. Así todos seguiremos aprendiendo de él', señaló Roser Bru, esposa del también pintor español exiliado José Balmes.
Este sentimiento es compartido por Gonzalo Cienfuegos, pintor chileno que trabaja en sus obras la figura humana y que al igual que Bru ha recibido numerosos galardones a lo largo de su trayectoria artística.
'Me parece increíble que después de tantos años se ha resuelto esta exposición, porque ha costado hacerla. Me siento muy orgulloso de estar al lado de Velázquez y de Roser Bru', declaró Cienfuegos a Efe.
Las obras estarán en exposición hasta el 16 de noviembre, fecha en que la pintura del maestro del barroco volverá a su lugar de origen, el Museo del Prado.
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| El misterio del pueblo etrusco |
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02/10/2008
Madrid
Todavía hoy se sigue hablando del «enigma etrusco», la floreciente civilización que se desarrolló en Italia, entre finales de la Edad del Bronce (siglos X-IX a.C.) y el siglo I a.C., cuando se produjo su definitivo sometimiento a Roma. Sus peculiaridades etnográficas y lingüísticas, así como religiosas, políticas y culturales, que se muestran en parte en esta exposición organizada por la Obra Social de «La Caixa» en Caixaforum (Paseo del Prado, 36), les confirman como un pueblo diferente de los demás de la Italia antigua.
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Los orígenes
Las dudas sobre su procedencia ya asaltaban en la Antigüedad al historiador griego Herodoto, quien afirmaba que era un pueblo que había emigrado desde Asia Menor y se había establecido en la Toscana. El misterio continuó en la época del emperador Augusto, Dionisio de Halicarnasó, quien sostenía la idea que se trataba de habitantes autóctonos, y no se ha solucionado en nuestros días.
En la actualidad, la «cuestión etrusca» sigue abierta. Su procedencia y el origen de su lengua, así como su extraordinario desarrollo cultural han sido siempre una incógnita. Pese a todo, los numerosos estudios realizados en los últimos años han permitido conocer un poco mejor este pueblo, y son los que quedan recogidos en la muestra que se podrá contemplar desde hoy y hasta el 18 de enero de 2009 en CaixaForum Madrid.
La exposición, llamada «Príncipes Etruscos. Entre Oriente y Occidente», reúne una colección de 170 obras procedentes del Museo del Louvre, el Museo Gregoriano Etrusco de la Ciudad del Vaticano, los Museos Capitolinos y el Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia de Roma, entre otros.
Todas las piezas expuestas en Caixaforum, sarcófagos, joyas, vasijas, y tronos, dan una idea de la riqueza y del poder de los etruscos, «extendida por mar y tierra», según recuerda la comisaria de la muestra Anna Mura Sommella. Su poder estuvo determinado al parecer por la explotación de tierras muy fértiles y por la presencia en su territorio de prósperos yacimientos mineros, además de por su intensa actividad comercial.
De hecho, la precocidad de los contactos y los intercambios de los etruscos con el mundo griego y grecooriental fue básico para su desarrollo económico, sino también para el cultural. En efecto, la llegada de refinados productos de importación y la consiguiente asimilación de usos y costumbres de pueblos que ya habían alcanzado un alto grado de civilización propiciaron el rápido desarrollo etrusco.
El nacimiento de la aristocracia
Tanto es así, que este pueblo tuvo ya desde el siglo VIII a.C. un ordenamiento de la sociedad basado en la diferenciación económica. El triunfo de una elite aristocrática, en cuyas manos se concentraba el poder político y religioso, tiene su origen en las riquezas acumuladas gracias a la posesión de la tierra, el control de dichos yacimientos mineros y el monopolio de los intercambios culturales. En esta nueva estructura social se consolidó el papel paritario de las mujeres de alto rango, que se reservaban las labores de hilado y tejido y la custodia de las riquezas y los bienes acumulados.
La época de los príncipes
Entre la segunda mitad del siglo VIII y principios del IV a.C. el periodo llamado «orientalizante», nace y se consolida el poder de los príncipes. El aprovechamiento cada vez más «moderno» y eficiente de sus yacimientos atraería a griegos y fenicios, interesados en establecer contactos e intercambios entre el mundo oriental y el occidental. Por medio de las relaciones comerciales llegan a Etruria los estilos y las costumbres de la fastuosa y refinada vida de las cortes orientales, pronto asimilados por las clases aristocráticas. Los príncipes etruscos consumen vino como los griegos y exhiben objetos de prestigio, especialmente valiosos, para hacer ostentación de su riqueza.
Estos príncipes guerreros, conocidos sobre todo por la documentación que nos ofrecen sus tumbas y ajuares funerarios, dejaron amplios testimonios de su poder en singulares objetos de bronce y otros materiales preciosos que podemos observar en la muestra presentada en CaixaForum: tronos, carros y arreos de caballo, calderos, y copas de producción fenicia, griega y etrusca, elaborados en oro, plata, cerámica pintada -la característica cerámica negra etrusca-.
De esta época podemos observar también la orfebrería de oro, con bellísimos apliques, y documentación que atestigua el conocimiento de la escritura entre las capas sociales más altas, como abecedarios y las inscripciones de dedicatoria o de posesión grabadas en recipientes de búcaro o marfil.
De entre finales del siglo VII y principios del VI a.C., vemos durante el recorrido de la exposición la evolución de la arquitectura, adecuada a las necesidades de las nuevas clases sociales que iban surgiendo al hilo de su gran desarrollo económico, pero también artículos del uso cotidiano, como espejos, candelabros y braseros conservados intactos y con los nombres de sus propietarios inscritos. También podemos ver la importancia que le daban al culto a la muerte y a la creencia de que el difunto subsistía gracias a que en las tumbas había todo lo necesario para «habitar» en ellas.
Recorrido de la muestra
El recorrido de la colección se articula en tres grandes sectores: el periodo de formación, representado por dos tumbas con ajuares significativos, pertenecientes a un guerrero y a una dama de alto rango, que reciben al visitante (en la imagen superior).
Continúa la muestra con la afirmación de una sociedad dominada por familias principescas particularmente ricas, que habiendo incorporado los usos y costumbres del mundo griego y grecooriental dejaron amplios testimonios de su poder y su riqueza, expresados en preciosos objetos de bronce y de materiales preciosos, entre los que se encuentra un curioso rallador de queso.
La última parte está dedicada al desarrollo de la civilización urbana, evidenciando los aspectos relativos a la arquitectura sacra, la producción artística, la religión, la vida cotidiana y los usos funerarios.
La colección nos despide con una selección de gran impacto visual, como los grandes frisos pintados de Tarquinia, la decoración arquitectónica realizada para un importante templo de Roma durante el dominio de los reyes etruscos, espléndidos sarcófagos y objetos de producción etrusca o de importación griega relativos al ámbito público o privado.
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El Museo del Queso de Casar de Cáceres
acoge una muestra de Andrés Talavero |
Museo del Queso
de Casar de Cáceres |
01/10/2008
Cáceres
El Museo del Queso y la Casa de los Pinotes de Casar de Cáceres acogerán la exposición '101 ciudades-101 montañas', del artista casareño Andrés Talavero, quien considera esta muestra como un paso más en sus trabajos sobre "el pueblo, sus costumbres, los casareños, la arquitectura, la naturaleza y la meditación del paisaje"
En rueda de prensa en la Diputación Provincial, el alcalde de Casar de Cáceres, Florencio Rincón, y la concejala de Cultura, Eva Núñez, resaltaron la "importancia" de esta muestra de Talavero, que permanecerá abierta al público hasta el 25 de octubre y en la que se mezclan fotografía, pintura, escultura y otros formatos.
Talavero, presente en el acto informativo, precisó que se trata de obras realizadas con el sistema "instalación-intervención" hasta lograr mostrar los "latidos de un mostruo" urbano presentes en "siete ciudades imaginarias, futuristas, en volumen, en miniatura", que no son más que "otra Nueva York, otra Shanghai y otro Casar también, lleno ya de grúas y de antenas parabólicas. Un pueblo que crece y también se pierde".
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Así, esta vez Talavero llega cargado de asfalto, laberintos, rascacielos, escaleras y estruendosas sirenas, o como él mismo lo resume: "muestro las ciudades con un animal que las recorre y que acaba inundando y acosando esa ciudad".
HOMBRE Y NATURALEZA
Talavero, de origen casareño, nació en Cáceres en 1967 y se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en las especialidades de Pintura y Escultura. Sus trabajos de los últimos años se inspiran y giran en torno a la naturaleza y en la relación del hombre con ella. Entre sus obras destacan 'Mariposas', 'Amantes', 'Diario del sueño', 'Serpientes', 'Camino', '1000 Pájaros', 'Rosetón' y 'Hormigas'.'101 ciudades -101 montañas' podrá visitarse en el Museo del Queso del 4 al 25 de octubre en horario de mañana y tardes (sábados sólo mañana) y en la Casa de los Pinotes los días 4, 5, 11 y 18 de octubre.
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El Museo de Teruel inaugura una exposición
con obras del pintor José Manuel Broto
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Museo de Teruel |
01/10/2008
Teruel
El Museo de Teruel inaugura mañana, jueves 2 de octubre a las 20.00 horas, la exposición "Broto. Fragor de luz" que recoge una selección de 13 obras de gran formato, realizadas en acrílico sobre lienzo, que ofrecen una síntesis de la labor artística desarrollada por el pintor aragonés José Manuel Broto durante la última década.
Se trata de un periodo en el que Broto ha desarrollado y consolidado un "complejo y apasionante proceso creativo" que se caracteriza por el uso de programas informáticos como herramienta básica para elaborar pinturas, informan desde la Diputación de Teruel en un comunicado. La muestra se completa con un espacio dedicado a la proyección de los audiovisuales creados por Broto y el compositor contemporáneo José Manuel López y López.
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Obras que integran imágenes de la pintura de Broto y composiciones musicales de López, como un testimonio específico y muy representativo de las diversas colaboraciones que han llevado a cabo ambos artistas a lo largo de los últimos años.
La exposición "Broto. Fragor de luz" ha sido organizada por el Museo de Teruel, con la colaboración del Ayuntamiento de Alcañiz. Tras exhibirse del 2 de octubre al 9 de noviembre en las salas de exposiciones temporales del Museo turolense se trasladará a Alcañiz, donde podrá visitarse en la sala de exposiciones de su Ayuntamiento, de 21 de noviembre al 14 de diciembre.
José Manuel Broto (Zaragoza, 1949) es uno de los artistas aragoneses de mayor proyección y prestigio nacional e internacional. Cuenta en su haber con importantes reconocimientos, como el Premio Nacional de Artes Plásticas o el Premio Aragón Goya de Grabado y ha realizado un amplio exposiciones individuales y colectivas.
Obras suyas forman parte de las colecciones de los más significativos centros museísticos como el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Kampo Collection de Tokio, Dove Collection de Zurich, Chasse Manhattan Bank de Nueva York, Museo Nacional Centro Reina Sofía de Madrid, MACBA de Barcelona, IVAM de Valencia, Fundación "La Caixa" de Barcelona, Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, CAAM de Las Palmas de Gran Canaria, Cortes de Aragón y la Fundación Juan March de Madrid, entre otros museos.
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