El Mundo de los Museos en Junio
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«Judith y Holofernes» en el Museo Thyssen
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30/06/2009
Madrid
El Museo Thyssen recibe el cuadro «Judith y Holofernes» de Artemisia Gentileschi, una de las artistas italianas más famosas de la primera mitad del siglo XVII. El lienzo llega con el patocinio de Enel y la colaboración de la embajada de Italia y ediciones Alfabia, que presentará mañana en el Thyssen la biografía novelada de Artemisia, escrita por la autora francesa Anna Banti y traducida por la eurodiputada Carmen Romero.
El cuadro «Judith y Holofernes», realizado entre 1612-1613, es una de las obras más importantes de la artista y podrá verse en las salas del Museo Thyssen-Bornemisza hasta el próximo 2 de agosto. El Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid retoma así este verano su programa de intercambios con esta obra procedente del Museo Nazionale di Capodimonte en Nápoles (Italia). El cuadro se ha instalado junto a los lienzos del barroco italiano que forman parte de la Colección Permanente del Museo, en la Galería Villahermosa.
Mujeres heroicas
Artemisia Gentileschi (Roma, 1593 - Nápoles, 1652/53) se inició en la pintura gracias a su padre, el también pintor Orazio Gentileschi, y desarrolló un estilo propio, marcado por la precisión de los detalles y la calidad de la materia. La obra expuesta ahora en el Museo Thyssen-Bornemisza se ha fechado en su etapa de juventud, hacia 1612-1613, una época turbulenta que marcó el resto de su vida. Artemisia se valió entonces de la pintura para plasmar sus emociones y sentimientos, representando heroicas mujeres, como la Judit de este lienzo, con solidez y fortaleza.
«Judit y Holofernes» ilustra un pasaje del Antiguo Testamento, Judit 13, 7-8, en el momento de mayor crueldad y dramatismo de la historia, cuando Judit, con firmeza y determinación, hunde en la garganta del general asirio Holofernes la hoja de su propia espada. Artemisia, además, refuerza la violenta acción sin escatimar referencias, como la sábana ensangrentada o la mirada agónica del asirio.
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La ampliación del Museo Nacional de Arte Romano terminará en 2011
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29/06/2009
Mérida
Otoño de 2011. Esa es la fecha en la que la ampliación del Museo Nacional de Arte Romano podría estar totalmente concluida. Al menos, es lo que afirma su artífice, Rafael Moneo, aunque no quiere que sus palabras sean tomadas como un compromiso.
 El arquitecto, que ayer visitó las instalaciones de una de sus creaciones más importantes junto a la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, y otras autoridades regionales, explica que el proyecto se redactará «rápidamente, pues está maduro y llevamos ya tiempo trabajando en él». Antes de finales de año estará entregado dicho proyecto. Después, las obras saldrán inmediatamente a concurso y, otoño de 2011, podría ser la fecha en la que el edificio estuviese completamente terminado.
No por esperada, esta ampliación es menos importante. Cuando se construyó el Museo se finalizaba la construcción de 12 viviendas en las esquina del edificio. Hubo, entonces, que levantar el Museo actual englobando este espacio. Por eso, siempre se pensó que, la primera ampliación del mismo implicaba prescindir de esas casas. «La ampliación se produce desde el nivel más bajo del Museo y se remodelarán algunas de las áreas, por lo que yo creo que se hará notar. Y no porque se añadan nuevos espacios expositivos, pero sí porque se dotará al edificio de salas de exposiciones temporales, con accesos directos, que dará lugar a no tener que desmontar las colecciones. También se mejorarán, sustancialmente, los servicios de videoteca, dotándola de más puestos de lectura.
Asimismo, se ha proyectado un aula- auditorio con una capacidad para unas 240 personas, que permita traducción simultánea, la celebración de simposium y seminarios y la mejora de los servicios para los conservadores y académicos del Museo».
Moneo asegura que no tenía ninguna duda de que ese espacio, que estaba en una de las esquinas del Museo fuese, antes o después, parte del mismo. «No se trata de una ampliación extraordinaria, pues hablamos de 300 metros cuadrados, pero sí de una mejora sustancial para los servicios académicos. Mejorarán su uso y colmará las necesidades que solicita ahora la dirección y que no tiene. Además, esa superficie permitirá redondear y cuadrar lo que era la ampliación natural».
Mejora académica
En su opinión, esta reestructuración hará más fácil la vida de la videoteca, permitirá disponer de una sala de exposiciones temporales y mejorará algunos de los servicios de restauración que utilizan los conservadores. Se reformarán también las taquillas, la tienda, pero sin cambiar la estructura básica del edificio. «Trataremos de hacerlo para que no se desvirtúe la personalidad y el carácter que el Museo tiene, haciendo una soldadura lo más simple y directa posible. Por eso, intentaremos mantener, íntegramente, lo que ahora es el edificio. Esto da sentido a que yo sea el que me ocupe de este trabajo. La escala del Museo va a ser la misma pero con un mejor uso. El Museo no va a cambiar, o por lo menos, a mí me gustaría que no cambiase».
Ahora, casi la cuestión más importante que Moneo tiene que resolver hasta que se presente el proyecto, es saber si el edificio adyacente se hace con el mismo ladrillo o con un toscado más modesto que el que se ve en la actualidad. Eso habrá que decidirlo.
Como creador de la criatura, Moneo manifiesta que le da mucha satisfacción vivir el Museo con tanta intensidad, ayudar a entender a la gente lo que ha sido esta ciudad y hacer saber apreciar cuánto le debemos todos a la cultura romana, en el marco de una arquitectura que propicia este encuentro con lo romano. «Por eso, para mí es siempre motivo de satisfacción y un gusto venir por Mérida».
La ministra de Cultura, Ángeles González- Sinde calificó la ampliación del Museo como «algo maravilloso, no sólo para la ciudad, sino también para todos sus visitantes. Este espacio tiene esta particularidad. No es sólo un lugar de exhibición, también lo es de investigación, un sitio donde se reúnen periódicamente expertos de todo el mundo. Tiene una gran vida, una gran importancia internacional y hay que ampliar todos los servicios que tienen que ver con estos aspectos. Es un proyecto que hay que apoyar mucho y por eso esperamos que la obra vaya a buen ritmo».
No supo exactamente decir que plazos de comienzo y ejecución tiene esta ampliación. Fue el arquitecto Moneo, quien ofreció la fecha aproximada. Asimismo, la ministra anunció que, tras su encuentro con el presidente de la Junta, Guillermo Fernández Vara, se muestra predispuesta a acoger todas las iniciativas culturales que se hagan desde Extremadura «dentro del contexto actual, en el que hay recortes presupuestarios, aunque hay proyectos prioritarios como éste del Museo, que no se pueden obviar».
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Museo Estatal de Bellas Artes de Tbilisi
expone por primera vez 40 obras de Picasso
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28/06/2009
Tbilisi
El Museo Estatal de Bellas Artes de Tbilisi acoge desde hoy la primera exposición de Picasso en la capital georgiana, que incluye un total de 40 litografías, aguafuertes y linóleos del artista malagueño.
La muestra estará abierta al público hasta el próximo 2 de agosto, tras lo cual será expuesta en Batumi, a 400 kilómetros al oeste de la capital georgiana, del 8 de ese mismo mes al 8 de septiembre.
Unas 17.000 personas ya pudieron contemplar estas obras en el Museo de Historia de Signaji, a 115 kilómetros de Tiflis, donde fueron exhibidas durante un mes antes de llegar a la capital georgiana.
A la inauguración en Signaji de la exposición, que en poco más de tres meses se habrá visto en tres ciudades georgianas, asistió el presidente de Georgia, Mijaíl Saakashvili.
El jefe del Estado recordó entonces la primera vez que vio la obra del artista malagueño y precisó que para ello tuvo que viajar a Moscú.
Las 40 obras exhibidas en esta exposición, organizada por la embajada de Francia, pertenecen a la colección del museo Christian Zervos en la ciudad francesa de Vézelay. De ellas, 34 linóleos datan del año 1962 y tres litografías y aguafuertes de los años 30.
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Museo de Transporte de Suiza en Lucerna celebra su 50 aniversario
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27/06/2009
Lucerna
El museo más popular de Suiza, que actualmente atrae a más de 820.000 visitantes cada año, está celebrando su 50 aniversario. Gracias al proyecto de inversión "VHS 2009", que cuenta con una cobertura aproximada de unos 50 millones de francos suizos, la administración del Museo de Transporte de Suiza ha lanzado y finalizado lo que piensa será un nuevo edificio revolucionario y que servirá para disfrutar de un programa de mejora de atracción, con un impacto a largo plazo en las premisas y contenidos del museo.
El 27 de junio de 2009, fecha del 50 cumpleaños del Museo de Transporte de Suiza, el nuevo Road Transport Hall de dos plantas con su espectacular tienda de exposición, un cine interactivo para automóviles y las emocionantes islas temáticas, se abrirá oficialmente al público. Al mismo tiempo, se abrirá la zona multifuncional al aire libre dispondrá de una zona de formación sobre tráfico para niños, además de un edificio de circulación y un nuevo centro de documentales con una biblioteca de archivos y referencias. Y por supuesto, se celebrará como debe el día del aniversario. Estas son sólo algunas de las atracciones más emocionantes y eventos que esperan a los visitantes del Museo de Transporte de Suiza en su año de aniversario.
 Desde el mes de noviembre de 2008, los visitantes e invitados han visitado el museo desde la nueva entrada al edificio FutureCom, que cuenta con una fachada de detención visual en la que se muestran unas 5.000 ruedas. FutureCom ofrece también una nueva experiencia de marca: La muestra de comunicación de Media Factory, dos nuevos restaurantes, la tienda del museo y un centro de conferencias de última generación.
Abierto para los descubridores: Más de 3.000 muestras en unos 20.000 metros cuadrados de espacio de museo testifican una historia que se está, literalmente, moviendo, señalando los retos del futuro en los sectores del transporte, movilidad y comunicación. El Museo del Transporte de Suiza es una auténtica experiencia que deberá conocerse en su plena diversidad, una emocionante guía para llevar a cabo el desarrollo del transporte y la movilidad por carretera, por ferrocarril, por mar, por aire y por el espacio, y en los mundos de la comunicación moderna.
Las atracciones son únicas en Suiza - como el IMAX Theatre, el Planetarium, Swissarena y el Gotthard Tunnel Show, el Hans Erni Art Museum y mucho más - haciendo que la visita al Museo de Transporte de Suiza sea una experiencia emocionante y memorable.
El Museo de Transporte de Suiza es un auténtico paraíso para los descubridores, que debe conocerse en toda su fascinante diversidad - los 365 días del año.
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Un centenar de joyas de "Der Blaue Reiter",
en el Museo Frieder Burda de Baden-Baden
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26/06/2009
Berlín
El Museo Frieder Burda de Baden-Baden (sur de Alemania) abre mañana al público una exposición consagrada al arte pictórico del grupo "Der Blaue Reiter" -"El jinete azul"-, con un centenar de obras de artistas como Vasily Kandinsky, Franz Marc, Gabriele Münters y August Macke. La exposición, que podrá visitarse hasta el 11 de octubre, se compone de obras cedidas por la muniquesa Colección Lenbachhaus, actualmente sumida en un proceso de reforma de su sede, con diseño del arquitecto británico Norman Foster, que culminará en 2012.
Entre las obras del grupo expresionista, Baden-Baden mostrará "Caballo Azul 1" de Franz Marc, "Meditation" de Alexej von Jawlenskys y "Promenade" de August Macke. La exhibición incluye la obra "Retrato del bailarín Alexander Sacharoff" de Alexej von Jawlensky, que hace años que no era prestado a otros museos, dada la fragilidad del lienzo.
El Museo Frieder Burda no sólo busca retratar las principales tendencias del grupo artístico, que alcanzó su punto álgido en el cambio del siglo XIX al XX, sino también reflejar la amistad y las influencias mutuas de sus artistas, explicó hoy el museo.
"Es la mayor cesión de obras de 'El Jinete Azul' que hemos hecho nunca", señaló el director de la Colección Lenbachhaus, Helmut Friedel.
La muestra se complementa con una serie de sesenta fotografías en blanco y negro captadas por Münter durante su matrimonio con Vasily Kandinsky que muestran imágenes de la pareja en sus viajes a Túnez e Italia y momentos de la vida privada de ambos.
La exposición reúne numerosos retratos que los miembros de "Der Blaue Reiter" pintaban los unos de los otros así como paisajes de Murnau (sur de Alemania), donde mucho de ellos crearon algunas de sus obras más representativas.
En conjunto, las obras confieren a la exposición un tono narrativo que dice mucho de las relaciones tan personales entre los artistas y que permite conocerlos no sólo como pintores sino como personas privadas, apuntaron responsables del museo.
Para Friedel, las figuras de "Der Blaue Reiter" "amaban" pintar al aire libre, lo que se plasmó en el colorido y en el tema de sus cuadros, que en repetidas ocasiones tuvieron a fauna y flora como motivos pictóricos.
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El Museo Guggenheim de Bilbao muestra las colecciones
que dieron origen al Museo de Nueva York
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25/06/2009
Bilbao
El Museo Guggenheim de Bilbao acoge, hasta el 10 de enero de 2010, la exposición "De lo privado a lo público: las colecciones Guggenheim", que muestra lo más destacado de las seis colecciones privadas que dieron origen al museo público neoyorquino del mismo nombre.
A la selección de obras de arte de estas seis colecciones fundacionales del museo neoyorquino se ha unido, para esta exposición, la de una treintena de piezas de las donadas en 2001 a la Fundación Solomon Guggenheim por la Fundación Bohen, de la familia norteamericana del mismo apellido.
 En total, el museo bilbaíno mostrará más de un centenar de cuadros, esculturas, fotografías y vídeocreaciones, propiedad del magnate norteamericano Solomon Guggenheim, los galeristas Justin K.
Thannhauser y Karl Nierendorf, la artista europea y directora del primer Museo Guggenheim de Nueva York Hilla Rebay, Peggy Guggenheim (sobrina del fundador), la mecenas del arte Katherine S. Dreier y la ya citada Fundación Bohen.
Todas estas obras, agrupadas en las salas clásicas de la tercera planta del museo bilbaíno con criterio cronológico, reflejan también la evolución del arte moderno y contemporáneo en el siglo XX y principios del XXI, y de la colección permanente de la Fundación Solomon R.Guggenheim.
En algunos casos, según ha advertido la comisaria de la muestra, Tracey Bashkoff, en la conferencia de prensa en la que ha presentado la exposición, la propiedad de las obras se solapa, ya que primero pertenecieron a los galeristas Thannhauser y Nierendorf, quienes se las vendieron a Dreier o Solomon Guggenheim.
Bashkoff ha destacado que, aunque todos estos coleccionistas tenían gustos artísticos muy distintos, les unía su carácter visionario, ya que todos ellos se centraban en comprar lo que llamaban "el arte del mañana"; es decir, obras de autores que todavía no habían despuntado en sus carreras pero a los que les auguraban un gran futuro.
Los visitantes del Guggenheim bilbaíno podrán ver obras destacadas de autores relevantes del arte no objetivo o abstracto como Kandinsky, Picasso, Juan Gris, Mondrian, Leger, Metzinger y Delaunay.
Junto a ellos, se exhiben piezas de destacados autores impresionistas franceses y europeos como Cézanne, Gauguin, Manet, Van Gogh, Seurat, Modigliani y el "Violinista" de cabeza verde, de Marc Chagall, que el fundador del Museo Guggenheim tenía en su ático personal en el Hotel Plaza, de Nueva York.
Además de estas obras, se muestran obras de autores expresionistas alemanes, uno de los primeros 'móviles' de Alexander Calder y dos cuadros tempranos de Jackson Pollok, comprados antes de que adquiriera relevancia artística por la sobrina del fundador, Peggy Guggenheim, su gran protectora.
La muestra se cierra con trabajos recientes (de la década de los 90 del pasado siglo) procedentes de la donación de la Fundación Bohen, de artistas contemporáneos y todavía vivos como Sophie Calle, Jac Leiner, Hiroshi Suguimoto y Jane y Louise Wilson, entre otros.
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Museo de Teruel inaugura una exposición
con obras del Premio de Cerámica Contemporánea 'Cerco 2009'
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24/06/2009
Teruel
El Museo de Teruel inaugura una exposición que contiene las obras galardonadas y seleccionadas para el Premio Internacional de Cerámica Contemporánea 'Cerco 2009', al que se presentaron trabajos realizados por 171 creadores procedentes de 21 países.
'Cerco 2009' ofrece una mirada plural sobre la actual cerámica creativa no sólo española sino de otros lugares y culturas. Buena prueba de ello es el dato de que las 28 obras expuestas pertenezcan a artistas de nueve naciones tan dispares geográficamente como: España, Alemania, Bélgica, China, Francia, Gran Bretaña, Italia, Japón y Estados Unidos. La exposición permanecerá en las salas del Museo de Teruel hasta el próximo día 26 de julio.
 Respecto al fallo del jurado que ha concedido las distinciones de esta novena edición del Premio Internacional de Cerámica Contemporánea, han recaído en los siguientes ceramistas: Primer premio, dotado con 6.000 euros, a la obra 'Objet nº 30', de Kamila Szcezsna (Wroclaw, Polonia, 1974); accésit, dotado con 4.000 euros, a la obra 'Slip Cast Vessel', de James Robson (Loughborough, Gran Bretaña, 1983), y mención honorífica del jurado a la obra 'El entorno', de Víctor Manuel Ares (A Coruña, España, 1967).
Entre los ceramistas seleccionados en la actual edición se encuentra el turolense Fernando Torrent. Este reconocido creador, de formación autodidacta, siempre ha investigado las posibilidades plásticas de la cerámica y participa con una obra, titulada 'Epigrafía', realizada en pasta de papel con porcelana y porcelana.
El Premio Internacional de Cerámica Creativa es una iniciativa cultural surgida en 2001 y promovida por la Asociación Profesional de Artesanos de Aragón. Su financiación, organización y desarrollo viene contando con la colaboración de Diputaciones Provinciales de Teruel y Zaragoza, Departamento de Industria, Comercio y Turismo del Gobierno de Aragón y Ayuntamiento de Zaragoza.
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El Museo Nacional de Arqueología Subacuática ARQUA
se lanza a buscar ocho mil pecios
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23/06/2009
Cartagena
Expertos del Museo Nacional de Arqueología Subacuática (Arqua) de Cartagena participan en la elaboración del nuevo mapa de los fondos marinos con el que se pretenden localizar y catalogar los más de ocho mil pecios que hay hundidos en nuestra costa. Un estudio de la Armada desvela que estos pecios podrían ocultar más de cien mil millones de euros en oro y plata, según publica la revista especializada Atenea.
El director del Museo Nacional de Arqueología Subacuática, Rafael Azuar, no quiso pronunciarse sobre el valor de los tesoros que se hallen en los buques hundidos "porque lo que realmente nos interesa es recuperar la memoria de un pueblo y su pasado, eso no se puede cuantificar".
 La Armada también colabora, al igual que el Arqua, con el ministerio de Cultura en la elaboración de este mapa, que forma parte del Plan Nacional de Arqueología Subacuática. "La voluntad de la Armada es contribuir y ayudarnos en todo lo necesario. Ellos pondrán los buques y su experiencia a nuestro servicio, pero las catas las llevaremos a cabo los centros de investigación y los investigadores", precisó Rafael Azuar.
La mayoría de los tesoros que ocultan estos buques, en los que hay más de dos mil toneladas de oro hundidas, según la revista Atenea, forman parte de cargamentos que se dirigían a España procedentes de las colonias americanas. De estos tesoros se tiene constancia gracias a los denominados 'manifiestos de carga', que se conservan en los archivos históricos, según la revista especializada Atenea.
En los fondos marinos españoles hay más de tres mil buques, en su mayoría de la Armada, que se hundieron entre los siglos XVI y XIX. "A estos habría que sumarles los de época romana, medieval y demás, con lo que en total debe de haber cerca de ocho mil pecios", aseguró Azuar.
La mayoría de estos buques se han localizado en el Mar Mediterráneo, del que hay muchas más información que del Océano Atlántico y del Mar Cantábrico. De hecho, otro de los objetivos de este mapa de los fondos marinos es actualizar toda la información existente en la actualidad. "Hay grandes desequilibrios entre unas zonas y otras porque de nuestra costa mediterránea se sabe mucho, mientras que del Atlántico y del Cantábrico tenemos muy poca información", destacó Azuar.
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El Museo Thyssen se abre a las redes sociales
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22/06/2009
Madrid
El Museo Thyssen-Bornemisza ha presentado hoy su nueva web en la que ofrece no sólo un cambio de imagen y un mayor contenido, sino también un especial interés en las redes sociales de Internet y en dar la palabra a los internautas como sujetos activos para la interacción con este centro de arte.
"Es un elemento, dentro de la política general del museo, que tiene que repercutir en el número de visitantes", ha señalado Guillermo Solana, director artístico del Thyssen, durante la presentación hoy de la nueva web (www.museothyssen.org).
En un acto donde estuvo acompañado por Javier Espadas, jefe del departamento tecnológico del museo; y Guillermo Miranda, responsable de la web y de los nuevos medios de este centro de arte.
Una página en la que han trabajado a lo largo de 2008 y 2009 y que viene a sustituir a la que estaba vigente desde 2005, y que es el fruto de un minucioso estudio de las webs de los museos más importantes del mundo y de datos relevantes como el que en España existen ya 13 millones de usuarios de las redes sociales.
 Los 100 millones de blogs o los 1.600 millones de internautas en el mundo; el hecho de que Faceboock y Youtube hayan entrado en el top 10 de visitas de internet y que Twitter reciba 9 millones de visitas al mes y crezca a un ritmo del 131 por ciento "dejan claro que lo más importante son los usuarios, lo que ellos quieren aportar contando", apunta Javier Espadas.
Por eso "es en este entorno donde se sitúa esta web en la red", añade Espadas, quien explica que cada trabajador del museo tendrá su perfil profesional en Faceboock y que el museo contará con su propio blog, "algo que el Metropolitan o el MoMa ya están haciendo".
La nueva web del museo Thyssen-Bornemisza es "de acceso universal", señala Guillermo Miranda, quien señala que así se garantiza que sea una fuente para la integración de todas las personas con igualdad de oportunidades en el acceso a la información.
Como lugar de información, la nueva web renueva los contenidos multimedia en diversos formatos como es el caso de la colección a través del "Mapa del tiempo", donde se compendian ocho siglos de la historia del arte, cada uno de ellos con sus décadas y éstas divididas por años. Y así, cada punto de ese mapa corresponde a una fecha concreta.
Otro apartado interesante es el de los contenidos relacionados, donde el usuario podrá partir de una obra o un pintor para encontrar información y datos que guarden relación.
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La Galería Nacional de Arte inaugura una exposición
de la pintora holandesa del siglo XVII Judith Leyster
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21/06/2009
Washington
La Galería Nacional de Arte inaugura una exposición de la pintora holandesa del siglo XVII Judith Leyster, que coincide con el cuarto centenario del nacimiento de la artista, considerada una de las pioneras del arte femenino.
La muestra cuenta con 10 de los 20 cuadros de Leyster, quien pese a su exigua colección logró hacerse un lugar destacado en la historia del arte.
La Galería Nacional, ubicada en el parque central de Washington, exhibe además otras veinte piezas de artistas contemporáneos de Leyster, entre ellos el que se cree que fue su maestro Frans Hal y su marido Jan Miense Molenaer.
Arthur Wheelock, comisario de la exposición, cree que el trabajo de Leyster ha logrado sobrevivir el paso de los siglos porque la pintora fue 'extraordinaria' en lo que hizo.
 'Era muy buena en lo que hacía', dijo Wheelock, quien señaló que Leyster consiguió insuflar vida a sus figuras, así como dotar de un sentido dramático a sus composiciones, lo que convierte sus obras en 'muy especiales'.
Un tema recurrente en sus pinturas es la relación entre hombre y mujer, así como la atracción de unas figuras hacia otras. En opinión del comisario de la exposición, 'otra cosa que realmente ella captura muy bien es la alegría y el entusiasmo de la música'.
'Hay una especie de libertad y alegría en lo que hace', concluye Wheelock.
Nacida el 28 de julio de 1609 en el seno de una familia acomodada, Leyster fue una de las tan sólo dos mujeres que se registraron como miembros del gremio de artistas de Harleem, su ciudad natal, en el siglo XVII. Su pertenencia al gremio le dio un nombre entre los artistas de la época y le permitió abrir su propio taller.
La artista, que se cree produjo alrededor de 35 cuadros, de los que están localizados sólo 20, vendió gran parte de sus obras en mercados al aire libre, subastas y ferias. Su trayectoria artística se frenó tras su matrimonio con Molenaer en 1636, tras lo que pasó a concentrarse en la vida familiar y el cuidado de sus cinco hijos.
En la actualidad sólo se conservan dos cuadros posteriores a esa fecha, aunque se sabe que pintó varias naturalezas muertas que no han podido ser localizadas.
Pese a ser una artista conocida en su época, su obra cayó prácticamente en el olvido tras su muerte en el año 1660. A finales del siglo XIX, muchas de sus obras aparecían como anónimas o bien atribuidas a otros artistas, puede en parte porque ella firmaba tan solo con sus iniciales: JL y una pequeña estrella.
Esa estrella fue crucial para que los coleccionistas identificaran sus obras, entre las que destaca su autorretrato, propiedad de la Galería Nacional, una composición que refleja su talento en dos áreas: los retratos y las escenas de género. En el cuadro, la pintora aparece ligeramente de lado, con un brazo apoyado en la silla en la que está pintando y con una expresión cálida y alegre. Otra de las obras que ha ganado el reconocimiento de la crítica es una pequeña pintura, 'La propuesta'. Esa es, precisamente, la obra favorita de Frima Fox, profesora de arte del Instituto Pratt de Nueva York y una de las principales estudiosas de la obra de Leyster.
El cuadro, es una escena íntima y nocturna de un hombre que ofrece dinero a una mujer a cambio, se supone, de mantener relaciones sexuales con ella, una oferta que parece rechazar la mujer que está sentada cosiendo.
'Es una pintura muy delicada', dijo Fox, quien destacó que en esa época hay muchos cuadros de propuestas sexuales, pero muy distintas a la retratada por Leyster ya que en ellas son las mujeres, prostitutas en su mayoría, las seductoras, algo muy común en el siglo XVII.
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Grecia inaugura su Nuevo Museo de la Acrópolis en Atenas
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20/06/2009
Atenas
El Museo Británico argumentaba que los mármoles del Partenón expoliados por lord Elgin en 1801 y expuestos en Londres no podían regresar a Atenas porque Grecia no podía garantizar su conservación. Este argumento decaerá definitivamente esta noche cuando se inaugure el Nuevo Museo de la Acrópolis. Las obras de arte desenterradas durante siglo y medio en lo alto de la colina sagrada ya no se agolpan en el vetusto museo clausurado en el 2007. Pero el nuevo edificio diseñado por el arquitecto francosuizo Bernard Tschumi es algo más que un nuevo atractivo de la capital griega que competirá con el Museo Nacional: con una planta dispuesta para recibir el botín de lord Elgin, es una proclama a favor de su devolución.
 La idea de edificar un nuevo museo nació en el seno de la campaña internacional para conseguir la devolución de los mármoles que lanzó en 1981 Melina Mercouri, y que ahora se marca un nuevo hito: que el Reino Unido aproveche los Juegos Olímpicos de Londres del 2012 para hacer efectivo el retorno. Según el ministro de Cultura griego, Antonis Samaras, el nuevo equipamiento es «un catalizador para que regresen las reliquias del templo del Partenón que fueron saqueadas y esparcidas».
La Asociación para el Retorno de las Esculturas del Partenón se ha reunido estos días en Atenas. Su presidente, el empresario australiano David Hill, opinó ayer que «el nuevo museo es un lugar ideal, concebido para permitir la exposición apropiada de las esculturas en su configuración original y con vistas al Partenón». Pero la administración de los museos británicos hace oídos sordos y solo ha ofrecido la cesión durante tres meses a cambio de que Grecia le reconozca la propiedad legal.
Hace un año que los visitantes de la Acrópolis pueden observar desde lo alto el museo, a solo 300 metros de la colina. Los que entren en él (a partir del domingo) no podrán dejar de ver el Partenón al fondo. «Es un envoltorio de cristal enteramente transparente que permite ver al mismo tiempo las obras y la Acrópolis», explica Tschumi.
La visita dibuja un recorrido progresivo hasta llegar a la planta final, la del Partenón. El edificio ha respetado los restos arqueológicos del subsuelo, que se remontan hasta el neolítico. En la planta baja se exponen cerámicas, bajorelieves y esculturas procedentes de los santuarios que ocupaban las laderas de la Acrópolis. Al fondo de una rampa, las Cariátides (las originales; las que sostienen el porche del edificio del Erecteion en lo alto de la Acrópolis son copias) presiden el segundo nivel, con las obras procedentes de otros edificios de la Acrópolis como el templo de Atenea Niké y los Propileos y una abundante muestra de arte arcaico (anterior al siglo V antes de Cristo). Se trata de las innumerables esculturas sagradas de los templos saqueados por los persas el año 480 antes de Cristo, que fueron enterradas reverentemente por los atenienses antes de reconstruir el conjunto más suntuosamente y que fueron saliendo a la luz desde el siglo XIX, cuando la Grecia independiente ya no autorizaba por escrito, como hicieron los ocupantes otomanos con Elgin, la exportación de «algunos bloques de piedra con inscripciones y figuras».
Pero el punto culminante es el último piso, donde se exhiben las esculturas del Partenón que se salvaron del saqueo junto a reproducciones, blancas y perfectamente distinguibles, de que arrebató el diplomático británico. Por ejemplo, de los 94 bloques conservados que componían el friso de la procesión que rodeaba todo el templo, 56 están en Londres, 36 en Atenas y 2 fragmentados. «El visitante –opina Pantermalis– tendrá una visión de conjunto y tomará conciencia del problema de la dispersión».
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El nuevo Museo del Hermitage de Amsterdam
abre sus puertas con la Corte Rusa
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19/06/2009
Amsterdam
El nuevo Museo del Hermitage de Amsterdam, el mayor escaparate fuera de Rusia de la pinacoteca de San Petersburgo, abre sus puertas con una gran exposición que permitirá al espectador asistir a un gran baile en la Corte Rusa y contemplar su fastuoso protocolo.
Para su reapertura al público, el Hermitage de Amsterdam, un complejo de más de 9.000 metros cuadrados, evoca la Corte Rusa del siglo XIX con una exposición de más de 2.000 objetos procedentes de San Petersburgo, auténticas pinceladas de las vidas de los seis últimos zares, desde Pablo I al desafortunado Nicolás II.
 Hasta el próximo 31 de enero, el público podrá revivir el ambiente de esa corte, gracias a los efectos de luces, música e imagen que le transportarán al glorioso pasado de Rusia de manera 'sutil y abstracta', según explicó la comisaria del museo, Marlies Kleiterp.
Como muestra más palpable, en el Ala de los Caballeros, dedicada a las fiestas y bailes y a la vida privada de los zares, los vestidos y trajes de gala están expuestos en vitrinas giratorias como si bailaran, con un fondo de música. Para completar el efecto, se proyectan en la pared imágenes de 'El arca rusa', del cineasta Alexander Sokurov, rodada en 2002 en el Palacio de Invierno de San Petersburgo, en la que el momento estelar es un gran baile con cientos de participantes.
'Se tiene de verdad la impresión de formar parte de ese salón de baile', dijo a Efe el director del Hermitage de Amsterdam, Ernst Veen, quien subrayó el carácter 'festivo' de la exposición.
La otra gran ala, dedicada al protocolo, incluye el trono de los Romanov, frente al cual se alinean en otra vitrina los trajes de las delegaciones oficiales que se presentaban al zar.
En la exposición también pueden verse joyas, abanicos, zapatos, vajillas, pinturas como un retrato de Nicolás II del ruso Ilya Repin, el piano de cola de la última zarina, fotos de la destrucción del Palacio de Invierno en la Revolución Rusa, así como los juguetes de los niños.
Han sido necesarios dos años de trabajos y una inversión de 40 millones de euros para transformar el Amstelhof, un antiguo asilo de ancianos de estilo clasicista holandés del siglo XVII, y el anexo Neerlandia en lo que es hoy, según Veen, 'un museo del siglo XXI'.
El edificio Neerlandia, que durante los últimos cinco años albergó diez exposiciones en calidad de satélite del Hermitage, ha pasado a ser un museo infantil, mientras que el Amstelhof se ha despojado del laberinto de sus pasillos para ganar grandes y luminosos espacios diáfanos.
El sobrio complejo holandés está muy alejado del estilo rococó del Palacio de Invierno de los zares, pero 'puede hacer cosas que son técnicamente imposibles en el más conservador Hermitage' de San Petersburgo, señaló hoy el director del museo ruso, Mijaíl Piotrovsky. Con esta transformación, el museo de Amsterdam ha dejado de ser un 'sputnik' (satélite) del Hermitage similar a los existentes en Londres, Ferrara (Italia) y Kazan (Rusia) para convertirse en 'una estación espacial cósmica internacional' diez veces mayor.
El Hermitage de San Petersburgo, formado por un conjunto de edificios del siglo XVIII que se extienden a lo largo del río Neva, sólo puede exponer de un 5 a un 6% de sus tres millones de objetos de arte. El museo holandés, que tiene una dirección independiente y fondos procedentes de patrocinadores como el banco Fortis, el BankGiro Loterij y la empresa Philips, trabajará en estrecha colaboración con el de San Petersburgo y también invitará a otros museos rusos, explicó Veen, artífice de la 'Fundación de Amigos del Hermitage'.
Su reapertura viene a reforzar la oferta cultural de Amsterdam en un momento oportuno, a las puertas del verano y cuando los turistas no pueden apreciar en todo su esplendor las obras maestras flamencas del Rijksmuseum y del museo de arte moderno de Stedelijk, que están siendo remodelados.
Veen y Piotrovsky cumplen así un sueño que empezó a fraguarse en 1991, explicó el holandés, quien subrayó los lazos históricos entre ambas ciudades desde la visita en 1697 del zar Pedro el Grande a Amsterdam, que le inspiró la construcción de canales para su nueva capital a orillas del Neva.
En el programa de los próximos meses figuran una exposición de obras de Braque, Matisse y Picasso procedentes de San Petersburgo (marzo a otoño de 2010) y otra sobre Alejandro Magno y la expansión del helenismo en Oriente (primavera de 2010 a otoño de 2011).
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Walt Disney tendrá su propio museo en San Francisco
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18/06/2009
Nueva York
Los responsables de The Walt Disney Family Museum han presentado Nueva York los detalles del que, a partir del próximo 1 de octubre, será el primer museo dedicado íntegramente a la vida y obra del creador de Mickey Mouse y de todo un mundo de fantasía para varias generaciones.
El museo estará ubicado en tres edificios históricos del Presidio de San Francisco (California, EEUU), que es parte del 'Área Recreativa Nacional Golden Gate', y contará con diez galerías, un teatro, un gran pabellón para conciertos o actos especiales y un centro de formación, todo ello repartido en unos 64.300 metros cuadrados.
"Se mostrará una visión completa de su vida, sus éxitos y sus fracasos, y se hará en el centro mundial de la animación, en San Francisco", explicó el fundador y director del museo, Richard Benefield, en una conferencia de prensa ofrecida en Nueva York. Detalló que cuando abra sus puertas el lugar de exposiciones, impulsado y gestionado por la Fundación de la Familia Walt Disney, habrá absorbido una inversión de más de 110 millones de dólares (79,4 millones de euros).
 Benefield precisó que en los dos primeros años se prevé una afluencia de unas 450.000 personas al año, una cifra que luego podría estabilizarse en torno a los 350.000 visitantes anuales.
"También hemos pensado en los visitantes que no hablan inglés y, aunque sería imposible traducir las más de cuatro horas y media que tenemos de testimonios sonoros, sí hemos previsto la elaboración de 'audioguías' en español, así como en mandarín y japonés, que incluso estarán disponibles en Internet", ha explicado Benefield.
El directivo detalló que para que no se llene excesivamente el centro, se ha previsto admitir grupos de 60 personas cada cuarto de hora, así como potenciar la venta de entradas a través de Internet.
"Las entradas se pondrán a la venta el 1 de agosto y se pueden comprar con 90 días de antelación", apuntó Benefield, al tiempo que dijo que esperaban que con este sistema se puedan evitar las colas y aglomeraciones.
En diez galerías se hará un repaso cronológico de la vida de este animador, productor y director (1901-1966), convertido ya en mito y con 26 premios Oscar a sus espaldas, gracias a unas creaciones que impulsaron la industria de la animación, con innovadoras técnicas como el sonido, el color o la cámara multiplano.
Al visitar el museo se podrá aprender que el creador de Cenicienta, Dumbo y Bambi, así como de 'Disneylandia' y de hasta una compañía que lleva su nombre y que factura más de 35.000 millones de dólares al año (25.289 millones de euros), fundó su propia empresa a los 19 años y participó en la Segunda Guerra Mundial (1939-45). Sin embargo, su gran legado son las decenas de personajes e historias que cobraron vida en películas, programas de televisión y parques temáticos para pasar a formar parte de la cultura popular. Según sus impulsores, la idea es aportar luz sobre la vida de una de las personas más conocidas del mundo, pero no tanto debido a su biografía sino a una marca.
Se mostrarán dibujos que Disney hizo en su juventud, trabajos de su primera empresa (Laugh-O-gram Films), bocetos iniciales del ratón más famoso del mundo, guiones gráficos y una cámara multiplano, un innovador invento que dio vivacidad y profundidad a su primera película, 'Blancanieves y los siete enanitos' (1937).
No faltará en la muestra el Oscar honorífico que ganó esa película en 1939 y por el que el estadounidense recibió una estatuilla del tamaño habitual acompañada de siete miniaturas.
El tren 'Lilly Belle' que se construyó para su casa de Hollywood, una maqueta de la 'Disneylandia' que imaginó y hasta una réplica de la ambulancia que condujo en Francia cuando trabajaba para la Cruz Roja, son otras de las curiosidades incluidas en la colección.
Todo ello acompañado de fragmentos de películas, fotografías, documentos y vídeos familiares inéditos, composiciones musicales, cámaras cinematográficas y dispositivos multimedia para conocer más detalles de la vida de quien se ha llegado a decir que en realidad era español, nacido en Mojácar (Almería), y que después de su muerte fue criogenizado.
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Museo Bellas Artes Sevilla inaugura muestra pictórica 'Settecento veneziano'
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17/06/2009
Sevilla
El Museo de Bellas Artes de Sevilla ha inaugurado la exposición 'Settecento veneziano. Del Barroco al Neoclasicismo', que permanecerá abierta al público hasta el 13 de septiembre después de su paso por la Academia San Fernando de Madrid.
La muestra, que contiene muchas obras inéditas en España, está organizada por la Fundación Banco Santander y su comisaria es la italiana Annalisa Scarpa.
 "Se trata de una gran selección" de 51 lienzos de uno de los siglos "más brillantes" de la pintura veneciana -el siglo XVIII- con los artistas "más importantes" del periodo, lo que la convierten en una de las "más completas" realizadas en España sobre ese periodo y estilo pictórico, ha valorado en rueda de prensa la consejera de Cultura, Rosa Torres.
La consejera ha destacado que el objetivo de la muestra es "ofrecer una visión lo más completa posible de la Venecia del siglo XVIII, una ciudad inmersa en un profundo proceso de decadencia, que sin embargo seguía ofreciendo espléndidos destellos de talento creativo".
A la inauguración también han acudido el cónsul honorario de Italia en Sevilla, Jose Carlos Ruiz-Berdejo; el director de la Fundación Banco Santander, Javier Aguado, y la comisaria de la exposición Annalisa Scarpa. Las obras escogidas para cada autor proceden, según la consejera, de museos, fundaciones y colecciones privadas, "cuyo común denominador es su calidad, un pedigrí atestiguado por la bibliografía".
La mayoría de las obras proceden de la Colección Terruzzi, el Museo di Capodimonte, el Museo Cìvico de Vicenza, la Colección Simona Romano, la Banca Populare di Vicenza, la Galleria dell'Accademia, la Galleria Nazionale de Parma, la Fundazione Querini Stampalia o el Museo Cìvico de Treviso. Las cedidas por estos centros, sumadas a préstamo de coleccionistas particulares, han permitido la realización de esta "magnífica" exposición, que constituye una "ocasión irrepetible de acercarse a la fuerza de seducción de la pintura veneciana del siglo XVIII", ha comentado la comisaria de la exposición.
Torres ha señalado a Miguel Ángel, Leonardo o Rafael como los artistas que firmaron la historia del arte de la época renacentista, "aunque Venecia no se queda al margen de esos efectos positivos con nombres tan ilustre como Tiziano o Tintoretto".
La muestra recoge lienzos al óleo de autores como Antonio Bellucci, Antonio Balestra, Marco Ricci, Sebastian Ricci, Gian Antonio Pellegrini, Gaspare Diziani, Francesco Fontebasso, Gian Battista Pittoni, Jacopo Amigoni, Rosalba Carriera, Pietro Longhi, Gian Antonio Guardi, Gian Battista Piazzeta, Gian Battista Tiepolo, Gian Domenico Tiepolo, Francesoc Zuccarelli o Giuseppe Zais.
Además, la exposición cuenta con obras de la pintura 'veduta' -caracterizada por la definición de luces, atmósferas, y el juego de reflejos y claroscuros- de pintores como Luca Carlevarijs, Johann Richter, Canaletto, Bernardo Bellotto, Michele Marieschi, Francesco Albotto, Gian Battista Cimaroli, Francesco Guardi y Giuseppe Bernardino Bison.
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Tarzán protagonista del Museo Quai Branly
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16/06/2009
París
El grito que inmortalizara en el cine a Tarzán entremezclado con los sonidos de la selva africana dan la bienvenida al visitante en la muestra que el Museo Quai Branly dedica a este héroe atípico que creció en la naturaleza, rodeado de monos y apartado de la civilización.
 "Tarzan! ou Rousseau chez les Waziri" (¡Tarzán! o Rousseau con los Waziri) explora hasta el 13 de septiembre al "señor de la jungla" mediante objetos de colección de diversos museos franceses, así como extractos de películas, carteles, cuadros, fotografías y figuras.
La exposición repasa la influencia de uno de los mitos más populares del siglo XX, que trascendió la frontera de las letras y que "criticó de manera feroz y continuada a la sociedad urbana", explicó el comisario de la exhibición, Roger Boulay.
Un héroe ecologista, pues propugna el cuidado a la naturaleza y rechaza constantemente la tecnología y el progreso, aparece en la muestra como precursor del debate a escala mundial sobre el medio ambiente, una preocupación casi inexistente a comienzos de la pasada centuria.
Hijo de aristócratas ingleses criado entre simios, Tarzán nació en 1912 de la pluma del escritor estadounidense Edgar Rice Burroughs, quien desarrolló la personalidad de este héroe en 22 novelas entre 1914 y 1947, de las que se publicaron más de 15 millones de ejemplares y se tradujeron a 56 idiomas. Inspirado en la tradición de novelas como "El libro de la Selva" (1894) o "Las Minas del Rey Salomón" (1885), Bourroughs, quien jamás viajó a África, plasmó en su personaje el mito de Rómulo y Remo y el de Hércules para demostrar el vínculo del hombre con el mundo animal, separados por la civilización.
El inmediato éxito de "Tarzán el rey de los monos" (1912) y del resto de las historias desencadenó la adaptación del relato a otros formatos que gozaron de igual fama (cerca de 15.000 cómics y 46 películas, además de numerosas series de televisión).
La propuesta del Quai Branly revela que el papel del cine en la difusión internacional del mito literario fue decisivo, ya que el primer filme "Tarzan de los monos" (1918) de Scott Sidney, se realizó seis años después de la aparición de la novela, mientras que las traducciones tardaron más tiempo en llegar a Europa.
 Por su parte, Boulay lamentó que el cine haya caricaturizado al personaje, "en comparación con la riqueza de las novelas de Bourroughs", ya que mientras "el cine lo refleja casi analfabeto, en los relatos habla una decena de idiomas", incluyendo el castellano, además de la lengua de los simios.
La muestra, que presenta las diferentes adaptaciones de dibujantes de tebeos como Harold Foster o Brune Hogarth, exhibe además extractos de las más populares películas del mito, que inmortalizó en más de una docena de películas entre 1932 y 1949, el actor y antiguo campeón olímpico de natación Johnny Weissmuller, del que se pueden contemplar numerosas fotografías en la exhibición.
Bourrough mezcló en Tarzán las aventuras, las hazañas y la reflexión sobre la sociedad, la naturaleza y la evolución, como evidencia su especial interés por el darvinismo -teorías que se publicaron cuando nació el escritor- contra el creacionismo vigente durante siglos.
Sonidos de la jungla envuelven el recorrido a modo de banda sonora creada especialmente para la ocasión, en la que se distinguen clamores inquietantes, chillidos de monos enloquecidos, el incesante ulular del viento y lejanas cascadas de agua, que recrean el hogar de este atleta en simbiosis con la naturaleza.
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El Renacimiento aragonés se exhibe en el Museo de Bellas Artes
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15/06/2009
Bilbao
El Museo de Bellas Artes de Bilbao exhibe hasta el 20 de septiembre, las joyas del arte renacentista aragonés durante el siglo XVI, en la exposición titulada 'El esplendor del Renacimiento en Aragón'.
La muestra, compuesta por 118 piezas de pintura, escultura y orfebrería pertenecientes en su mayor parte a los fondos propios del Museo de Zaragoza, gira fundamentalmente, según ha explicado su comisaria, Carmen Morte, en torno a las dos grandes figuras del arte aragonés de la época: el escultor Damian Forment y el pintor Jerónimo Cósida.
 La exposición, que según ha indicado en rueda de prensa el director de la pinacoteca bilbaína, Javier Viar, "permite analizar con largueza el renacimiento aragonés", comienza con una serie de obras singulares del finales del periodo gótico, entre las que destacan varios retablos atribuidos a los pintores Bartolomé Bermejo y Blasco de Grañen.
La parte central de la misma ofrece una amplia y variada muestra de obras de arte, en su mayor parte esculturas en alabastro (material fundamental en la talla aragonesa de la época) y pinturas, además de una pequeña selección de piezas de orfebrería, que dan idea al espectador de la riqueza del patrimonio artístico aragonés.
En el apartado escultórico de la exposición, además de mostrar obras relevantes del citado Damian de Forment y de sus discípulos, como los alabastros San Onofre y dos Virtudes, figuran también piezas de otros artistas coetáneos, como el francés Gabriel Joly, el italiano Giovanni Moreto y Gil Morlanes, el Joven. Se incluyen además algunos de los trabajos más destacados que realizó en Aragón el escultor guipuzcoano Juan de Anchieta, miembro de la corriente denominada romanista o nuevo clasicismo, predominante a finales del siglo XVI, como una talla monumental del Cristo crucificado, procedente de la Iglesia del Hospital de Gracia, de Zaragoza.
En el apartado de la pintura, además de la obra del excelente pintor y dibujante Jerónimo Cósida, se podrá contemplar un singular Retrato de Alfonso V, de Juan de Juanes, y obras de pintores flamencos e italianos que influyeron en los maestros aragoneses de la época, como Pablo Scheppers, Roland Moys, Tonmás Peliguet o Pietro Morone.
Los responsables de la muestra han recordado que el siglo XVI, en el que está incluido el periodo artístico y cultural conocido como Renacimiento, fue el momento de mayor esplendor de la escultura, la pintura y la arquitectura aragonesas.
Tras su paso por Bilbao, la exposición proseguirá su itinerancia en Valencia, donde se podrá contemplar de octubre de 2009 a enero de 2010 para retornar de nuevo a Zaragoza, entre febrero y abril de 2010, si no se amplia su gira por alguna capital española más.
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El MUJA amplía su exposición sobre el jurásico asturiano
con la incorporación de dos importantes piezas
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14/06/2009
Oviedo
El Museo del Jurásico de Asturias (MUJA), en Colunga, acaba de ampliar su exposición permanente sobre el Jurásico Asturiano con la incorporación de dos importantes piezas que anteriormente estaban ubicadas en la exposición temporal.
Una de ellas es la huella de dinosaurio terópodo más grande del Jurásico de Asturias (82 centímetros), encontrado en 2006 en el Toral (Villaviciosa). Según el equipo de científicos que trabaja en el Museo del Jurásico, el dinosaurio que la generó debió de sobrepasar los cuatro metros de altura desde el suelo a la cadera.
 En la otra pieza, se pueden observar impresiones de pies y manos de pequeños reptiles voladores (pterosaurios) conservadas en un estrato de arenisca y localizadas en Quintueles. La disposición aleatoria de las mismas sin construir rastros definidos se debe a que los reptiles flotaban sobre la superficie de una charca costera tocando el fondo esporádicamente con sus extremidades. Además de estas piezas situadas en el Jurásico Asturiano, se han incorporado dos maquetas con moldes y contramoldes que simulan el pie de un dinosaurio pisando sobre el barro.
El Museo del Jurásico de Asturias (MUJA) recibió hace unas semanas su visitante número 800.000, una cifra que consolida el auge de este museo y su excelente acogida entre el público tanto asturiano como de fuera de la región. El Museo, que celebró el 1 de abril su quinto aniversario, se ha convertido en el equipamiento cultural más visitado de Asturias y en un referente cultural y científico.
Este equipamiento cultural se divide en varias áreas temáticas cuyo hilo conductor es la historia de la vida hace más tres mil millones de años. La muestra recorre el Mesozoico, el Triásico, el Jurásico y el Cretácico, con especial atención al Jurásico asturiano, época de la que proceden los yacimientos de huellas de dinosaurio hallados en la costa asturiana. Además, recientemente, el MUJA ha firmado un proyecto de investigación con el Instituto Geológico y Minero de España, a desarrollar en tres años, con el fin de estudiar y difundir el patrimonio geológico español y el estudio geocientífico de los espacios naturales singulares. Está previsto que los resultados del proyecto se publiquen en revistas y libros de ámbito tanto nacional como internacional.
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Museo Ideale Leonardo da Vinci reúne cinco siglos de «giocondas»
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13/06/2009
Vinci
La localidad natal del genio renacentista Leonardo da Vinci (1452-1519) homenajea al artista y a su "Mona Lisa" con una exposición que repasa los cinco siglos de "giocondas" que ha dado el mundo del arte, que las ha retratado desnudas, vestidas e, incluso, con bigote.
 El "Museo Ideale Leonardo da Vinci" acoge la muestra "Joconde. Da Monna Lisa alla Gioconda nuda", que se inaugura mañana y permanecerá abierta hasta el 30 de septiembre, en un claro interés no sólo expositivo, sino también científico, pues durante ese tiempo se realizarán investigaciones sobre los misterios de las "giocondas".
Y es que cinco siglos dan para mucho misterio, sobre todo el que rodea a un cuadro, "La Gioconda" de Leonardo da Vinci, cuya fecha exacta de creación aún se desconoce -se sitúa entre 1503 y 1514- y que aún hoy sigue asombrando a los visitantes del Museo del Louvre de París por la sonrisa y la mirada enigmáticas de su protagonista.
Esta obra, que, según las últimas teorías, retrataría a la joven florentina Lisa Gherardini, ha sido precursora de toda una serie de pinturas femeninas que han llegado hasta el siglo XX, donde la irreverencia del francés Marcel Duchamp le llevó a ponerle bigote.
"Esta exposición reúne reproducciones de todas las 'giocondas' posibles desde el siglo XVI hasta hoy, desde la propia de Leonardo, hasta las que hoy se pueden encontrar en Internet", explica a Efe el director del
"Museo Ideale Leonardo da Vinci", Alessandro Vezzosi, "El otro objetivo (de la muestra) es intentar dejar claras algunas cuestiones sobre su identidad, entre ellas la identidad de la que se expone en el Louvre, su fecha y quién la encargó, que son todos temas de debate aún abiertos", añade.
Desnudas y vestidas
Dentro de ese interés expositivo, pero también investigador, cobran especial relevancia las "giocondas" desnudas de varios artistas, cuyas reproducciones se exhiben en Vinci (centro de Italia) junto a esas otras "monas lisas" vestidas.
"La idea es poner en común a Leonardo con todo lo que deriva de 'La Gioconda'. El tema es siempre 'La Gioconda', vestida o desnuda, un poco como 'La Maja' de (el pintor español Francisco de) Goya", comenta Vezzosi.
 "Lo curioso -continúa- es que hoy todos conocen 'La Gioconda' del Louvre, pero pocos estudiosos conocen las muchas versiones de 'La Gioconda' desnuda que hay en al menos tres escuelas próximas a Leonardo: una lombarda, una flamenca y una francesa".
Según el director del museo, esa versión desnuda de las "giocondas" es parte muy importante de la exposición, pues entre ellas hay un original de cierta relevancia.
"Una de ellas es la 'Gioconda desnuda' del cardenal (Joseph) Fesch, tío de (el emperador francés) Napoleón. Esta obra era atribuida a Leonardo o alguien muy cercano a Leonardo", apunta Vezzosi.
"De las 'giocondas' vestidas, la mayor atracción es un retablo que hemos encontrado en los depósitos de (la galería de) Los Uffizi de Florencia. Estaba casi destruido, ha sido restaurado y nunca había sido expuesto antes. En este retablo no está la mano de Leonardo, pero se puede ver una derivación de 'La Gioconda'", explica.
La presencia de "La Gioconda" en España también queda reflejada en la muestra con la reproducción de una litografía que se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, cuya autoría se desconoce aún a ciencia cierta. Y finalmente se llega al siglo XX, en el que "La Gioconda" es protagonista de las creaciones del francés Jean Margat, entre ellas algunas para la revista "Bizarre".
Más allá de las reproducciones y los cuadros originales que se exhibirán en Vinci existen varios textos que documentan la historia y los misterios que rodean a un cuadro, el de Leonardo, que fue robado del Louvre en 1911 y estuvo desaparecido más de dos años.
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Museo de Ana Frank exhibirá sus diarios
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12/06/2009
Amsterdam
La casa museo de Ana Frank anunció que exhibirá de manera permanente sus diarios y otros escritos como parte de las actividades conmemorando el 80 aniversario de su nacimiento el 12 de junio de 1929.
Frank falleció a los 15 años en un campo de concentración, pero sus diarios, publicados póstumamente por su padre, que se salvó del genocidio nazi, la convirtieron en un símbolo de todos los judíos asesinados en la segunda guerra mundial.
Frank escribió sus diarios mientras estaba escondida de los nazis en un apartamento secreto situado encima de un almacen en Amsterdam.
Hasta ahora sus escritos eran custodiados por el Instituto Holandés de Documentos de la Guerra. Facsímiles del diario han sido usados en exhibiciones del museo, que incluye el apartamento.
El ministro de Educación de Holanda Ronald Plasterk dijo durante la ceremonia de transferencia de los documentos, que era importante para la historia que los diarios fuesen exhibidos en el sitio donde habían sido escritos
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El Museo de Adolfo Suárez abre sus puertas
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12/06/2009
Ávila
 El museo del padre de la Transición y junto al Rey principal artífice de la democracia española cuenta con un museo en su localidad natal, Cebreros, que abre sus puertas sin que en esta ocasión haya existido el consenso que Adolfo Suárez consiguió en tiempos mucho más difíciles, ya que el PSOE tanto de Cebreros como de Castilla y León se desmarcó del proyecto por considerar la iniciativa «una falta de respeto al ex presidente». Pero al margen de disputas políticas, lo cierto es que ayer el Museo de Adolfo Suárez y la Transición abrió sus puertas oficialmente al público en la localidad abulense.
Tras dos años de trabajo, con decenas de colaboraciones de personajes ilustres de las últimas décadas de la Historia de España, objetos personales, restauraciones y casi 2,3 millones de euros de inversión, Cebreros, de 3.400 habitantes, rinde homenaje así a su paisano más ilustre, el que fuera presidente del Gobierno entre 1976 y 1981.
Las ruinas de la Iglesia de San Francisco, conocida popularmente en el municipio abulense como la Iglesia Vieja, es el marco elegido para albergar este homenaje a Suárez y a la Transición española. Además, ha permitido la recuperación de un edificio de los siglos XIV y XV, con lo que ello conlleva en el doble aspecto de conservación y de rehabilitación de uso de inmuebles del Patrimonio Cultural.
El centro dispone de una superficie de mil metros cuadrados, de los cuales unos 700 corresponden a la zona de exposición. El recorrido se divide en cinco bloques temáticos -«La historia del siglo XX hasta la muerte de Franco», «De la proclamación del Rey hasta las primeras elecciones», «De las primeras elecciones hasta la proclamación de la Constitución», «De las primeras elecciones constitucionales hasta la consolidación del proceso» y «Suárez, el hombre»- y está diseñado para una visita de aproximadamente una hora y media.
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Dos museos vieneses reflejan la teoría del impulso de Freud en el arte
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12/06/2009
Viena
Bajo el título de "Eros und Thanatos", los Museos Sigmund Freud y Liechtenstein de Viena reflejan a partir de este viernes la famosa y controvertida "teoría del impulso" en el arte.
Con motivo del 70 aniversario en septiembre próximo de la muerte del "padre del psicoanálisis", los dos museos vieneses han decidido presentar al público una amplia retrospectiva de cómo el arte ha reflejado lo que Freud definió como la interacción del impulso de la vida y de la muerte.
En las dependencias de la casa de Freud en la vienesa calle Berggasse 7 y en la biblioteca del cercano Palacio Liechtenstein se podrán ver obras de artistas de diversas épocas con figuras clásicas como Narciso y Adonis, Judith y Lucrecia, así como Venus y Marte.
Según destacó ante la prensa la comisaria de la muestra, la psicoanalista Jeanne Wolff Bernstein, "la teoría del impulso era controvertida durante la vida de Freud". Pero hoy en día esta teoría tiene una componente importante en el trabajo clínico diario, por ejemplo en la terapia contra adicciones, agregó la experta.
La directora del Museo Freud, Inge Scholz-Strasser, señaló que aparte de la vertiente individual, la teoría muestra a nivel colectivo y social lo "poderosa, actual y enorme que es".
Artistas del Renacimiento como Lucas van Leyden, Bartholomäus Spranger o Hendrick Goltzius -todos ellos representados en esta muestra- ya pintaron en el siglo XVI motivos sobre el desequilibrio entre el amor y la violencia o la vida y la muerte. Pero también pueden contemplarse obras de maestros contemporáneos de Freud como los austríacos Gustav Klimt o Egon Schiele, que en sus trabajos hablan de sexualidad adolescente y de mujeres, cuyo cuerpo atormentado debía ser escondido tras un sutil erotismo.
Las obras expuestas hasta el próximo 13 de octubre en estos dos museos cuentan historias que el propio Freud podría haber escuchado perfectamente en su famoso consultorio, aseguró Scholz-Strasser.
Sigmud Freud, nacido en 1856 en el seno de una familia judía, murió el 23 de septiembre de 1939 en el exilio en Londres, adonde tuvo que huir en junio de 1938 al ser perseguido por los nazis.
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Construirán un museo dedicado al creador del Kaláshnikov
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11/06/2009
Moscú
La ciudad natal de Mijaíl Kaláshnikov, el creador del famoso fusil AK-47 que lleva su apellido, tiene previsto construir un museo dedicado a su persona, anunciaron hoy las autoridades de la región siberiana de Altái.
 "Será nuestro regalo a Mijaíl Timoféyevich (patronímico de Kaláshnikov) por su 90 cumpleaños", que se cumple en noviembre próximo, declaró el gobernador de Altái, Alexandr Karlin, citado por la agencia oficial Itar-Tass.
El museo se ubicará en la aldea de Kurya, aunque el lugar concreto todavía debe ser acordado directamente con la familia Kaláshnikov. Karlin señaló, además, que en el pueblo natal de Kaláshnikov está previsto reconstruir la iglesia, que en tiempos soviéticos fue reconvertida en casa de cultura. Agregó que la transformación de la patria chica del creador del fusil AK-47 tiene como objetivo atraer a los turistas.
Kaláshnikov, nacido el 10 de noviembre de 1919, confesó el 6 de julio de 2007, con motivo del 60 aniversario del registro oficial de su invento, que los nazis tuvieron la culpa de su invento porque su vocación verdadera era diseñar maquinaria agrícola.
"Pensaba dedicarme a crear máquinas para las labores agrícolas, con el fin de hacer mas fácil el duro trabajo de los campesinos. Todo cambió por culpa de los alemanes que desataron la guerra" contra la URSS, dijo Kaláshnikov.
Aunque empezó a idear el diseño de un arma de fuego automática en 1942, mientras estaba internado en un hospital tras sufrir heridas en el pecho y en un hombro durante un combate, el primer fusil de asalto AK-47 no sería registrado oficialmente hasta 1947. Dos años más tarde los soldados del Ejército soviético empezaron a ser provistos de Kaláshnikov, un arma utilizada actualmente, con sus distintas variantes, por las fuerzas armadas de medio centenar de países.
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El Museo Marítimo incorporará un simulador de mareas
a la cabina de un pesquero
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11/06/2009
Luanco
El Museo Marítimo de Luanco, el más antiguo de Asturias, incorporará un simulador de mareas a una cabina que se expone en sus instalaciones perteneciente a un barco pesquero real. La iniciativa persigue, según ha explicado hoy el director del museo, José Ramón García, lograr el efecto de estar navegando en alta mar, para aquellos visitantes que nunca se han subido a bordo de un barco pesquero.
"Con esa pequeña oscilación de la cabina y el olor a gasóleo que todavía conserva el barco de cuando navegaba, vamos a tener que poner un cartel que advierta a los que se mareen de que no se suban", ha explicado García.
La caseta del barco, de 5 por 2 metros, conserva todos los instrumentos auténticos de pesca y la pequeña cocina para la tripulación, por lo que es uno de los elementos que más llaman la atención del visitante.
Por otra parte, para finales del mes de julio está prevista la inauguración de la muestra titulada "De la pesca al turismo", que permitirá conocer, a través de textos y fotografías, los cambios experimentados por las vías pesqueras asturianas entre 1960 y 1973, que incluirá enclaves como Avilés, Cudillero, Luanco, Candás, Llanes o Tazones, entre otros.
El Museo Marítimo de Asturias, con sede en Luanco, fue fundado en 1948 y está dedicado a la recogida, catalogación, conservación, estudio y exposición de todo tipo de materiales y documentos relacionados con la actividad marítima, en todas sus manifestaciones.
Posee una exposición permanente integrada por más de siete mil piezas, sin contar libros, documentos y fotografías, de las que se expone aproximadamente un cincuenta por ciento. El interior del museo se divide en cuatro grandes áreas: biología marina, carpintería de ribera, pesca tradicional e historia de la navegación.
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El Museo Picasso muestra por primera vez la obra de Kees Van Dongen
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10/06/2009
Barcelona
Cerca de un centenar de obras del holandés Kees Van Dongen se exhiben en el Museo Picasso de Barcelona en la primera retrospectiva en España dedicada a uno de los grandes formuladores del fauvismo, que mantuvo conexión con Picasso durante su estancia común en el Bateau-Lavoir de París.
 La muestra, que se ha podido ver también, aunque con planteamientos diferentes en cada caso, en el Nouveau Musée National de Mónaco y en el Museo de Bellas Artes de Montreal, confirma el lugar determinante que ocupó Van Dongen en las grandes agitaciones artísticas de principios del siglo XX, especialmente dentro del fauvismo.
El director del Museo Picasso, Pepe Serra, ha destacado que Van Dongen 'tuvo un papel único como retratista, a menudo irreverente e hiriente'.
Nacido en las afueras de Rotterdam en 1877, Van Dongen desarrolló la mayor parte de su trayectoria artística en París, donde se estableció a partir de 1897.
Influenciado en sus inicios por la pintura simbolista y por los claroscuros de Rembrandt, su obra toma un cariz realista y de fuertes connotaciones sociales -ligada a sus ideas políticas anarquistas- durante su etapa parisina, donde coincide con Picasso.
Picasso y Van Dongen tenían talleres contiguos en el Bateau-Lavoir y además compartían modelo, la entonces compañera del pintor malagueño, Fernande Olivier.
El trabajo con Fernande, remarca el comisario y conservador jefe del Centro Pompidou, Jean-Michel Bouhours, permitió a Van Dongen experimentar en el arte del retrato, del cual se convirtió en un maestro.
A lo largo del recorrido expositivo, el visitante puede constatar que Van Dongen y Picasso compartieron un mismo gusto por 'la elegancia provocadora y bárbara' de la mujer, atraídos por los bajos fondos parisinos, las prostitutas y las bailarinas de barraca de feria.
En la exposición, que estará abierta al público hasta el próximo 27 de septiembre, están presentes aspectos poco conocidos y en ocasiones malentendidos de la obra del artista, como su interés por los temas orientalizantes o de referencias españolas, así como parte del trabajo de su etapa final, centrado en los retratos de carácter mundano.
 En el Museo Picasso se pueden contemplar no sólo algunas de sus pinturas realizadas entre principios de siglo y los años veinte, sino también piezas de otros ámbitos de expresión que el artista holandés cultivó, como la ilustración y la obra gráfica.
Para acentuar el tráfico de influencias que se produce en el arte en esos inicios del siglo XX -el público verá citas o influencias de Matisse, de Dérain, de Braque o incluso de Klimt-, en algunas salas se confrontan las obras de Van Dongen con piezas de Picasso.
Son extraordinariamente parecidos los dos retratos que Picasso y Van Dongen hicieron de sus respectivos padres.
El comisario ha preferido ordenar las obras según un criterio cronológico, porque permite entender mejor la evolución del pintor, pero también para evidenciar sus inquietudes recurrentes, sus rasgos y sus características más personales.
Al final de la exposición, se muestra un Van Dongen convertido en una especie de Gran Gatsby holandés, que refleja en su arte la vida mundana de los felices años 20 primero de París y después de Mónaco.
La exposición no olvida además la relación del artista con Barcelona, que se produjo con motivo de la exposición individual que las Galerías Dalmau dedicaron a Van Dongen en 1915.
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El MoMA explorará la extensa carrera de Tim Burton en una gran retrospectiva
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10/06/2009
Nueva York
Cientos de dibujos, guiones gráficos, marionetas, maquetas y vestuarios originales explorarán la extensa carrera del cineasta y escritor estadounidense Tim Burton, en una retrospectiva que inaugurará el Museo de Arte Moderno de Nueva York el próximo 22 de noviembre.
"No hay ningún cineasta vivo que posea el éxito y la reputación de Tim Burton y que haya escondido tan bien al público su trabajo completo", indicó hoy el comisario de la exposición, Ron Magliozzi, en un comunicado de prensa.
 Añadió que "ver tantos trabajos antes inaccesibles y en el contexto de un museo servirá para avivar una apreciación renovada y fresca de este admirado artista".
La exposición, organizada en colaboración con Burton, explora la carrera de este artista desde sus trabajos más tempranos creados durante su infancia y juventud en California hasta las producciones cinematográficas que lo llevaron al éxito.
"Beetlejuice" (1988), "Batman" (1989), "Eduardo Manos de tijeras" (1990), "Pesadilla antes de navidad" (1993), "El planeta de los simios" (2001), "Big Fish" (2003), y "Sweeney Todd" (2007) son solo algunas de las 14 películas que el museo proyectará durante los cinco meses que durará la retrospectiva.
"Burton se inspiró en la cultura pop y reinventó la manera de hacer cine en Hollywood al convertir el género en una expresión de su visión personal, por lo que ganó una audiencia internacional e influyó a una generación de jóvenes artistas del mundo del cine, el vídeo y los gráficos", expresaron los expertos.
Más de 700 objetos raramente o nunca antes vistos estudiarán los 27 años de carrera del ganador de un Globo de Oro, con dibujos y esculturas creadas en el surrealismo pop y material original producido durante sus películas como las cabezas de los extraterrestres de "Mars Attacks!" y los vestidos de época de "Sleepy Hollow" (1999).
De su etapa más temprana se presentarán sus primeras películas, dibujos y caricaturas como estudiante del Instituto de las Artes de California, además de una selección de fotografías Polaroid y otros trabajos como el cuento "La melancólica muerte del Chicho Ostra y otras historias" (1997) y la serie de figuras coleccionables "Los trágicos muñecos para niños y niñas de Tim Burton" (2003).
Sobre su trabajo adulto se exploran sus nociones de creación de criaturas, los motivos de modificación de caras y cuerpos, su recurrente tema de la interacción entre adolescencia y vida adulta y los elementos de sentimiento, cinismo y humor que forman el trabajo de Burton.
La muestra, que permanecerá hasta el 26 de abril del año que viene, se presentará conjuntamente con "La morbosa belleza de los monstruos", una serie de proyecciones de películas que a Burton le inspiraron títulos como "Frankenstein" o "Nosferatu".
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Roban un cuaderno de dibujos de Picasso en su museo de París
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09/06/2009
París
Un cuaderno de dibujos del pintor español Pablo Picasso, valorado entre tres y cuatro millones de euros, fue robado del museo del artista malagueño en París.
La pieza sustraída contenía una treintena de dibujos y fue robada entre ayer y hoy, día de cierre del museo, sin que se haya registrado la ruptura de ningún elemento de la pinacoteca, situada en un palacete barroco del siglo XVII, indicaron fuentes policiales.
Los trabajadores del museo, en el distrito III de la capital francesa, descubrieron el robo cuando efectuaban un inventario. Según las fuentes, la obra fue vista ayer en la vitrina en la que estaba expuesta y hoy ya no se encontraba.
El Ministerio de Cultura indicó en un comunicado que la vitrina estaba cerrada al exterior pero que su apertura no precisaba de ninguna herramienta específica. La investigación del robo fue confiada a la brigada de represión de la criminalidad.
Según figura en la nota explicativa al lado de la vitrina en la que estaba el cuaderno, se trata de dibujos hechos con lápiz de mina de plomo sobre papel para tinta pintados por Picasso en dos etapas, entre 1917 y 1918, y entre 1923 y 1924. El Ministerio de Cultura precisó que se trata de 33 dibujos reunidos en un cuaderno de formato 16x24 centímetros y que la tapa del mismo, tintada de rojo, tenía la inscripción 'Álbum' en letras doradas.
 El museo Picasso está siendo sometido a obras de remodelación, por lo que las obras más importantes del mismo han sido prestadas a otras instituciones con el doble fin de facilitar los trabajos y de financiarlos.
Se trata de un nuevo robo de obras del pintor malagueño en la capital francesa, tras el que se produjo en febrero de 2007, cuando los ladrones sustrajeron de la casa parisiense de Diana Widmaier-Picasso, nieta del creador del cubismo, dos de sus obras valoradas en unos 50 millones de euros.
'Maya à la poupée' (1938) y 'Portrait de Jacqueline' (1961) fueron recuperados por la policía medio año más tarde.
Marina Picasso, otra de las nietas del pintor, sufrió el robo de una quincena de cuadros en su casa de Cannes el 5 de noviembre de 1989, aunque las obras aparecieron cuatro días después.
En enero de 2004, una naturaleza muerta de Picasso fue sustraída del museo Georges Pompidou de París, y tres meses más tarde encontrada. Pero el robo más importante en Francia se remonta a 1976, cuando fueron sustraídas 118 obras de Picasso del Museo de Aviñón.
Otros robos de obras de Picasso se han sucedido en Zúrich, donde en 1994 desaparecieron casi veinte telas en una galería de arte, y Londres, donde en 1997 un hombre se llevó la escultura 'Tète de Femme', que fue recuperada.
En Río de Janeiro se llevaron en 2006 'El retrato de Suzanne Bloch' y en Sao Paulo fueron sustraídos en diciembre de 2007 y junio de 2008 tres grabados del genio malagueño que finalmente recuperó la policía brasileña.
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El MACBA funda la red 'L'Internationale'
junto con otros tres museos europeos
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08/06/2009
Barcelona
El MACBA ha fundado la red museística 'L'Internationale', junto con otros tres museos y archivos europeos, con el objetivo de cuestionar de forma plural las narrativas del arte e investigar nuevas líneas, según ha informado el museo barcelonés.
En esta red museística participan además la Moderna Galerija de Ljubljana (Eslovenia), el Van Abbemuseum de Eindhoven (Holanda) y la Július Koller Society de Bratislava (Eslovaquia).
 'L'Internationale' supone una nueva colaboración a largo plazo entre estos cuatro museos y archivos europeos, cuya finalidad es, según un portavoz del MACBA, 'cuestionar de forma colectiva las narrativas dominantes en la historia del arte, abrir nuevas líneas e indagar las diferencias entre localidades'.
Más allá de la dinámica de las grandes instituciones actuales, esta plataforma pretende una colaboración entre museos, sus colecciones, sus archivos y su historia, de la que surjan narrativas artísticas trasnacionales, y reconsiderar el internacionalismo y el translocalismo como medidas más sensibles para reescribir el arte de posguerra y su relación con la sociedad.
Las iniciativas concretas de 'L'Internationale' son desarrollar metodologías comunes para la presentación, la investigación y la divulgación a través de una cooperación a largo plazo.
Esta cooperación se centrará en la sustitución del 'espectáculo institucional' por un escenario de presencia continua.
En el caso del MACBA, los frutos de esta colaboración se materializarán en la programación de 2010 y en la presentación de la nueva Colección del museo de 2011.
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El Museo Thyssen descubre la etapa menos conocida de Matisse
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07/06/2009
Madrid
El Museo Thyssen-Bornemisza reivindica al Matisse más íntimo y maduro con la exposición 'Matisse, 1917-1941' que incluye 74 pinturas, esculturas y dibujos que el artista realizó en el tramo central de su carrera. Un periodo "injustamente despreciado por la crítica vanguardista" porque Matisse abandonó su radicalismo y optó por un formato "más intimo y próximo al espectador", según explicó el conservador jefe del Museo, Guillermo Solana. La mayoría de las obras no han sido nunca expuestas en España. Su comisario es Tomás Llorens, ex director del Museo Thyssen.
Según explicó el conservador jefe del Museo, era "necesario" abordar a este pintor clásico, "muy apreciado" por el público español, y centrar la muestra en los años centrales de su carrera en los que artista tenía "pleno dominio" de sus recursos y fue capaz de crear un "microcosmos" con sus temas clásicos: los interiores, el paisaje y los jardines, los desnudos y la decoración exuberante.
En esta etapa, el artista decide aislarse en Niza y sumergirse en la investigación sistemática de las condiciones de la nueva pintura. Matisse encuentra su estilo más personal y al que, sin embargo, se le ha prestado menos atención que al comienzo o al final de su carrera.
El LUJO DE LOS SENTIDOS
Para Tomas Llorens, esta exposición reivindica una noción de la pintura y la creación artística como "un lujo de los sentidos" pero un lujo, al fin de cuentas, "necesario" para el alma y el espíritu. La reivindicación de este lujo por parte del propio artista en 1942, cuando la mitad de Europa permanecía ocupada y destrozada por la Guerra, es para LLorens una de las claves de su obra.
 La muestra, que permanecerá abierta hasta el 20 de septiembre, se estructura en seis secciones temáticas con una disposición "espaciada" y "elegante" de las obras, según apuntó Guillermo Solana.
Al comienzo de la exposición, se exhiben los cuadros hechos en los primeros años de su retiro a Niza (Francia). Uno de los motivos dominantes es la ventana. Según explica Tomás Llorens en el catálogo de la muestra, Matisse fue siempre "un pintor de ventanas, pero lo fue sobre todo en ese nuevo comienzo de 1918". De esta época es su famoso lienzo, 'El violinista en la ventana'.
El recorrido de la exposición continúa con una sala dedicada a la exploración del espacio exterior a través de la pintura de paisajes yjardines, vistos a veces también desde la altura de un balcón o una ventana.
En el tercer capítulo se muestran sus naturalezas muertas y se yuxtaponen a escenas de interior pintadas con las puertas o las ventanas cerradas. Las modelos se nos muestran a veces ensimismadas, a veces, durmiendo. Flores, espejos, sedas y joyas atraen la mirada del pintor. En el arabesco del pincel se esconden tanto el deseo como el desmayo o la tristeza.
En la siguiente sección, se observa cómo el pintor vuelve a la reflexión sobre el arte musulmán (textil) que, desde finales de la primera década del siglo XX, había sido determinante para su obra.
El DESNUDO FEMENINO
A continuación, llegamos al desnudo femenino, como el centro atención principal del pintor. El espejo le ayuda a estudiar todos los problemas de la pintura.
En la segunda mitad de los años 1930, Matisse refuerza su aislamiento e intensifica su dedicación obstinada a la pintura. Vuelve a la pintura de caballete, aunque dejándose contaminar ahora por la abstracción que había alcanzado en la Danza de la Fundación Barnes y en el Desnudo de espaldas IV. Sus figuras se nos presentan cada vez más absortas en sí mismas, más nocturnas e inalcanzables. El color se hace más incorpóreo y la forma se reduce a trazo, signo que fluye.
Las series de dibujos que el pintor agrupó bajo el título de'Temas y variaciones' (1942) constituyen el final de una época y de la exposición.
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El Louvre presta 'El piojoso', de Murillo, al Bellas Artes
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06/06/2009
Sevilla
El cuadro Joven mendigo, también conocido como El piojoso, una de las obras más célebres de Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) y uno de los tesoros del Museo del Louvre, podrá ser contemplado en Sevilla en 2010. Una gran exposición dedicada a la pintura de juventud de Murillo llegará al Museo de Bellas Artes de Sevilla en febrero.
La muestra del pintor sevillano, que está organizada por la Junta y se prolongará hasta mayo, tendrá como comisarios a Alfonso Pérez Sánchez, ex director del Museo del Prado, y a Benito Navarrete, asesor del Centro Velázquez de Sevilla. Precisamente, Navarrete anunció ayer la conclusión de la negociación con los responsables de la pinacoteca parisina para que El piojoso esté en Sevilla.
"La negociación con el Louvre ha llevado meses. Ha sido la más difícil de mi vida. Al final, el director del Louvre me ha dicho que concede el préstamo. El cuadro representa la quintaesencia de Murillo", recordó Navarrete.
La exposición dedicada al joven Murillo recorre su trayectoria artística entre los años 1640 y 1655 y consta de 40 obras. "Hablamos del periodo en que se forma como artista y toma la senda del naturalismo. Posteriormente, a partir de 1655, Murillo cambió por completo hacia un neovenecianismo", comentó Navarrete. La muestra se centrará en un periodo en el que "Murillo adoptó como suya la atención de los niños desamparados que desarrollaban los franciscanos en Sevilla", según Navarrete. "El cuadro forma parte de un grupo de obras que salieron de España en el siglo XVII", añadió el asesor del Centro Velázquez.
El piojoso, que está fechado hacia 1650, es un óleo sobre lienzo que mide 134 centímetros de alto por 110 de ancho. Fue adquirido en 1782 para las colecciones reales de Luis XVI.
La exposición, que se inaugurará en octubre en Bilbao, contará con varias obras clave del pintor sevillano procedentes de museos europeos, como Dos niños comiendo melón y uvas, Vieja con cesta de huevos y gallinas, La visión de San Lauterio, La serrana y La vieja gitana con el niño.
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Museo de Segovia inaugura una muestra
de Esteban Vicente en su décimo aniversario
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06/06/2009
Segovia
El Museo de Arte Contemporáneo de Segovia abre una muestra con la colección permanente del pintor Esteban Vicente, coincidiendo con el cierre de las celebraciones del décimo aniversario de la apertura de esta instalación, que ocupa parte del antiguo palacio medieval de Enrique IV.
 El montaje de las obras es el mismo que el que se presentó el día de la inauguración del museo, el 28 de abril de 1998, bajo la presidencia de la Infanta Cristina, en presencia del que fue el único español en la llamada Escuela de Nueva York del impresionismo abstracto norteamericano.
La colección está compuesta por un total de 153 obras, donadas por Esteban Vicente y su esposa Harriet G. Vicente, cuyos restos mortales reposan juntos en el jardín del museo, junto al edificio palaciego expropiado por la Junta de Castilla y León, para emprender la ampliación de las instalaciones.
El legado, donde se puede observar la evolución del pintor desde 1925 a 2000, distribuido ahora por todas las salas del museo, lo integran 48 óleos, 27 collages, 51 dibujos, cuatro acuarelas, 16 esculturas de pequeño formato, un tapiz, dos litografías y cuatro serigrafías. Sólo en tres ocasiones -1998, 2003 y 2005- se ha podido mostrar de forma completa la trayectoria del artista, tiempo durante el que el museo ha presentado alrededor de 37 exposiciones en sus salas, algunas dedicadas a Esteban y otras a distintas manifestaciones del arte actual.
Nacido en Turégano (Segovia), en 1903, aunque poco después su familia se trasladó a Madrid, Esteban Vicente se definió como 'un castellano puro', pese a llegar en Nueva York, desde 1936, 'un anarquista' que destacaba el valor del individuo por encima de los grupos, como le gustaba decir.
Gran defensor de la cultura española, figura vinculado a la Generación el 27, como un pintor poeta, que tanto ha significado para la literatura, la poesía y el arte en España, amigo de escritores y artistas como García Lorca, Juan Ramón Jiménez, Alberti, Luis Buñuel, Juan Bonafé o el polaco Wadislaw Jahl.
De la inauguración, fuentes del museo recuerdan la emoción de Esteban al poder vivir una un acontecimiento como el que se estaba produciendo: dedicar un museo a su figura y a su obra, con exposiciones de arte contemporáneo.
Por eso su deseo fue reposar allí al final de sus días, tras morir el 11 de enero de 2001, poco antes de cumplir los 98 años, en su casa de Bridgehampton (Long Island).
A Vicente, según confesaba, le dolía mucho que hubiera cuadros suyos en los sótanos del Metropolitan porque no era popular y añadía: 'Nunca he querido serlo, es una pena comprar las colecciones para luego guardarlas y que no las vea el público'.
Defensor de los valores de la cultura mediterránea por encima de la anglosajona, le gustaba quedar al margen de encasillamientos en los movimientos artísticos porque, según entendía: 'Las escuelas son una manera de evitar la responsabilidad de cada uno'.
El museo segoviano alberga la biblioteca particular del artista; un duplicado del archivo personal, al que se ha añadido una sección de actualización permanente, y la mayor parte de las publicaciones sobre el artista.
Asimismio cuenta con secciones especializadas dedicadas al expresionismo abstracto americano y movimientos relacionados con su trayectoria.
Los responsables de la pinacoteca estiman que la ampliación podrá ser inaugurada en 2012, lo que permitirá exponer en el nuevo edificio, de manera estable, la colección permanente, quedando el antiguo destinado a las exposiciones temporales.
Por este motivo entienden que ahora se trata de una gran ocasión para volver a disfrutar de la trayectoria completa de Esteban Vicente, máxime en estas fechas en que la presencia de visitantes en Segovia se ve incrementada.
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El Metropolitan de Nueva York expondrá la primera pintura de Miguel Ángel
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05/06/2009
Nueva York
La primera pintura conocida de uno de los grandes maestros del Renacimiento italiano, Miguel Ángel Buonarroti, titulada 'El tormento de San Antonio', se mostrará el próximo 16 de junio en el museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
 La institución informó hoy de la presentación de esa pintura, que habría sido realizada por el artista italiano cuando era un adolescente de doce o trece años, y que ha sido adquirida por el museo de arte Kimbell de Forth Worth (Texas).
Esa obra de Miguel Ángel (1475-1564) está siendo examinada por la institución neoyorquina, que la expondrá desde el 16 de junio al 7 de septiembre próximo, para volver después al museo texano como parte de su colección permanente.
El maestro renacentista habría pintado a San Antonio atormentado por los demonios con la referencia del grabado sobre el mismo tema de Martin Schongauer (1448-1491), entre 1487-88 y bajo las orientaciones de su amigo, el pintor manierista florentino Francesco Granacci (1469-1543), indicó el museo mediante un comunicado de prensa.
La institución neoyorquina estudia esta pintura de Miguel Ángel para determinar que era la obra a la que se refirieron los biógrafos del artista, pese a que nunca llamó especialmente la atención.
'El tormento de San Antonio', que fue adquirido inicialmente en 1830 por un escultor francés en Pisa (Italia), había acumulado varias capas de barniz decolarado que habían ocultado la calidad de la pintura.
La restauración ha estado a cargo del responsable de conservación del museo neoyorquino, Michael Gallagher, quien mediante la utilización de técnicas de reflectografía ha podido revelar la manera en que Miguel Ángel modificó y trabajó con la composición de Schongauer como referencia.
Junto a esa obra temprana del artista italiano, la institución expondrá otras pinturas de su colección permanente como 'Madonna con niño' y un tríptico sobre la Crucifixión, de Granacci, y 'Retrato de Miguel Ángel', de Daniele da Volterra (1509-1566), uno de sus discípulos.
También se expondrá un facsímil sobre el grabado de Schongauer que inspiró esta obra de Miguel Ángel, la primera que hay en una colección estadounidense y una de las únicas cuatro pinturas realizadas en caballete que se le atribuyen.
Las otras son una pintura en tondo, realizada en forma de disco, que está en la Galleria Uffizi, de Florencia, y otras dos de tema religioso e inacabadas que pertenecen a la National Gallery, de Londres.
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Los mundos del Islam en CaixaForum Madrid
muestra los tesoros del Museo Aga Khan
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05/06/2009
Madrid
Si hay que hacer caso a los expertos en geopolítica, son tiempos de choque y al mismo tiempo de alianza de civilizaciones. Oriente y Occidente dialogan a veces y se enfrentan otras, incapaces de vencer los abismos de la incomprensión. Quizás porque no son pocos los mitos falsos sobre el islam que circulan por el mundo cristiano, como explicaba ayer Luis Monreal, director general del Aga Khan Trust for Culture, la entidad filantrópica creada por el líder de los ismaelíes, y que ha aportado las piezas de la exposición Los mundos del Islam en la colección del Museo Aga Khan en la sede madrileña del CaixaForum.
 La muestra, que podrá verse hasta el 6 de septiembre, reúne 190 piezas que abarcan 1.400 años de historia de todas las dinastías del mundo musulmán que se establecieron desde la Península Ibérica hasta el Lejano Oriente: abasies, omeyas, fatimíes y mamelucos, otomanos, safavíes y qayaríes y mogules. La exposición fue inaugurada por los Reyes y el príncipe Karim Aga Jan.
Una de las falsas creencias que ayer Monreal desbarató es que el mundo islámico es monolítico: "El islam es un mundo plural desde un punto de vista étnico y lingüístico". Y recordó que para la mayor parte de los musulmanes el árabe es una lengua "tan extraña para nosotros como el latín". Otro de los falsos mitos es que el islam prohíbe la representación humana y animal -precepto que sólo es aplicable a los edificios u objetos religiosos- como desmienten muchos de los manuscritos y miniaturas de la muestra, que ha recorrido algunas ciudades del mundo antes de llegar a Madrid y viajará después a Barcelona. Para su parada española, el comisario de la muestra, Benoît Junod, director de Museos y Exposiciones del Aga Khan Trust for Culture, ha tenido especialmente en cuenta el pasado de Al Andalus. Entre las piezas estrellas Monreal destacó un astrolabio fabricado en Toledo: "Tiene inscripciones en árabe, hebreo y latín y es un epítome de la convivencia de las tres culturas".
Una túnica del siglo XIII o XIV hallada en el desierto de Gobi, los tres alfardíes nazaríes que reciben al visitante o un Corán completo escrito en letra microscópica sobre un lienzo de tela son otras de las joyas expuestas.
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Fundació Pilar i Joan Miró organiza exposición sobre la obra joven de Barceló
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04/06/2009
Palma de Mallorca
La "Fundació Pilar i Joan Miró" de Palma, en colaboración con "les Abattoirs. Musée d'Art Moderne et Contemporain" de Toulouse y "Arts Santa Mònica" de Barcelona, ha organizado una exposición sobre las primeras obras de Miquel Barceló, que se instalará en esas tres ciudades.
La exposición "Barceló antes de Barceló. 1973-1982", según informa la fundación palmesana en un comunicado, incluye unas cien obras de la etapa inicial de Barceló, producidas entre 1973 hasta 1982, año en el que alcanzó la proyección internacional con su participación en el certamen Documenta, de Kassel.
 La muestra, que incluye muchas obras desconocidas, pretende dar a conocer la primera etapa del pintor mallorquín, en la que ya empleaba "algunos de los trazos más significativos y constantes" de su trayectoria del artística.
Las obras pertenecen a la colección personal de Barceló y a diferentes instituciones públicas y privadas de España y de Francia, así como a colecciones particulares.
La exposición se estructurará en seis apartados, denominados Bestiario, Vanitas, Poesía experimental, Libros, Retratos y autoretratos, y Elementos del paisaje.
La muestra se podrá ver en Palma del 24 de junio al 27 de septiembre; en Toulouse, del 15 de octubre al 31 de enero de 2010; y en Barcelona, del 14 de julio al 3 de octubre del próximo año.
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El doble de Tutankamón aguarda bajo las bóvedas góticas del Museo Marítimo
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03/06/2009
Barcelona
Insólito encuentro el de Tutankamón y el gótico. Claro que no es el Tutankamón de verdad. La impresionante exposición de copias de los tesoros del más popular faraón de Egipto (en la actualidad, porque hasta que lo encontró Carter no era sino un nombre oscuro perdido en un océano de arena y tiempo) ha recalado en el Museo Marítimo de Barcelona, donde podrá visitarse hasta el 6 de septiembre.
 El falso brillo del oro del ajuar de Tut lanza destellos bajo las bóvedas de piedra componiendo una extravagante visión.
La exposición, que ha congregado a casi 600.000 personas en las ciudades en que se ha exhibido anteriormente (Brno, Munich y Zurich), reúne un millar de objetos que son copias más o menos afortunadas de los hallados en la tumba del rey, descubierta en 1922. Los responsables de la exposición, organizada por la empresa de macroconciertos y eventos alemana Semmel, destacan el valor pedagógico de la misma, pues permite visualizar cómo estaban emplazados originalmente los objetos en la tumba, comprender su función y vivir la emoción del hallazgo. Otra ventaja es que como son copias, pues no hay que protegerlas, así que no hay vitrinas ni barreras y te puedes acercar todo lo que quieras, incluso -si te atreves- a la momia de Tutankamón (falsa pero muy realista en su renegrida majestad).
Los objetos se muestran dos veces: la primera en escenografías que reproducen a tamaño natural los diferentes espacios de la tumba al investigarla Carter, y la segunda, expuestos individualmente. El recorrido se hace con audioguía y está apoyado por audiovisuales y una evocadora ambientación musical.
La exposición cuenta con el asesoramiento científico de varios egiptólogos internacionales.
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Museo Príncipe Felipe muestra el pasado y presente de la ecología en España
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03/06/2009
Valencia
El Museo de las Ciencias Príncipe Felipe acoge hasta el próximo 30 de agosto, la exposición "150 años de Ecología en España. Ciencia para una tierra frágil", una exposición que muestra el pasado y el presente de la ecología en nuestro país.
 La exposición, que está realizada por el Museo Nacional de Ciencias Naturales (CSIC) y la Fundación Banco Santander, rinde un homenaje a naturalistas y ecólogos, y muestra cómo la evolución de esta ciencia ha repercutido en la sociedad.
Según un comunicado de la Generalitat, a la inauguración de la exposición han asistido el director general y el director científico de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, Jorge Vela y Manuel Toharia, respectivamente; el director del Museo Nacional de Ciencias Naturales, Alfonso Navas, el comisario de la muestra, Santos Casado, y el director gerente de la Fundación Banco Santander, Javier Aguado Sobrino.
A través de fotografías, mapas, publicaciones y dibujos, se presenta la relación entre ciencia, sociedad y naturaleza, al tiempo que se combinan con elementos históricos que van, desde 1857, hasta las investigaciones actuales.
De este modo, la exposición muestra ciento cincuenta años, no sólo de la historia ecológica de España y los pioneros en esta materia, sino también de los descubrimientos científicos, los datos de la naturaleza y los estudios realizados durante todo este periodo.
También aparecen cuestiones vinculadas con la actualidad como los incendios, la desaparición de ecosistemas y la extinción masiva de especies, los espacios protegidos, el cambio global y la sostenibilidad.
Así mismo, la muestra aborda temas que van del individuo al paisaje, donde aparece la relación del hombre con los ecosistemas, en un intento de evidenciar que el desarrollo científico es indisociable de una conciencia ciudadana que ha ido experimentando cambios con el paso del tiempo.
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Exposición 'Cambio climático. Preguntas y respuestas'
en el Museo de la Ciencia de Valladolid
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02/06/2009
Valladolid
El Museo de la Ciencia de Valladolid inaugura la exposición 'Cambio Climático. Preguntas y Respuestas', una muestra producida por Caixa Catalunya que permanecerá expuesta en la Sala de Exposiciones Temporales hasta el 12 de octubre del 2009.
El acto contará con la presencia del alcalde de Valladolid, Francisco Javier León de la Riva; el director territorial de Caixa Catalunya Castilla y León, Miguel Plaza; el director del Área de Territorio y Paisaje de la Obra Social de Caixa Catalunya, Miquel Rafa; la directora del Museo de la Ciencia, Inés Rodríguez Hidalgo; y el comisario de la exposición, Ramon Folch.
'Cambio Climático. Preguntas y Respuestas' pretende dar respuesta a la incertidumbre generada por un fenómeno de escala planetaria que tendrá consecuencias en la vida diaria de los ciudadanos.
Para ello, la exposición rastrea las manifestaciones del calentamiento global a escala planetaria, identificando los actores principales que lo han propiciado, con el fin de evidenciar en manos de quién está la responsabilidad de la mitigación y adaptación al cambio.
Con ello, el visitante podrá reconocerse como uno de esos actores, ya que no sólo participa en las causas del calentamiento, sino que en futuro próximo deberá modificar sus patrones vitales para reducir las repercusiones y adaptarse a los desajustes sociales y económicos, ya que el cambio climático repercutirá sobre todo en nuestra forma de vida actual.
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«Vista y plano de Toledo» de El Greco,
invitado excepcional del Museo del Prado
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01/06/2009
Madrid
Aprovechando la obras de reforma del Museo del Greco en Toledo, el cuadro 'Vista y plano de Toledo', una de las obras "más singulares" de El Greco se exhibe en el Museo del Prado tras una restauración "delicada y compleja", realizada por Rafael Alonso, restaurador del Prado. 'Vista y plano de Toledo' estará acompañado en la sala 8A, de otras tres pinturas del artista-- 'San Sebastián', 'San Andrés' y 'San Francisco y 'San Bernardino'.
El cuadro 'Vista y plano de Toledo' refleja un plano detallado del entramado urbano de Toledo junto a una "personificación del río Tajo" en un Dios joven y encima de ambos se muestra la imagen religiosa más significativa del lugar: la Virgen imponiendo la casulla a San Ildefonso, patrón de la ciudad.
Pintado por el Greco en sus últimos años de vida, es el primer plano de una ciudad española al natural y sin ninguna "invención", según apuntó hoy su restaurador Rafael Alonso. Muestra todo el perfil de Toledo desde el camino a Madrid y probablemente fue pintado desde el Hospital de Tavera, que aparece sobre una nube, en referencia explicita al administrador del edificio, Pedro Salazar de Mendoza, amigo del pintor y seguramente autor del encargo de la obra.
Rafael Alonso, quien ya realizó en 1984 una primera intervención sobre este cuadro, aseguró que en esta nueva restauración ha intentado unir las "interrupciones del color" que ofrecían una imagen del cuadro como "a manchones", principalmente en el suelo y en las nubes. Gracias a una limpieza somera del barniz y un cuidadoso retoque cromático, el cuadro 'Vista y plano de Toledo' vuelve a lucir toda su capa pictórica.
Reapertura
Debido a la extrema fragilidad de este cuadro, es la primera vez que sale de Toledo y se espera que esté en el Museo del Prado todo un año hasta que se produzca la reapertura del Museo del Greco, prevista para el primer semestre del 2011, según indicó Santiago Palomero, subdirector adjunto de Museos Estatales del Ministerio de Cultura.
El futuro Museo del Greco -que abandona su antiguo nombre 'Casa Museo del Greco' tras descubrir que no fue el hogar del artista- abrirá sus puertas en 2011 con un "nuevo recorrido", más "fácil" y ligero para el visitante, según explicó Leticia Ruiz, conservadora responsable de la colección de El Greco y especialista en la obra del artista. Además el futuro Museo del Greco albergará, por primera vez, una sala dedicada a Luis Tristán, principal discípulo del maestro toledano, quien entró a trabajar como obrador en su taller e imitó su estilo hasta el punto de que los críticos e historiadores han confundido en ocasiones las obras de ambos.
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