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El Museo de Historia de Barcelona preservará un legado de 900 piezas

31/03/2009
Barcelona
Más de 900 piezas de maquinaria, herramientas y documentación de la Fábrica Fabra i Coats del distrito de Sant Andreu de Barcelona se expondrán en el futuro Centro de Interpretación del Trabajo del Museo de Historia de Barcelona (Muhba), que se ubicará en uno de los espacios de esta antigua fábrica textil, construida en el siglo XIX y en funcionamiento hasta hace unos años.

La Asociación Amigos de la Fabra i Coats ha cedido la citada colección al Ayuntamiento de Barcelona, según acordaron hoy, el representante de la entidad, Pere Fernández; el teniente de alcalde, Carles Martí, y la concejal del Distrito de Sant Andreu, Gemma Mombrú.

La Fábrica Fabra i Coats es un ejemplo de los primeros modelos de fábrica al estilo inglés construidos en el área metropolitana de Barcelona, y que Martí calificó de "pieza emblemática" de la zona industrial de la ciudad.

Mombrú destacó el valor histórico que tiene la fábrica tanto para la ciudad como para las personas que viven en el distrito y destacó que, "detrás de estas piezas" cedidas, está la labor de las más de 70.000 personas que han trabajado en ella durante todos estos años.

Este centro del Muhba se dividirá en tres espacios, el Centro de archivo y documentación, la exposición permanente y el centro de debate y las salas o espacios interpretativos del sistema energético, donde están las calderas y el cuadro eléctrico necesarios para hacer funcionar la fábrica.

Entre los objetivos, el centro pretende abordar la relación entre el trabajo, el barrio y la ciudad vinculando la trayectoria local a los cambios mundiales desde el inicio de la industrialización hasta la nueva era de las telecomunicaciones.

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El Museo del Prado acaricia el Atlántico

30/03/2009
Tenerife
Cincuenta y nueve obras de la Pinacoteca nacional componen el catálogo de la magna exposición que se inaugura mañana en el Espacio Cultural de CajaCanarias de la capital tinerfeña bajo el título "El bodegón español en el Prado". Zurbarán, Van der Hamen, Luis Paret, Juan Bautista Romero, Antonio Ponce, Juan Fernández "el Labrador"... forman un relación de hasta 27 creadores cuyas obras integran la columna vertebral de una muestra dedicada a la naturaleza muerta que abrirá sus puertas al público a las 20:30 horas y que se podrá visitar hasta el 31 de mayo.

Este reto expositivo, que recaló ya en la capital maña durante un proyecto cultural que se desarrolló en paralelo a la Expo Zaragoza 08, tiene como comisario al historiador y geógrafo madrileño Juan J. Luna, jefe del Departamento de Pintura del siglo XVIII del Prado, quien se considera "el punto final de la evolución de un trabajo en el que participan muchas personas".

Tras su escala en Canarias, la primera de las dos que ha programado la dirección del Prado antes de 2010, las pinturas se exhibirán en La Coruña y en Valladolid. La muestra que mañana se inaugura en Tenerife "introduce algunos cambios con respecto a la que se pudo ver en Zaragoza", avanza Juan J. Luna; "después", añade, "no se ha decidido aún si, tras Valladolid, irá a otra ciudad española o regresará al Prado".

"Hasta que llega el día de presentar una exposición todo es inquietud", admite el comisario. "Somos un equipo con muchas piezas que tienen que encajar bien para que el resultado sea el mejor", reitera sobre la muestra que visitará César Antonio Molina, ministro de Cultura, mañana al mediodía. Antes, a las 10:30 horas, tendrá lugar el acto inaugural en el que, entre otras personalidades, estarán presentes Álvaro Arvelo, presidente de CajaCanarias, Plácido Arango, máximo responsable del Real Patronato de Museos del Prado, Miguel Zugaza, director de la Pinacoteca nacional, y el propio Juan J. Luna, quienes facilitarán las claves de la primera muestra monográfica de obras del Prado que se realiza en el Archipiélago.

"Pequeño mundo rodante"
"Tengo la suerte de trabajar con un arquitecto muy bueno", declara Luna a propósito del proceso organizativo de las muestras itinerantes del Prado. "Esto es como un pequeño mundo que va rodando por diferentes ciudades de España y en el que todos sus miembros son protagonistas. Yo estoy en la punta del operativo, pero aquí hay que destacar la labor de los especialistas que embalado las obras, los pintores que han acondicionado la sala, los electricistas... Una exposición mal iluminada no se deja ver y le puede crear muchos problemas al espectador. La luz es decisiva, pero también lo son los seguros (alguna vez ha estado al frente de muestras cuyas pólizas cubrían posibles daños por cifras astronómicas) o aspectos aparentemente sencillos como la elaboración de un catálogo o un discurso de presentación", aclara Luna.

Sobre las dificultades que comporta el traslado de las obras a Canarias, el comisario de "El bodegón español en el Prado" alega que "es mucho más complicada llevarlas a China o Japón".

Cada vez que un cuadro sale del Prado tiene que pasar antes por el "taller". Allí, los restauradores determinan el estado de conservación de la pintura, un posible cambio de marcos o la posición exacta que va a ocupar sobre una pared. "Nunca corremos riesgos porque se eligen los mejores sitios. Aquí, el techo está un poco bajo y las mediciones de humedad han dado registros elevados, pero la sala de CajaCanarias es magnífica", elogia Luna, quien en estos momentos tiene entre manos el traslado de ocho bodegones de Luis E. Meléndez, propiedad del Prado, a una sala de Washington.

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Jerez trabaja para crear el Museo de Lola Flores

29/03/2009
Jerez
Sólo podía ser en San Miguel, cerca de la calle Sol donde nació, cerca de la plaza en la que una estatua la homenajea, cerca del corazón de un barrio que es una de las cunas del flamenco que ella paseó por todo el mundo. El futuro Museo de Lola Flores ya tiene ubicación: el Palacio Villapanés, una magnífico enclave ubicado justo a la espalda de la escultura que le dedicó la ciudad y que modeló Víctor Ochoa. 

La alcaldesa de Jerez, Pilar Sánchez, fue la encargada de anunciar ayer que pronto se cumplirá el objetivo tan perseguido de que Lola Flores, ilustre jerezana, tengo una museo dedicado a su memoria.

Así, el espacio dentro del palacio que se dedicará a la Faraona albergará libros biográficos de la familia Flores, trajes y enseres de la cantaora, pero también está previsto que sea un lugar de encuentro de jóvenes artistas que podrán formarse o encontrar un trampolín para avanzar en sus carreras. Sin ir más lejos, la propia primera edil jerezana apuntó ayer que «seguramente se constituirá una fundación que permitirá todo este tipo de iniciativas que van a dotar de aún mayor contenido a este barrio flamenco». 

La iniciativa de un museo dedicado a Lola Flores se podría concretar próximamente a través de un convenio entre el Ayuntamiento y la familia de la artista. De hecho, el equipo de Gobierno, que lleva meses trabajando en este proyecto, ya ha mantenido varias conversaciones con Lolita, hija de la cantaora jerezana, en las que ésta les ha transmitido su alegría y la de su hermana por la puesta en marcha de este proyecto. 

El futuro museo se ubicará en un lugar emblemático de la ciudad y de la vida de la Faraona, y en un palacio donde además está prevista la creación de una residencia universitaria con un centenar de alojamientos para estudiantes y profesores del Campus de Jerez. 

En este punto, la regidora aclaró ayer que el Palacio Villapanés donde la CEU San Pablo tenía su sede dispone de sitio de sobra para albergar ambos proyectos. Del mismo modo, hay que recordar que cuando en noviembre de 2008 se anunció la creación de la residencia ya se recalcó que el edificio tendría que tener más usos. 

Una vez que se cierre el documento que establezca la relación que habrá entre la familia Flores y el Ayuntamiento se iniciarán los trabajos para acondicionar el edificio para «realizar un museo digno». Y es que como la propia alcaldesa reconoció «tenemos que darle el sitio que se merece a Lola Flores, una artista que también ha llevado el nombre de Jerez por todos los rincones no sólo del país, sino de todo el mundo». Sánchez también recalcó que este proyecto se contempla dentro del objetivo marcado por el Ayuntamiento de que 2013 sea el año internacional del flamenco, por lo que se espera que para entonces, dentro de esta legislatura, el museo esté terminado.

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Primer rompehielos nuclear 'Lenin' será museo y hotel de lujo

28/03/2009
Rusia
El primer rompehielos atómico de la historia, 'Lenin', será convertido este año en museo y hotel, dentro de un programa cofinanciado por la Unión Europea, según informó la administración de la región septentrional rusa de Murmansk.

El emblemático rompehielos soviético quedará amarrado dentro de pocos meses en el puerto marítimo de Murmansk, en el mar Blanco, dijo la jefa del departamento de Turismo del Ejecutivo de esa región ártica rusa, Marina Kovtún.

El barco acogerá un museo de la flota atómica civil y de la conquista del Artico y un centro de información sobre asuntos de seguridad nuclear y de radiación, y dispondrá de una cabina de observación de los reactores nucleares, ya desactivados, indicó.

Además, a bordo del rompehielos abrirán sus puertas un hotel con habitaciones de lujo, un restaurante, un pabellón deportivo y dos salas de conferencias y negocios, agregó.

La remodelación del histórico buque comenzó en 2002, y dos años más tarde la región alcanzó un acuerdo con la Unión Europea por el que ésta destinó a dicho proyecto 1,3 millones de euros dentro de su programa TACIS.

El famoso rompehielos, botado en 1959 y destinado a abrir paso a caravanas de buques por la llamada Vía Marítima del Norte, de oeste al este de la URSS a través del océano Glacial Artico, fue retirado del servicio activo en 1989.

Con un desplazamiento de 17.810 toneladas, 134 metros de largo, 27,6 de ancho y 16,1 de altura y 10,5 metros de calado, el 'Lenin' tenía una tripulación de 243 personas y desarrollaba una velocidad de hasta 18 nudos (unos 33 kilómetros por hora).

Durante los 30 años de su funcionamiento, el rompehielos recorrió 654.400 millas marítimas (de ellas 563.600 entre los hielos) y abrió paso a 3.741 barcos, sin haber sufrido ningún accidente a bordo.

Según la Fundación que se hace cargo del legendario buque (que pertenece a la empresa Atomflot, de la corporación rusa de energía atómica Rosátom), a lo largo de su historia éste sólo fue comandado por dos capitanes, Pável Ponomariov (1959-1962) y Borís Sokolov (1962-2001).

El que Sokolov sirviera en el barco doce años después de haber sido retirado éste del servicio se debió a la necesidad de mantener una mínima tripulación en las naves atómicas para cuidar de sus reactores hasta que fueran limpiados de combustible y desactivados.

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El Museo Nacional de Ciencia y Tecnología 
compra la cabina del Jumbo que trajo el Guernica

27/03/2009
A Coruña
El Museo Nacional de Ciencia y Tecnología (MUNCYT) ha adquirido toda la parte delantera, incluida la cabina, de un Jumbo, un Boeing 747, que se convertirá en pieza de su nueva sede central en La Coruña. "El Jumbo es un hito de la aeronáutica comercial del siglo XX, un avión que se recordará, y para el museo será un símbolo, una de las piezas estrellas", anuncia Ramón Núñez director del MUNCYT. Además no es un Jumbo cualquiera, se trata del Lope de Vega de Iberia, que en septiembre de 1981 trajo en su bodega, desde Nueva York a Madrid, el cuadro Guernica de Picasso.

Iberia había empezado a volar este Boeing 747 en marzo de ese mismo año y lo mantuvo en la flota más de 20 años, hasta octubre de 2003, con un intervalo de 10 meses en que estuvo cedido a otra compañía, explica Núñez. Actualmente está aparcado cerca de Barajas, listo para el desguace, ocasión que ha aprovecha el museo para hacerse con esta insólita pieza.

La nueva sede coruñesa del museo abrirá sus puertas al público en el primer trimestre de 2011, pero ya a finales de este año comenzará la colocación de piezas en el edificio, llamado El Prisma de Cristal, con 4.500 metros cuadrados de exposiciones.

La cabina del Jumbo es seguramente la parte más interesante del avión, pero el museo ha elegido aprovechar un trozo mayor, hasta la escalera interior que conduce al piso superior en estos aviones, incluido el tren de aterrizaje delantero.

En total será un fragmento de Jumbo de 12 metros de altura, siete de ancho y 14 de largo. Hay que colocarlo en el edificio antes de que concluyan las obras, porque es necesario hacer adaptaciones y montar una pasarela para facilitar su visita. "Presentaremos esta pieza contextualizada para sacarle todo el provecho", explica el director del museo.

La idea es que los visitantes accedan por la escalera interior del avión hasta lo que era la zona de Gran Clase, en el piso superior. Allí se proyectará un vídeo sobre el avión y su historia, para pasar después a la cabina. La gente podrá sentarse en los asientos del piloto y del copiloto y hacerse una idea de cómo es pilotar un avión capaz de llevar a 400 pasajeros. "Queremos provocar la curiosidad por la tecnología", continúa Nuñez. "Uno se sienta en esa cabina y se fija en la complejidad de los instrumentos que tiene el piloto con información de presión, de temperatura, de humedad, de altura, de circuitos eléctricos...". Este será el primer museo europeo que exponga así una pieza de un Jumbo.

"Las actividades del MUNCYT se pueden escribir en un pentagrama de cinco líneas: la primera es servir a los ciudadanos; la segunda, servir a los científicos; la tercera, servir a la ciencia española; la cuarta, servir a la actualidad, a la comunicación científica y la quinta, servir a las instituciones públicas", adelanta Núñez acerca de los ejes que rigen la puesta en marcha de esta nueva fase del museo.

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Museo de homosexuales rinde homenaje a Golo Mann por su centenario

27/03/2009
Berlín
El Schwule Museum (Museo de Homosexuales) de Berlín rinde homenaje a partir de mañana al historiador Golo Mann -uno de los seis hijos del escritor Thomas Mann- con motivo de su centenario.

"Golo Mann suele ser considerado como un homosexual no practicante. Los biógrafos no quieren decir más. Pero en los diarios de Thomas Mann se puede leer sobre los amigos que llevaba a casa", dice un comunicado del museo.

Una parte de la exposición está dedicada a la juventud de Golo Mann y al entorno familiar, concentrándose especialmente en la difícil relación con el padre, aunque la relación con sus dos hermanos mayores, Klaus y Erika, tampoco fue siempre buena.Tras el ascenso de los nazis Golo Mann, como el resto de sus hermanos, siguió a sus padres al exilio y trabajó en Estados Unidos como profesor de Historia y Literatura.

Otra parte de la exposición está dedicada a la evolución de Golo Mann después de la guerra, cuando dejó de ser visto sólo como hijo de Thomas Mann para convertirse en una figura pública de la República Federal de Alemania. En esa sección se rinde homenaje ante todo al historiador y autor de libros que dejaron huella y que tuvieron incluso éxito comercial como "Wallenstein" o "Historia alemana del siglo XIX y del siglo XX".

De los seis hijos de Thomas Mann, sólo Golo y Elizabeth, la menor, lograron hacer después de la guerra una carrera al margen de la sombra de su padre. Elizabeth se convirtió en bióloga marina y durante mucho tiempo se negó a dar declaraciones que tuvieran que ver con la historia de la familia Mann. Esa actitud sólo la abandonó poco antes de su muerte cuando colaboró en un documental centrado en al figura de Thomas Mann.

Golo Mann, que también fue siempre reacio a hablar de la historia de la familia, tuvo éxito como historiador -pese a las críticas académicas que veían en sus libros un tono demasiado literario- y como ensayista.

Klaus -autor de la novela "Mephisto"- se suicidó poco después de la guerra, Erika se dedicó por completo a su padre y, después de la muerte de éste, a su culto, y Monika tuvo una existencia discreta, afectada por problemas psicológicos.

Michael, el menor de todos, tras interrumpir una carrera como músico debido a una lesión en la mano, estudió filología germánica para dedicarse a la obra de su padre y, tras editar los diarios de éste, se suicidó.

Marianne Krüll, en su libro "Otra historia de la familia Mann", sugiere que el detonante del suicido de Michael Mann fue un pasaje de los diarios en el que se ve con claridad que había sido un hijo no deseado.

Michael Mann era el único heterosexual de los tres hijos varones de Thomas Mann que, a su vez, tuvo durante toda su vida tendencias homosexuales reprimidas que se reflejan en algunas de sus obras -especialmente en "Muerte en Venecia"- y en sus diarios.

De Erika Mann, que antes de la guerra tuvo cierta fama como actriz, dramaturga y periodista y como activista contra los nazis, se sabe que tuvo también relaciones lesbianas.

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Cuatro obras de arte del Museo Vaticano 
para la exposición 'La Rioja, Tierra Abierta'

26/03/2009
Logroño
Los Museos Vaticanos cederán cuatro de sus obras a la exposición 'La Rioja Tierra Abierta. Pecado. Penitencia. Perdón', que será inaugurada el 3 de abril en la catedral de Santo Domingo de la Calzada y permanecerá abierta al público hasta el mes de octubre. Entre los fondos patrimoniales cedidos destaca un cuadro del pintor italiano Giovanni Francesco da Rimini. Se trata de una tabla de 30x60 centímetros, del siglo XV, que representa el 'milagro del gallo', por el que es conocido Santo Domingo de la Calzada. Actualmente, esta pintura se encuentra en la Pinacoteca Vaticana. 

También de ella saldrán otros dos cuadros con destino a Santo Domingo. El primero de ellos, que se ubicará en el área de Penitencia, es 'San Francisco recibe los estigmas', un óleo sobre tela de Federico Fiori 'El Barocci' y fechado en 1595. El otro es 'Jesús crucificado entre los ladrones', un óleo de Eduard Von Heuss que data de 1893 y que se colocará en la zona del Perdón. 

Completa las obras cedidas una tabla de sepulcro paleocristiano historiado, una pieza de mármol blanco de 27 centímetros de anchura y 205 de largo, de autor anónimo y fechada entre los años 330 y 360. En ella están talladas, entre otras figuras, las de Adán y Eva, San Daniel y el dragón de Babilonia y la escena de la multiplicación de los panes. La obra pertenece a la colección del Museo Pío Cristiano Lateranense Vaticano. 

El canónigo de la catedral de Santo Domingo y coordinador del Año Jubilar Calceatense, Francisco José Suárez, aseguró ayer que estas piezas «enriquecen culturalmente un acontecimiento tan grande como éste». Suárez confirmó que el Nuncio de Su Santidad en España, Manuel Monteiro, asistirá a la inauguración de la muestra. 

También integrarán la exposición 16 obras del Museo y el Archivo de la Catedral, entre las que destaca una Verónica del siglo XV; y 18 piezas de la Diócesis de municipios de toda la región, como la pila bautismal de San Vicente, el San Millán de alabastro del Museo de La Rioja o la Magdalena de la sacristía de La Redonda.

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París redescubre el Renacimiento toscano en el Museo del Luxemburgo

25/03/2009
París
El Museo del Luxemburgo inaugura la exposición 'Filippo et Filippino Lippi. La Renaissance a Prato', que reúne hasta el próximo 2 de agosto medio centenar de cuadros y esculturas de los siglos XIV y XV nunca mostradas antes en Francia.

Será, según subrayaron sus promotores, una 'ocasión única' de descubrir el rico patrimonio artístico de la ciudad de Prato, en Toscana (Italia), que conoció en aquella época un auge económico considerable, antes de ser conquistada por los Medici, que dominaban la vecina y rival Florencia, situada a 15 kilómetros.

El Museo parisiense revive con una cuidada escenografía, obra de los arquitectos Eugenio Martera y Patrizia Pietrogrande, aquel resurgir artístico de Prato, que atrajo a numerosos arquitectos, escultores, pintores, artistas y artesanos, para trabajar en particular en el Duomo. Ese es el lugar donde desde el siglo XII se venera la reliquia del cinturón de la Virgen María.

Para ilustrar aquel momento de gran desarrollo económico, y también artístico y cultural, el Museo del Senado francés acoge un imponente conjunto de obras maestras de algunos de sus principales protagonistas, que incluye obras de artistas como Donatello y Sandro Boticelli.

Además, por supuesto, de los dos grandes artistas que dan su título a la muestra, Filippo y Filippino Lippi, familiarmente tan cercanos pero de talentos 'tan antitéticos', explicó la comisaria, Maria Pia Mannini, directora del Museo Municipal de Prato (centro de Italia).

Una diferencia estilística y vital debida en parte a la época tan diferente en que vivieron; el primero, jovial, ligero y alegre, como sus obras, creadas en pleno apogeo renacentista; el segundo, autor de una obra de tintes mucho más oscuros, como corresponde a un pintor 'nacido en la era de Saturno', ya en plena 'crisis renacentista' y de sus valores, añadió.

Uno de los objetivos de la exposición es mostrar la importancia que tenía en la época el trabajo de taller, el trabajo en equipo, así como la importancia artística de Prato, donde Filippo y Filippino Lippi impulsaron notables novedades estilísticas, durante sus respectivas estancias en la ciudad.

Eso permite admirar en París la influencia que ambos tuvieron en el desarrollo del nuevo estilo, el manierismo, que practicaron con sus colaboradores más próximos, Fra Diamante y Domenico Zanobi, y luego otros artistas como Botticelli, Luca Signorelli, o Zanobi Poggini, Tommaso di Piero o Raffaellino del Garbo.

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De Cézanne a Léger, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao

24/03/2009
Bilbao
Pequeña pero resultona, y mucho más accesible que los cuadros. Así es la obra en papel de los creadores plásticos; grabados, gouaches o acuarelas hechas 'ex profeso' para satisfacer a un cliente con menos posibles que un rico coleccionista; o esbozos y apuntes para uso privado, que con el tiempo han ido acumulando valor.

El Museo de Bellas Artes de Bilbao ha sacado de su almacén estos papeles de artista para presentar una muestra patrocinada por Bancaja, con 115 obras de 43 autores de una época comprendida entre Paul Cézanne, el pintor que a finales del siglo XIX asestó el mazazo definitivo al realismo académico, y Ferdinand Léger, vanguardista anterior a la Segunda Guerra Mundial.

De Cézanne se presentan dos litografías de su serie sobre los bañistas, jóvenes y adultos desnudos a la orilla de un río, que recibió el museo en 1933 como donación de Joaquín de Zuazagoitia, que fue alcalde de Bilbao y director de EL CORREO. Léger aparece con una 'Composición' de 1940, una de las joyas en papel de la pinacoteca. Entre los dos puntos, acuarelas de Adolfo Guiard, dibujos preparatorios de Francisco de Iturrino para sus cuadros de ambiente sureño, y el aguafuerte de José Gutiérrez Solana 'Mujeres de la vida', casi idéntico al cuadro del mismo nombre que también atesora en el museo. Al final, el gouache de Oskar Kokoschka titulado '¡Ayuda a los niños vascos!', su contribución a la causa republicana en la Guerra Civil, y una sala en la que destacan los paisajes bilbaínos de Manuel Losada.

Con esta muestra la pinacoteca continúa poniendo orden e investigando su nutrida colección de obra gráfica, tarea esta vez a cargo del conservador del museo Javier Novo. El periodo estudiado coincide con el de la exposición 'Novecentismo y vanguardia', que se desarrolla en la sala BBK del mismo centro artístico, y así las dos comparten creadores, como Aurelio Arteta y Daniel Vázquez Díaz.

Arrúe y el cómic
La muestra empieza con las obras de Adolfo Guiard, acuarelas de paisajes campestres, iglesias y estampas de trabajadores en el campo y en el mar. A continuación se exhiben los dibujos de Iturrino, pintor nacido en Santander, que vivió en Bilbao durante su adolescencia y juventud y que se inspiró en el flamenco y las romerías andaluzas para realizar una obra exuberante y colorista. Sus dibujos al carboncillo, uno de ellos con cinco mujeres coronadas con peineta y mantilla, remiten directamente a las figuras de su pintura, bien representada en la colección permanente del museo.

Después de los catalanes Canals y Nogués, surge Gutiérrez Solana, un pintor de tinieblas que mimó el grabado, y que en la muestra está representado con la litografía 'El constructor de caretas' y el aguafuerte 'Mujeres de la vida', que remiten a sendos cuadros del autor. En esta última obra, el autor representa a un grupo de prostitutas que se dedican al «vicio ínfimo» -tal y como él lo llamaba- con una valentía desafiante que superaba el miedo a sus chulos.

Unos retratos a la plumilla de Aurelio Arteta -uno de ellos del escritor Benito Pérez Galdós- dan paso a la obra de Ignacio Zuloaga, y luego a una serie de aguafuertes del polaco Louis Marcoussis, amigo de Braque y de Picasso, y uno de los cubistas más dedicados al grabado, una corriente de vanguardia muy prolífica en obra en papel, como atestigua la trayectoria del pintor malagueño.

Las imágenes religiosas de Georges Rouault, patéticas descripciones del sufrimiento en gruesos trazos de tinta negra, preceden a la sala dedicada a las obras de temática vasca.

Las estampas de romerías y aurreskus de José Arrúe, con un dibujo muy próximo al cómic, se enfentan a las del hermano de Aurelio Arteta, Félix, un pintor con muy buenas ventas y una estética modernista muy próxima al cartel. Los pasteles de Manuel Losada cierran la muestra, con sus procesiones, fiestas y desfiles militares, recuerdo del día en que el general Concha entró en Bilbao después de ganar a los carlistas.

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Fernando Zóbel: viajar, dibujar, pintar

24/03/2009
Cuenca
La Fundación Juan March presentará en el Museo de Arte Abstracto Español, desde el 25 de marzo y hasta el 28 de junio de 2009, una pequeña muestra homenaje a Fernando Zóbel en el XXV aniversario de su muerte, acaecida en Roma el 4 de junio de 1984.  La exposición se centrará en un aspecto del trabajo de Zóbel -artista y creador del Museo de Arte Abstracto Español en las casa Colgadas de Cuenca- menos conocido que su pintura: sus cuadernos de dibujos y apuntes.
 
La exposición mostrará, por primera vez, más de una cincuentena de cuadernos de Zóbel, verdaderos testimonios de su pasión por la belleza. Los cuadernos recogen dibujos  y fotografías, textos breves y enjundiosos, estudios de contrastes y luces, de figuras, colores y sombras; intentos de fijar un instante; recreaciones de escenas de la vida corriente y estudios de paisajes o de obras de la tradición pictórica, el arte y la arquitectura.
 
Muchos de esos cuadernos son verdaderos diarios de viaje, de un viaje de muchos años. Viajero incansable siempre, de alguna manera toda la vida de Fernando Zóbel fue un largo viaje que le llevó hasta Cuenca, la ciudad que guarda el testimonio de su pasión por el arte, y desde la que seguiría partiendo de viaje, por todo el mundo, hasta su muerte.
 
La exposición se presenta como un sencillo homenaje a este artista. A través de sus Cuadernos de Apuntes se sugerirá al espectador un viaje imaginario a aquellos lugares vividos y dibujados en sus cuadernos, objetos posteriormente, en muchos casos, de muchas de sus obras pictóricas. Se expondrá también una selección de óleos del artista procedentes de la colección de la Fundación Juan March y de algunas colecciones privadas de Cuenca.
 
La Fundación editará una carpeta con una selección de dibujos facsimilados de Zóbel y algunos textos de artistas y escritores. El día 4 de junio, XXV aniversario de su muerte, tendrán lugar algunos actos –mesas redondas, conferencias y un concierto– de homenaje a su memoria.

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Pop & rock, en el museo

23/03/2009
Londres
De los pantalones de peto de terciopelo blanco y diamantes, de Mick Jagger, al vestido de falda holgada de Amy Winehouse. El pop y el rock tienen dos nuevos altares en Londres: un nuevo museo dedicado a la música británica del último medio siglo, y unas galerías permanentes en el V&A consagradas al teatro y al escenario. Ambos reúnen numerosa «memorabilia» de las estrellas —una colección de las creativas gafas de Elton John, las contestarias ropas de Sex Pistols, objetos del tocador de Kylie Minogue...—, pero su contenido va más allá del santuario con hornacinas de famosos.

British Music Experience (BME) ha abierto en The O2, la enorme carpa a orillas del Támesis que se ha convertido en la arena musical más concurrida del planeta. Se le puede sacar bastante partido a las 15 libras que cuesta la entrada, aunque sólo sea viendo clips musicales y escuchando con auriculares las canciones de los grupos preferidos en las pantallas interactivas que existen a lo largo de todo el museo. 

Un recorrido histórico presenta las décadas prodigiosas de la música británica, desde los Beatles hasta los Arctic Monkyes. En una sala final, el visitante queda envuelto por proyecciones en las paredes de imágenes de conciertos multitudinarios, como uno de Queen mientras Freddie Mercury, con el torso desnudo, entona el «We are the champions».

Las vitrinas acogen objetos en gran parte regalados o prestados por los cantantes. David Bowie, por ejemplo, ha cedido diversas pertenencias suyas, como el traje Ziggy Stardust, una de las vestimentas de la era de su álbum «Young Americans», y letras originales de canciones. También está el traje que Roger Daltrey, de The Who, llevó sobre el escenario de Woodstock.

Lecciones de McCartney
British Music Experience incluye un estudio en el que se pueden tocar instrumentos, con guitarras eléctricas y baterías accesibles al público. A través de un vídeo, Paul McCartney da algunas lecciones sobre los acordes de sus más conocidos temas.

También hay donde bailar, esta vez con el auxilio de una de las actrices del musical «Mamma Mia!». Se elige tipo de música y entonces el suelo comienza a retumbar al ritmo seleccionado, como obligando a los pies a moverse de acuerdo con esas vibraciones. Unas paredes protegen al vergonzoso de la vista del resto de visitantes.

En el Victoria & Albert Museum, lo más glamouroso son los pantalones que Mick Jagger llevó sobre el escenario en 1972, diseñados por Ossie Clark, y las esponjas utilizadas por Kylie Minogue para polvorearse la cara durante su gira «Showgirl» de 2007. Pero, en realidad, estas nuevas salas del V&A hacen sobre todo un repaso de la historia del teatro inglés, desde William Shakespeare a «Equus», la obra de Peter Shaffer en la que Daniel Radcliffe, el progatonista de Harry Potter, correteaba desnudo ante el público, y de la que se exhiben algunos de los armazones de caballo utilizados en la producción.

Un interesante documento expuesto es el libro que lleva la contabilidad de la taquilla de «La importancia de llamarse Ernesto», cuando se representaba en el St. James's Theatre de Londres. Las cifras hablan de un gran éxito de público hasta que Oscar Wilde se vio implicado en el juicio de libelo del Marqués de Queensberry, que llevó al arresto del escritor por «gran indecencia». Cuando el nombre de Wilde fue eliminado de los carteles publicitarios, el número de espectadores volvió a crecer. La apertura de estas galerías se produce dos años después de la clausura del Museo del Teatro que en el West End regentaba el V&A, y que tuvo que cerrarse por escasez de visitantes.

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Ocho DO presentan 187 muestras al concurso 
del 10º Aniversario del Museo del Vino

23/03/2009
Valladolid
Un total de 187 muestras de bodegas de ocho de las nueve Denominaciones de Origen de Castilla y León y de la marca de calidad Vino de la Tierra se han presentado al Concurso regional 'X Aniversario del Museo Provincial del Vino', organizado por la Diputación de Valladolid

A la bodega ganadora del concurso la Diputación le adquirirá un lote de casi 4.000 botellas de vino para distribuir en sus diversos actos relacionados con el enoturismo en los centros turísticos.

El objetivo del concurso es conseguir un vino conmemorativo de los diez años de la puesta en marcha del Museo Provincial del Vino (MPV) situado en el castillo de Peñafiel. De este modo,  representantes de una notaría comprobaron ayer las marcas de bodegas presentadas al concurso, que estarán custodiadas bajo precinto en un lugar donde las condiciones de conservación son las idóneas de conversación, en la sede del Museo Provincial del Vino, hasta que el jurado comience a catar en la primera quincena de abril los caldos presentados

Las bodegas participantes en el concurso tuvieron que enviar un compromiso firmado en el que confirman que puedan suministrar la cantidad aproximada de 3.000 litros o 4.000 botellas del mismo vino.

Será por cuenta del Ganador del Concurso el embotellado, etiquetado, metido en las cajas de las botellas y el transporte hasta Peñafiel.

El panel de cata, que comenzará en la primera quincena de abril, estará compuesto por los presidentes de las Asociaciones de Sumilleres de Castilla y León, quienes otorgarán una puntuación que será la media aritmética de todas las adjudicadas por de los catadores, aunque se desecharán la más alta y la más baja de cada uno de los caldos catados.

Los catadores harán una selección de entre todos los vinos presentados a concurso, hasta dejar a los diez mejores caldos clasificados. Estos caldos se volverán a catar para elegir uno que será el seleccionado como el 'Vino del 10º Aniversario del Museo Provincial del Vino de Valladolid'.

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El guitarrista de The Clash monta un museo

22/03/2009
Londres
Mick Jones, el que fuera guitarra de los británicos The Clash, ha decidido emplear todo el material que recopiló a lo largo de sus años con esta formación así como con Big Audio Dynamite y Carbon Silicon para montar un impresionante museo del rock and roll en Chelsea, Londres, alimentado con revistas, vídeos, juguetes o discos.

Jones fue uno de los fundadores de The Clash a mediados de los 70, formación en la que tocó la guitarra, cantó y compuso parte de las canciones hasta su expulsión en 1983, tras la salida anterior del batería Nicky Headon. Se dice que sus continuos retrasos y su falta de puntualidad llevaron al resto de mimebros del grupo de punk-rock a decidir su expulsión.

Tras su salida de The Clash, Mick Jones formó Big Audio Dynamite y muy posteriormente, ya en 2002, Carbon Silicon. A lo largo de sus años en diferentes bandas, Jones, de 53 años y que ha sido productor de The Libertines, ha ido coleccionando todo tipo de objetos relacionados con la música y la cultura del momento.

Su colección incluye libros, revistas, vídeos, trajes que subieron al escenario, instrumentos, billetes de avión, grabaciones, amplificadores, posters o manuscritos con las canciones originales de The Clash, entre otras muchas cosas, por lo que Jones ha decidido darle salida a todo ese material y montar una suerte de casa-museo.

"Desde que llegó el milenio he tenido una misión. El mundo no se acabó, así que pensé que era el momento de compartir la colección con otros. Por un lado, es una forma de descubrir si todo este material del siglo XX quiere decir algo en el nuevo siglo", señala Jones en declaraciones a 'Music Radar'.

La colección incluye cassetes de David Bowie o un disco de oro de The Clash por su álbum debut, que, según cuenta Jones, cuando se lo entregaron quisieron salir de dudas sobre si podía escucharse. "Lo pusimos y era un álbum de Abba. La discográfica simplemente lo pintó de dorado, puso una etiqueta encima y lo recicló", explica el guitarrista.

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Museo de la Madera de Ponga traspasa fronteras

21/03/2009
Ponga
La exposición permanente dedicada a herramientas antiguas de carpintería, propiedad del pongueto Javier Gallinar, será uno de los atractivos de la Feria Internacional de la Ferretería que se celebrará próximamente en Bilbao. Gallinar acudirá al macroevento vasco con una selección de 500 piezas de su vasta colección de material relacionado con la ebanistería y la artesanía en madera. Gallinar no disimula su entusiasmo por participar en la feria, todo un reconocimiento a su trayectoria como carpintero y coleccionista.

El artesano pongueto acumula en su casa de San Juan de Beleño una gran cantidad de pequeñas joyas del oficio maderero. En total, custodia 2.000 piezas, entre las que se incluyen antiquísimas sierras, taladros, cepillos, pulidores, hachas y todo tipo de herramientas de carpintería. Varias herramientas de la colección fueron elaboradas a mediados del siglo XIX.

Gallinar llevará a Bilbao algunos de los utensilios más significativos de la antigua historia de la carpintería. Los organizadores de Ferroforma, conocedores de la importante colección del carpintero de Ponga, se pusieron en contacto con Gallinar y le ofrecieron su participación en el evento de la ferretería y el bricolaje. El pongueto hará demostraciones en vivo sobre el trabajo artesanal de la madera, mientras que, a su lado, se expondrán las últimas tecnologías en ebanistería. «Será un forma de comparar lo antiguo con lo nuevo», explicó el propietario de la colección museística.

Gallinar abrió su museo, el primero de Ponga, hace ya siete años. Desde entonces ha recibido a visitantes que, atraídos por la belleza del municipio, se encontraban en San Juan de Beleño esta llamativa exposición. Ahora, Gallinar se ha volcado con el proyecto de llevar sus piezas a otros espacios expositivos porque es consciente de que el oficio de carpintero artesanal «está condenado a desaparecer».

Afirma que el laborioso trabajo de la madera con las propias manos del artesano no está pasando por un buen momento. «Ahora mismo no compensa dedicar tantas horas a tallar piezas artesanales, porque sabes que te van a pagar menos de lo que merece el tiempo invertido», relata. Además, según el pongueto, esta sensación de pesimismo se ha generalizado entre los profesionales con carpinterías pequeñas. La mecanización del trabajo y la llegada de grandes multinacionales al sector ha dejado fuera a los carpinteros de los pueblos. «Yo vi una fábrica de sillas en la que no trabajaba ni una sola persona, todo lo hacían las máquinas», se queja.

De momento, la colección de Javier Gallinar podrá ser contemplada por los visitantes de Ferroforma, que se celebrará entre los días 25 y 28 de este mes, y a la que en años anteriores acudieron unas 90.000 personas. Además, el artesano local propone al Ayuntamiento de Ponga habilitar un local para aumentar el espacio de su museo. Tiene tantas herramientas antiguas que ya no sabe dónde ponerlas.

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El Museo de Bellas Artes acoge lo mejor del arte modernista

20/03/2009
Sevilla
Una enorme fotografía de La Pedrera recibe al visitante en la que es la primera gran exposición de arte modernista en Sevilla. Con esta imagen, que reproduce el monumento civil más importante de Antonio Gaudí y sede de Caixa Catalunya desde hace 22 años, se da la bienvenida a la cuidada selección de 50 obras de los fondos del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), entre pinturas, esculturas, dibujos, carteles y elementos decorativos, que componen la exposición La aventura modernista. Organizada por la Obra Social de la entidad catalana, este repaso por el legado modernista recala primero en Sevilla para visitar después Cartagena y Zaragoza, entre los destinos confirmados de los posibles que se están estudiando.

La muestra contiene piezas de los más destacados nombres de este movimiento, como Ramón Casas, Santiago Rusiñol, Joaquim Mir, Isidre Nonell y los hermanos Llimona, así como esculturas de Pablo Gargallo y una reja de la Casa Milá diseñada por Gaudí. La cronología de las piezas se sitúa entre 1891, el año en que Casas y Rusiñol expusieron en la Sala Parés de Barcelona, y 1911, con las proclamas de Eugeni D'ors del retorno al clacisismo. Esta panorámica refleja el trabajo de unos artistas que llevaron al arte catalán a uno de sus momentos de mayor esplendor y "que puede competir con el de los impresionistas franceses", según Alex Susanna, director cultural de la Obra Social de Caixa Catalunya.

Rosa Torres, consejera de Cultura, habló en la inauguración de este repaso al legado modernista catalán del "hermanamiento" que con esta cita se entabla entre "dos regiones que tienen mucho en común" y que viene a fortalecer "el conocimiento de las expresiones artísticas" desarrolladas en España. Estas obras "no sólo son interesantes por su calidad estética", apuntó Teresa Ocaña, directora del MNAC, sino por ser "reflejo de la firme voluntad de estos artistas de transformar el arte a través de una modernidad que llega con el cambio de siglo". Y que se desarrolla en sintonía con el arte internacional del momento: desde el cosmopolitismo y la modernidad impresionista, pasando por el simbolismo y la asimilación del expresionismo, sin olvidar el verdadero motor de la difusión del modernismo, las artes decorativas, que invadieron los espacios de la vida cotidiana de la burguesía catalana a través de objetos de gran belleza. No en vano, fue esta corriente estética -que arranca con el Art Nouveau que se extendió desde París al resto de Europa- "la que mejor se adaptó" a las preferencias que en esos momentos demostraban las clases burguesas y más pudientes, según Torres.

Las expectativas de visitas por parte de los promotores "son grandes" por "el propio contraste que representa respecto a los fondos del museo", explicó Antonio Álvarez, director de la pinacoteca sevillana. Sobre los fondos del museo hispalense, la consejera recordó que su departamento ha adquirido recientemente dos nuevas obras, de Bacarisse y Lucas Valdés, que formarán parte de la colección permanente. Asimismo, la consejera explicó que "se va avanzando poco a poco" en la investigación policial del robo de la cruz de Santo Domingo penitente, una escultura de Martínez Montañes que en la actualidad luce una cruz réplica de la robada. En este sentido, habló del "refuerzo de las medidas de seguridad" que se ha hecho con la contratación de seguridad externa al personal de la pinacoteca y apuntó además que "el edificio cuenta con 60 cámaras de circuito cerrado de vigilancia", aunque no tenía el dato de si había una persona del museo por cada sala. "No puedo negar la preocupación porque se haya sustraído un elemento no de gran valor artístico" pero que evidencia que "se han burlado las medidas de seguridad, por lo que estamos ocupados en que este tipo de hechos no vuelva a suceder", concluyó Torres.

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La imagen de cera de Hamilton llega al Museo de Londres

19/03/2009
Londres
El actual campeón de Fórmula 1, el británico Lewis Hamilton, ya tiene su figura de cera a tamaño real en el Museo de Londres, donde están representadas otras celebridades como Ayrton Senna, Nigel Mansell y Michael Schumacher que también tienen una figura en el clásico museo londinense.

La imagen, perfectamente elaborada, causó un gran impacto en su presentación.

La figura del actual campeón de la Fórmula 1, el más joven de la historia, fue presentada este mismo miércoles al público en general. 

El piloto aparece sosteniendo su casco y luciendo el traje con el que conduce el McLaren-Mercedes.Costó 6 meses modelarlo, con un coste de 150.000 libras (160.000 euros).

Los más atraídos por la imagen son los niños, que no pierden la oportunidad de sacarse una fotografía con el Hamilton de cera.

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Museo Taurino presenta el último vestido de Paco Camino

18/03/2009
Valencia
El Museo Taurino de Valencia ha sumado a su colección el último vestido de torear del diestro Paco Camino, que ha sido donado por la empresa Serolo y restaurada por el Institut Valencià de Conservació i Restauració de Béns Culturals (Ivacor). Con esta incorporación, el museo amplía su colección permanente, y ofrece una "magnífica excusa al aficionado y a todos los visitantes para recorrer sus instalaciones", apuntó este lunes en rueda de prensa el diputado de Turismo, Asuntos Taurinos y Relaciones Institucionales de la Diputación de Valencia, Isidro Prieto Giner.

El representante de la corporación provincial subrayó que la presentación del vestido de torear de Paco Camino es una "rotunda muestra de cariño y de respeto hacia el gran maestro" a quien agradeció el honor de facilitar la incorporación de una pieza única a la colección permanente del Museo Taurino.

Se trata del vestido de torear azul noche y oro, el último vestido de torear que llevó Paco Camino en los ruedos.

Al acto, que se ha celebrado en el Casal Taurino de la Diputación de Valencia, también asistieron la directora del Instituto Valenciano de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de la Generalitat, Carmen Pérez; el director del Museo Taurino, Francesc Cabañés, y el propio diestro Paco Camino.

El pasado mes de diciembre el matador de toros Paco Camino (Camas, Sevilla, 14 de diciembre de 1940) recibió de Serolo, empresa gestora de la Plaza de Toros de Valencia, la medalla de Oro, como homenaje a la extraordinaria trayectoria del maestro y a su magnífica aportación a la historia del toreo. En el mismo acto Paco Camino donó el vestido de su última faena como matador de toros a la firma, recordaron.

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El Guggenheim celebra su 50 aniversario con una exposición de Frank Lloyd

17/03/2009
Nueva York
El museo Guggenheim de Nueva York anunció hoy que celebrará su cincuenta aniversario con una exposición que mostrará más de 200 trabajos del artista Frank Lloyd Wright.

La exposición, que se podrá visitar del 15 de mayo al 23 de agosto próximos, presentará dos centenares de dibujos, algunos nunca vistos hasta ahora, del prolífico artista estadounidense (1867-1959).

Asimismo, se podrán ver unos 64 proyectos arquitectónicos de Wright, uno de los arquitectos estadounidenses más destacados del siglo XX, que incluyen algunos relacionados para residencias, edificios gubernamentales y religiosos, así como espacios dedicados a la cultura.

"La muestra ilumina los conceptos pioneros del espacio que tenía Wright y revela la importancia que el arquitecto tuvo en el diseño contemporáneo actual", indicó la institución neoyorquina mediante un comunicado de prensa.

Precisamente el museo Guggenheim, una edificio con estructura en espiral es obra del famoso arquitecto estadounidense, que lo completó unos meses antes de su muerte en 1959, y que tanta admiración y críticas despertó cuando en su momento fue inaugurado.

El presidente de la fundación Frank Lloyd, Phil Alsopp, indicó que la muestra se centrará "más que en la retrospectiva, en la diversidad de la visión de Wright y en las maneras que tenía de plasmarlas".

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Alte Pinakothek de Múnich cederá dos de sus obras 
más prestigiosas para las exposiciones de Sevilla y Bilbao

16/03/2009
Sevilla
El Museo del Louvre negocia con las pinacotecas de Sevilla y Bilbao para cederles hasta tres obras, entre las que se sobresale su Joven mendigo (1645-50), y apoyar así la organización de El joven Murillo, que llegará al Bellas Artes de esta ciudad en enero de 2010 tras inaugurarse el próximo otoño en Bilbao. La muestra permitirá reconocer la estrecha vinculación de la obra pictórica del primer Murillo con la literatura del Siglo de Oro, como pretenden sus comisarios, Alfonso Pérez Sánchez y Benito Navarrete. Para éste último, también asesor científico del Centro Velázquez, "la relación de la pintura de niños de Murillo con el mundo de la pobreza y los desamparados quedará muy presente en la cita, que profundizará en los motivos por los que Murillo optó por el realismo y la pintura del natural antes de consagrarse como pintor religioso, en esos años en los que se hace con el dominio de la pintura en Sevilla al marcharse Velazquez a la Corte en Madrid".

Una aspiración que se ha visto subrayada con la noticia de que la Alte Pinakothek de Múnich cederá para la muestra dos de sus obras más prestigiosas: junto a los Niños comiendo melón y uvas, que ya anunciara este medio, se acaba de cerrar un acuerdo para prestar el lienzo Vieja con cesta de huevos que custodia este museo alemán.

El retrato de la anciana procede de la colección del amigo de Murillo y mercader flamenco Nicolás de Omazur y figura en su colección en Sevilla en 1690. El segundo ya está localizado en Amberes hacia 1658 y hay copias de él en esa ciudad en algunas colecciones. Esta circunstancia, explica Navarrete, "demuestra que la pintura de género de Murillo fue apreciada y comprada por mercaderes y coleccionistas extranjeros en el mismo siglo XVII, obteniendo sus pinturas precios en las subastas similares a las de Rembrandt, algo absolutamente inédito para nuestros artistas del Siglo de Oro y que sitúa a Murillo al mismo nivel que los grandes maestros del barroco italiano, flamenco y holandés como Caravaggio, Rubens y Rembrandt". La exposición, por tanto, permite que regresen estas pinturas por vez primera desde que salieron de Sevilla en el siglo XVII. Supone, además, un gran esfuerzo científico para demostrar cómo se fragua la personalidad del joven Murillo y esos tipos iconográficos que más lo singularizaron a nivel internacional.

"La muestra enlaza con otra anterior que Pérez Sánchez y yo comisariamos sobre De Herrera a Velázquez. El Primer naturalismo en Sevilla y que también se vio en el Bellas Artes de Bilbao. Todo este nuevo proyecto no hubiera sido posible sin la colaboración a tres bandas que se da entre el Museo de Bilbao, el Bellas Artes de Sevilla y los dos comisarios", apunta Navarrete. Entre los hallazgos científicos que ofrecerá la muestra, él avanza un estudio de Ignacio Cano sobre la dispersión de las pinturas de Murillo en el extranjero y otro de Valme Muñoz sobre la técnica pictórica del Murillo joven.

El director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, Javier Viar, está exultante tras cerrar el acuerdo con la pinacoteca de Munich y constatar el interés del Louvre por este proyecto que, explica, "se remonta a 2002 y es continuación del que ya realizamos con estos mismos comisarios". "La diferencia es que entonces la idea partió directamente de Focus Abengoa, con quien colaboramos tanto nosotros como el Bellas Artes y el Arzobispado de Sevilla, y ahora el impulso parte de Bilbao, ya que queríamos organizar la muestra en torno a dos obras maestras de nuestra pinacoteca pintadas por Murillo: San Lesmes y San Pedro en lágrimas, obra ésta muy influida por Ribera".

La organización de De Herrera a Velázquez permitió a Viar conocer a fondo la realidad cultural de Sevilla, incluida la casa de Mariano Bellver, donde descubrió "una colección extraordinaria de pintura costumbrista andaluza. La he visitado dos veces y es admirable. Cualquier museo estaría encantado de contar con esos fondos".

Sobre el Bellas Artes sevillano, cuyo proyecto de ampliación conoce, Javier Viar lamenta que "la crisis nos haya dejado sin presupuestos del Ministerio de Cultura para las obras. Es un problema que nos afecta también en Bilbao". Una pinacoteca que, por las condiciones excepcionales de violencia que sufre el País Vasco, tiene unas medidas de seguridad envidiables. "Corre a cargo de una empresa privada a las órdenes de un responsable máximo que sí es miembro de la plantilla del Museo. Contamos además con todas las medidas a nuestro alcance: personal de sala, alarmas en todas las obras, cámaras de vigilancia, escáneres y otros controles. Es un aspecto que los museos deben potenciar más y me consta que está detallado en el proyecto de ampliación del Bellas Artes sevillano. Lástima que haya sobrevenido esta crisis".

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Rembrandt, Vermeer y Hendrick Avercamp, estrellas del Rijksmuseum

15/03/2009
Ámsterdam
Rembrandt, Veermer y Hendrick Avercamp son las estrellas de la programación 2009 del Rijksmuseum, que presentó en Ámsterdam las novedades para sus próximas temporadas. El comisario responsable de las obras del siglo XVII, Pieter Roelofs, afirmó que ésta y las futuras exposiciones son apenas "una previa" de las diversas muestras que ofrecerá el museo holandés, cuyas instalaciones estarán totalmente finalizadas en 2013.

A cargo de las reformas están los arquitectos españoles Antonio Ortiz y Antonio Cruz, encargados de crear un ambiente que mezcle "arte e historia".  La idea, según afirmaron los representantes del  Rijksmuseum, es crear un ambiente que permita al visitante sentirse en el siglo XIX.

Mientras tanto, el museo sigue con una programación en la que destacan grandes maestros. La sección 'Our guest', en la que se suele homenajear a un artista, el elegido esta temporada fue Johannes Vermeer. Hasta el 1 de junio, el  Rijksmuseum ofrecerá la mayor colección de obras de este pintor en Europa, incluyendo 'La criada' y 'Mujer leyendo una carta' y la obra maestra ' Mujer sosteniendo una balanza', prestada por la National Gallery de Washington.

El comisario destacó los resultados de una investigación (que figura en el informe más reciente del Rijksmuseum) del historiador holandés Bas Dudok van Heel sobre el cuadro 'Ronda de noche', de Rembrandt, que forma parte de la colección permanente del museo. Después de 365 años desde su realización, se revelaron las identidades de los dieciocho guardias retratados en la obra y otros detalles, como elementos del vestuario, informaciones sobre las familias y la posición social de los personajes reales del cuadro.

Otro artista distinguido que brillará en 2009 es Hendrick Avercamp, en la muestra de inverno desde el 21 de noviembre hasta el 14 de febrero de 2010. Será la primera exposición en el museo dedicada exclusivamente al artista y sus conocidas obras que retratan escenas invernales. La exposición contará con cuadros provenientes de la Billedgaleri de Noruega, el Museo de Arte de Boston, la National Gallery de Londres, además de cuadros del propio Rijksmuseum.  "Avercamp retrató muy bien la vida en Holanda en el siglo XVII", puntualizó el comisario.

Roelofs también subrayó que, además de recibir obras de otras instituciones, el Rijksmuseum también prestará parte de sus fondos (que, además de obras de arte, reúne mobiliarios y objetos que forman parte de la historia de Holanda) a países como Estados Unidos,  Australia o Japón. "Queremos compartir estas joyas", añadió.

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A Coruña abrirá en 2011 el Museo de la Ciencia

15/03/2009
A Coruña
La Diputación de A Coruña y la Fundación Española de Ciencia y Tecnología (Fecyt) firmaron ayer el acuerdo por el que la institución provincial cede el edificio Prisma de Cristal, ubicado en la avenida de Labañou cerca del Millenium de la ciudad herculina, para su adaptación al futuro Museo Nacional de Ciencia y Tecnología, que abrirá las puertas en 2011.

El convenio fue firmado por Salvador Fernández Moreda, presidente de la Diputación, y Juan Tomás Hernani Burzaco, director general del Fecyt, en presencia de Ramón Núñez Centella, director del museo.

Fernández Moreda apostó por aprovechar esta colaboración para ampliarla con "la creación de una residencia de investigadores" que podría ubicarse al lado del museo, en el Colegio Hogar Calvo Sotelo.

Hernani Burzaco dijo que este museo "será uno de los ejes principales en torno a los que girará la información científica y tecnológica del país", mientras Núñez Centella indicó que "es un edificio idóneo". También destacó su papel de "potenciar y coordinar la acción del Estado en materia de la divulgación científica".

Los bienes objeto de cesión están valorados en 14,7 millones de euros. El edificio Prisma de Cristal es obra de los arquitectos Victoria Acebo y Ángel Alonso y su construcción se inició en 2003 para ser inicialmente el Centro de las Artes de la Diputación de A Coruña.

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Cultura inicia la restauración de la Casa Museo Pérez Galdós

14/03/2009
Las Palmas de Gran Canaria
La Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico y Cultural del Cabildo de Gran Canaria ha adjudicado las obras de restauración y acondicionamiento de la Casa Natal del Museo Pérez Galdós de la capital grancanaria.

La intervención en este importante inmueble del siglo XIX supondrá la recuperación para uso museístico de las antiguas dependencias administrativas situadas en la planta baja del inmueble de la calle Cano, 6, así como la impermeabilización de cubiertas, el reforzamiento de las estructuras de madera, la adecuación de la instalación eléctrica y varias obras destinadas a facilitar el tránsito de personas con movilidad reducida.

Esta obra, que supondrá aumentar de manera importante la superficie expositiva del recinto cultural y ordenar de manera más eficiente el flujo de visitantes, se enmarca en el ambicioso plan de recuperación de bienes históricos y patrimoniales que ha emprendido la consejería que dirige Luz Caballero. Hay que señalar que en las últimas semanas se han comenzado obras de recuperación en yacimientos como el Cenobio de Valerón o el Maipés de Agaete, se han adjudicado los trabajos del Lomo de Los Gatos y se han anunciado otras intervenciones similares en otros puntos de la isla como el Solar Norte de la Catedral o el barranco de Fataga, entre otros.

La Casa Natal del Museo Pérez Galdós es un magnífico ejemplo de edificación burguesa de finales del siglo XVIII. En esta época, la cada vez más importante burguesía comercial de la capital fue ocupando solares en torno a la Calle Mayor de Triana desplazando hacia el norte y los riscos a la población más humilde, lo que supuso la reurbanización en clave monumental del barrio de Triana.

Según destaca el historiador Antonio María González Padrón, se trata de un ejemplo tipo de “neoclasicismo canario”, un estilo arquitectónico propio que también ha recibido la denominación de “historicismo arquitectónico”. Según señala González, la casa fue levantada en el último tercio del siglo XVIII aunque es muy probable que la fachada haya sufrido algún tipo de remodelación durante las primeras décadas de la centuria posterior. En todo caso, se trata de un ejemplo más que notable de ámbito doméstico burgués del siglo XIX que tiene el añadido de haber sido escenario de la infancia y juventud de uno de los grandes mitos literarios en legua española de todos los tiempos.

El legado galdosiano
El otro atractivo de este museo del barrio histórico de Triana es atesorar importantes huellas del genio de Benito Pérez Galdós. El centro gestionado por la Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico y Cultural del Cabildo de Gran Canaria guarda un importante fondo documental de entre los que destacan dibujos, manuscritos y documentos personales del escritor grancanario así como parte del mobiliario de las casas del literato en Madrid y Santander. Parte de su biblioteca personal y obras de arte, entre las que destaca un retrato firmado por Sorolla, son el eje central de una exposición permanente. El museo Pérez Galdós se abrió al público en mayo de 1964.

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Museo de Orsay "olvida" a Rodin y muestra a los que estuvieron a su sombra

13/03/2009
París
El Museo de Orsay propone "olvidar a Rodin" en una exposición que repasa las obras de los escultores que, como Maillol, Gargallo y Brancusi, intentaron romper con el naturalismo que representaba el famoso escultor francés.

La muestra "¿Olvidar a Rodin?", inaugurada esta semana, exhibe hasta el 31 de mayo un total de 125 esculturas que posteriormente serán trasladadas a Madrid para ser expuestas en la Fundación Mapfre, una de las entidades organizadoras de la exposición.

A pesar de la incuestionable aportación de Auguste Rodin (1840-1917) a la escultura, los protagonistas reunidos en la exhibición pasaron de una época "rodiniana", en la que sentían fascinación y admiración por el que consideraban su maestro, a detestar la carga emocional de su obra.

Según los organizadores, este cambio de actitud ante el artista que les había liberado de las convenciones academicistas y del realismo es el objeto de la muestra, que repasa las obras de éstos escultores realizadas en París entre 1905 y 1914.

Gargallo, Bourdelle, Maillol, Renoir, Archipenko, Brancusi y algunos otros menos conocidos como Manolo o Nadelman protagonizan una exposición dedicada a esa búsqueda de la forma, movida por la preocupación arquitectónica, y desprovista de estética.

Según estos autores, cuando la escultura está sobrecargada de emoción, arrastra con ella la desaparición de cualquier significación de forma y de visión.

Lejos de analizar el panorama de la escultura de la década, la exposición pretende repasar el período iniciado con la obra "El Mediterráneo" de Maillol hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial, cuando toda esta generación empezó a cuestionar la carga emocional de las figuras de Rodin.

La escultura del artista francés de origen catalán Aristide Maillol, que marca el inicio del periodo revisado en la exhibición, destila una simplicidad totalmente opuesta a la emoción exagerada y a los músculos prominentes de las figuras del autor del "El Beso".

El estallido de la que fue calificada en su momento como la Gran Guerra marcó un punto de inflexión en estos jóvenes escultores, ya que muchos de ellos tuvieron que partir al frente y, a su regreso, evolucionaron hacia otros estilos, como muestran los rasgos expresionistas de la obra de Lehmbruck después de esa fecha.

La "tranquilidad" y la "estabilidad eterna" que buscaban en sus figuras "se rompe" a lo largo de la conflagración como consecuencia del conflicto interior que provoca en ellos, comenta en el programa la comisaria de la exposición, Catherine Chevillot.

Desde la perspectiva ´post-Rodin´, el arte de estos jóvenes escultores, hasta entonces de difícil clasificación, se muestra, en opinión de Chevillot, "más coherente, con manifestaciones particulares de un contexto estético dominado por la cuestión de la forma".

Con esta exhibición, el Museo de Orsay rinde su particular homenaje a estos artistas que buscaron lenguajes diferentes en una época dominada por uno de los escultores más influyentes de la historia del arte.

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El Museo de las Ciencias exhibe el primer ordenador 
que llegó a España en 1959

13/03/2009
Valencia
El Museo de las Ciencias Príncipe Felipe acoge la exposición "Ventana Valencia", donde entre otros objetos se muestra el primer ordenador que llegó a España en 1959 y que es 150 veces mayor y mil veces más pesado que una computadora actual.

Según fuentes de la organización, se trata del modelo de IBM "650 Magnetic Drum Calculator" que fue adquirido por RENFE para la gestión de las líneas ferroviarias y que actualmente forma parte de los fondos del Museo Nacional de Ciencia y Tecnología.

Ese ordenador representa la transición entre los ordenadores electromecánicos con tarjeta perforada y los actuales basados en transistores, es 150 veces más grande y tiene un cableado manual.

El modelo de ordenador expuesto fue diseñado para su utilización en trabajos científicos y de ingeniería pero fue adaptado posteriormente para su uso en el mundo de la empresa.

Para los responsables de la colección, se trata de una computadora fundamental en la historia de IBM ya que es un puente entre los antiguos ordenadores electromecánicos, simples máquinas para procesar datos utilizadas desde principios de siglo y con poca capacidad de cálculo, y los actuales ordenadores desarrollados a partir de transistores.

Al acto de presentación han acudido el director científico de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, Manuel Toharia, el director del Museo Nacional de Ciencia y Tecnología, Ramón Ñúñez, y el secretario general de Política Científica y Tecnológica del Ministerio de Ciencia e Innovación, José Manuel Fernández de Labastida.

La exposición forma parte de la iniciativa que pretende llevar a los principales centros de ciencia de España las piezas más significativas con las que cuenta el citado Museo Nacional y cuyo contenido irá renovándose periódicamente.

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El Museo Etnográfico exhibe la muestra 'África. 
La acción de los sentidos. Instrumentos musicales africanos'

12/03/2009
Zamora
El Museo Etnográfico de Castilla y León, ubicado en Zamora, alberga la exposición temporal titulada 'África. La acción de los sentidos. Instrumentos musicales africanos', nacida de la colección de Javier Ballesteros y que podrá visitarse hasta el 7 de junio.

Según informaron fuentes del espacio cultural, esta exposición se complementa con actividades paralelas en torno a la tradición oral y musical africana como un concierto de Wafir y Rasha, una conferencia de José Manuel Pedrosa y la celebración de un ciclo de narradores orales africanos.

Producida por el Museo Etnográfico de Castilla y León en colaboración con la Sociedad para la Promoción de la Cultura Africana, S.L., y la Fundación Sur, la muestra hace un recorrido porlas distintas etnias y manifestaciones culturales que pueblan elcontinente "y aportan una enorme diversidad de instrumentostradicionales, ritmos y formas musicales".

El Museo resaltó que el lenguaje incide "directamente" en la configuración musical ya que en el ámbito africano se hablan alrededor de 700 lenguas que configuran "su propia tipología musical a partir de las peculiaridades lingüísticas".

"No existe una definición concreta de lo que es la música africana: mientras que el norte establece vínculos con el medio este europeo, la zona sub-sahariana presenta una estructura musical más próxima a Latinoamérica", destacaron las mismas fuentes antes de señalar que la superposición de la polirritmia y la polimetría, o lo que es lo mismo, la llamada métrica en cruz, "marca la composición melódica del patrimonio musical africano, potenciado por la inmensa variedad de instrumentos musicales".

Los cordófonos, aerófonos, idiófonos y membranófonos se elaborancon los recursos más inmediatos y la madera, la arcilla, elementosvegetales como la caña y las calabazas o partes de animales como la piel de reptiles, el pelo de cápridos, los cuernos debóvidos y de elefante o los pellejos de determinados mamíferosson los materiales más utilizados para crear kalimbas, cítaras oxilófonos, entre otros.

"Los instrumentos musicales se constituyen como acervo material del universo musical en África ya que, en general, la característicapredominante en la música africana es la intangibilidad. Carece lamisma de soporte y de registros físicos, no se transcribe, pues, alpapel, siendo la tradición oral el método de transmisión comúnmenteextendido en todo el continente", explicaron desde el Museo.

La música se convierte en actividad cotidiana,"estrechamente relacionada con momentos clave en las colectividades" como ritos de iniciación, ciclo vital o ceremonias religiosas dado que la música en África "va más allá del significado puramente ocioso o de deleite" al estar "muy vinculada" a la naturaleza, a las actividades laborales, a la comunicación y al sentir colectivo.

"La música, lenguaje ancestral por excelencia, ha experimentadoinfluencias geográficas entre sí a lo largo de la historia. En la actualidad, la música popular africana es el resultado del influjo europeo, americano y de Oriente Próximo pero los ritmos africanos ejercieron asimismo su radio de acción a través del tráfico de esclavos en diversas latitudes del planeta, originando estilos musicales tales como el blues, el jazz o la habanera", concluyeron desde el Museo.

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Museo Nacional de Historia de Estados Unidos 
descubre un mensaje "secreto" en el reloj de Lincoln

11/03/2009
Washington
El reloj de oro de Abraham Lincoln contiene un mensaje sobre el inicio de la Guerra Civil de Estados Unidos, pero el presidente nunca supo de la inscripción "secreta", descubierta en el Museo Nacional de Historia del país.

La inscripción, grabada por el relojero Jonathan Dillon, lleva fecha del 13 de abril de 1861, e incluye las frases: "El fuerte Sumpter fue atacada por los rebeldes" y "gracias a Dios que tenemos un gobierno".

El museo dijo haber accedido a abrir el reloj para descubrir si el mensaje estaba realmente ahí después de que el tataranieto del relojero, Doug Stiles, de Waukegan, Illionis, se pusiera en contacto con la institución.

La Guerra Civil de Estados Unidos comenzó cuando las tropas confederadas abrieron fuego sobre el fuerte Sumpter en Charleston, Carolina del Sur, el 12 de abril de 1861.

Cuarenta y cinco años más tarde, el relojero Dillon dijo al New York Times que había estado reparando el reloj de bolsillo de Licoln cuando oyó que se habían producido los primeros disparos de la guerra.

El artesano dijo que había desatornillado la carcasa de la máquina y utilizado un instrumento afilado para marcar el día histórico en el reloj del presidente. Le explicó al periódico que, hasta donde él sabía, nadie había visto nunca la inscripción.

"Lincoln nunca supo del mensaje que llevaba en su bolsillo", afirmó el director del Museo de Historia Nacional, Brent Glass, en un comunicado. "Es un lado personal de la historia sobre un relojero corriente inspirado para grabar algo para la historia".

Lincoln fue elegido decimosexto presidente de Estados Unidos en noviembre de 1860. En los preliminares de la guerra, Carolina del Sur y otros seis estados declararon su secesión de la Unión, antes de la investidura de Lincoln en marzo de 1861.

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'El Greco. Toledo 1900', una exposición "espectacular"

10/03/2009
Toledo
La comisaria de la exposición 'El Greco. Toledo 1900', Ana Carmen Lavín, señaló que el resultado de la muestra es "espectacular" tanto por el diseño como por la cuidada iluminación que se ha hecho de la misma, así como una ocasión "excepcional" porque supone la apertura del edificio de Santa Fe del Museo de Santa Cruz, que llevaba cerrado desde 1973.

Lavín explicó que en esta ocasión se han incorporado todas las obras de El Greco del Museo de Santa Cruz, y manifestó que ha sido "todo un lujo" poder contar con la planta alta del edificio de Santa Fe para poder instalar la muestra, recordando que es la cuarta sede de la misma, que ya ha sido expuesta en Sevilla, Valencia y Zaragoza.

Asimismo, señaló que desde el año 1982 no se hace en Toledo una exposición monográfica dedicada a El Greco. "Ese es el dato importante. Han pasado muchos años y esta exposición va a marcar el inicio de los actos de conmemoración del IV Centenario de la Muerte de El Greco que es en el año 2014", agregó.

DISEÑO Y MONTAJE
En este sentido, indicó que el diseño y el montaje de la exposición lo han hecho el estudio "DB Comunicación" y el estudio "AMA arquitectura" de Toledo, y "eso es importante también porque podemos demostrar que en Toledo hay empresas solventes para hacer este tipo de trabajos", argumentó.

Preguntada por los cuadros que han despertado mayor interés en el ministro de Cultura, Lavín aseguró que han sido varios, como la 'Inmaculada Ovalle'. Dijo que las obras le han impresionado tanto por su calidad, como por la inmensidad del edificio que las acoge. "Ha hecho comentarios muy elogiosos sobre el montaje y la combinación de fotografía y pintura", afirmó.

Asimismo, señaló que se están negociando otras sedes para que acojan la exposición antes de que se abra el Museo de El Greco en Toledo, porque es "excepcional" una colección del artista cretense sin museo y "probablemente" varias ciudades o países quieran disfrutar unos pocos meses de esta colección.

"El Greco es un pintor muy moderno y que da origen a todas las vanguardias, quizá ese sea el mayor homenaje y el mayor descubrimiento de este Greco, lleno de luz y de color frente a la idea que tenemos todos de un Greco oscuro y triste. Ese es el legado del siglo XXI", apostilló.

De otro lado, uno de los arquitectos responsables de la parte final del Edificio de Santa Fe, Pablo Alguacil, del estudio "AMA arquitectura", explicó que su labor ha consistido en la restauración final del edificio y su puesta en funcionamiento, la revisión de las instalaciones y hacerle accesible a discapacitados.

Asimismo, apuntó que también ha participado en el diseño expositivo de la muestra, que calificó como "conceptual" y "otra forma" de ver El Greco. "El hecho de colocar elementos multimedia como proyecciones o como paneles de grandes formato le da otro concepto más actual a la exposición y en general creo que a la gente le ha gustado y lo ven como una revisión correcta de El Greco en el siglo XXI", manifestó.

EXPOSICIÓN
La exposición, dividida en cuatro salas, se compone de un total de 40 obras, de las cuales veinticinco son originales de El Greco, ocho de su taller o copias de sus obras y siete son de otros autores, como Sorolla, Sánchez Coello, Juan Bautista Martínez del Mazo --el yerno de Velázquez-- o Luis Tristán.

Del conjunto de obras expuestas destacan el Apostolado del Museo del Greco, único Apostolado enteramente autógrafo en su producción, la 'Inmaculada Ovalle' de la Parroquia de San Nicolás de Bari; 'La Verónica' procedente de la Parroquia de Santa Leocadia, depositada por el Gobierno de Castilla-La Mancha en el Museo de Santa Cruz; así como un ejemplar único de las 'Obras completas de Jenofonte', anotadas por El Greco, perteneciente a la biblioteca del Marqués de la Vega Inclán, fundador del Museo del Greco.

Tras su paso por Sevilla, Valencia y Zaragoza, el montaje llega a Toledo con  cuatro nuevas incorporaciones: 'Retrato de la Reina Mariana de Austria', de Juan Bautista Martínez del Mazo; 'Busto de Archer Milton Huntington' de Anna Hyatt;  'Retrato de General Joven' de Bartolomeo Passerotti y 'Crucificado' de Luis Tristán, de tres metros de altura.

Acompañando a los lienzos, la muestra incluye una colección de fotografías dedicadas al pintor realizadas por Mariano Moreno y perteneciente a los fondos que atesora la Fototeca del Instituto de Patrimonio Histórico del Ministerio de Cultura.

Entre los objetivos de esta exposición destaca el de acercar la figura y el legado de El Greco a los más jóvenes. Para ello a partir del 17 de marzo se van a realizar visitas guiadas y actividades didácticas dirigidas a estudiantes de Primaria y de la ESO en los que se recreará el taller del artista.

'El Greco. Toledo 1900' estará hasta el 12 de julio en el antiguo convento de Santa Fe. Los visitantes podrán conocer esta muestra de martes a sábado de 10.00 a 18.00 horas y de 10.00 a 14.00 horas los domingos y festivos. La entrada así como las visitas guiadas son gratuitas.

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Julio González, el alma del hierro en el Reina Sofía

10/03/2009
Madrid
La Edad de Hierro tiene un nombre propio: Julio González. Manejó a su antojo este material, lo amasó como si fuera harina, lo retorció creando formas hasta entonces desconocidas, lo soldó con maestría, lo estilizó con elegancia y desentrañó de su dureza las más profundas emociones. Fundió hierro y sacó pasión. Pero hay un Julio González antes de Julio González. Ambos están presentes en la gran retrospectiva que le dedica el Reina Sofía tras su paso por el MNAC. Con ella se saldan cuentas -la que le debía este país, que tanto amaba- y se producen emotivos reencuentros. Picasso y él, grandes amigos, vuelven a verse las caras. Como en aquel 1928, cuando el malagueño solicitó la ayuda del barcelonés, porque no hallaba forma de lograr las soldaduras.

Aquella intensa colaboración duró hasta 1932 y dio maravillosos frutos, como «Mujer en el jardín», ese genial compendio de cubismo, surrealismo y expresionismo. En 1937, eran sus obras maestras (el «Guernica» y «La Montserrat») las que se reencontraban en el pabellón español de la Expo de París del 37. No se ha podido repetir ese histórico encuentro, pues la fragilidad de la escultura de Julio González ha impedido el préstamo del Stedelijk Museum de Amsterdam. A la mujer que llora del «Guernica» se la ve aún más triste que de costumbre.

Decíamos que la antológica reúne a dos Julio González. Y no es que se clonase -que no hubiera estado mal, dado lo justos que andamos de genios, como diría Mecano-, sino que antes de convertirse en el mago del hierro hubo un inquieto y creativo joven que despuntaba en el taller familiar de metalistería, que siguió el simbolismo y la huella de Degas en sus dibujos, de marcada temática femenina; que fue pintor hasta 1904, que creaba joyas, máscaras, relieves en metales repujados... Ese Julio González pintor, dibujante, orfebre, menos conocido que el genial forjador de sueños férreos, está presente entre los dos centenares de piezas que reúne la exposición. También exhibe un interesante conjunto documental (cartas, textos, manuscritos...)

Dibujos en el espacio
El Julio González artesano eclipsó al Julio González escultor, que, en opinión de Manuel Borja-Villel, quedó atrapado entre las dos mitades del siglo XX (una pictórica y otra escultórica), sin hallar su lugar. Pero el director del Museo Reina Sofía lo tiene claro: Julio González es uno de los tres grandes de la escultura junto con Giacometti y Brancusi, y tiene el mismo estatus que Matisse en pintura. Ahí es nada...

No podían faltar en esta gran antológica sus dibujos en el espacio, sus juegos en el vacío, a los que logró dar vida gracias a un lenguaje abstracto innovador. Para Merc_ Doñate, comisaria de la muestra, ese lenguaje se basaba en su libertad imaginativa, su rigor conceptual, su especial sensibilidad artística. Julio González, padre de la escultura en hierro, halló en la década de los treinta -cuando pasaba ya los cincuenta años- su verdadera personalidad artística. Es poco más de una década (murió en 1942), pero fue intensamente fructífera.

Nacen sus célebres esculturas filiformes, en las que fusiona materia y espacio, disecciona el cuerpo humano... Hay en la muestra excelentes ejemplos como «Mujer ante el espejo» (MNAC), «Mujer sentada II» (Pompidou), «Cabeza llamada «El túnel»» (Tate), «Mujer peinándose III» (MoMA)... La revolucionaria modernidad de Julio González, en estado puro. El Reina Sofía completa la antológica con un ciclo de cine en familia en torno al escultor, cuentacuentos y visitas-taller para centros de Secundaria y Bachillerato. Deuda saldada.

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Un museo del retrete recuerda que 700 millones de indios carecen de aseos

09/03/2009
Nueva Delhi
Urinarios rococó, tazas victorianas o escatológicas réplicas de tronos reales sirven como excusa al reivindicativo Museo Internacional del Retrete de Nueva Delhi para denunciar que 700 millones de indios carecen de acceso a sanitarios.

La idea partió del doctor Bindeshwar Pathak, fundador de la ONG Organización Internacional Sulabh de Servicios Sociales, que se dedica desde 1970 a instalar aseos tanto domésticos como públicos para mejorar la situación de salubridad de la población de la India.

"Pensé: ya que he trabajado durante muchos años en este campo, por qué no hacer un museo del retrete, que no está disponible en ningún otro lugar del mundo. Escribí cartas a 101 embajadas de diferentes países situadas en Delhi. De ellas, 61 respondieron muy rápida y positivamente", declaró Pathak.

Así fue formándose la colección, que recoge por orden cronológico muestras auténticas, réplicas e imágenes de diferentes retretes y abarca desde la antigua civilización del valle del Indo hasta las últimas aportaciones niponas al cada vez más sofisticado arte del excusado.

Una de las piezas más interesantes que el visitante puede encontrar es una réplica de un trono real con un inodoro camuflado desde el que el monarca Luis XIV de Francia atendía sus audiencias al tiempo que podía relajar tensiones corporales.

Junto al trono, sorprenden por su carácter utilitario sillones de cuero con orificios que desembocan en cubos de metal, utilizados en otro tiempo por jugadores de cartas que no querían perder ni un segundo en minucias higiénicas durante el transcurso de sus dilatadas partidas.

Destaca también una mesa de madera con un evacuatorio de loza escondido, empleado antaño por la nobleza europea que, cuando salía de cacería, podía tanto disponer en ella las viandas como disfrutarla para aliviar la llamada de la naturaleza.

El museo exhibe además otros reseñables ejemplos de trabajada factura como urinarios decimonónicos ornamentados con pequeñas esculturas y alambicadas filigranas o elegantes tazas victorianas de cerámica engalanadas con diferentes motivos florales.

"Se ha creado interés alrededor de todo el mundo, no sólo en la India, mucha gente viene para ver el museo de los retretes, sienten curiosidad. He encontrado algunos visitantes que han venido directamente desde el aeropuerto a este museo", aseguró el padre de la singular idea.

Pero tras los detalles pintorescos del museo subyace otra realidad, la de los 2.500 millones de personas que carecen de sanitarios en el mundo, la mitad en el sur de Asia.

"En la India, setecientos millones de personas no tienen todavía acceso a aseos seguros, tienen que ir fuera para defecar. Todas las mujeres lo sufren, ellas deben salir además a defecar antes de la salida o después de la puesta de sol", denunció Pathak.

Según los datos que esgrime la Organización Sulabh, tomados de un informe de evaluación del saneamiento difundido por la OMS y Unicef, apenas un 33 por ciento de la población india dispone de instalaciones sanitarias, cobertura que se reduce entre la población rural hasta un 22 por ciento.

Por ello, dijo Pathak, junto a la instalación de sanitarios es necesaria la educación de la población y en ese contexto es donde encuentra un sentido pedagógico este Museo Internacional del Retrete en un país como la India, donde la tendencia arraigada y predominante es la defecación al aire libre.

El Gobierno se ha propuesto erradicar esta práctica, especialmente arraigada en el campo pero también visible en las grandes ciudades, para el año 2012.

Cerrando la visita guiada al museo delhí, el visitante se topa con una cita de Lucinda Lambton: "El aseo es amigo íntimo de todos nosotros y debemos honrarlo como tal. Es innegable que es un glorioso trono que nos hace reír con placer, ¿por qué entonces minimizar su importancia, convirtiéndolo en un mal necesario?"

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Museo de Terrassa abre una nueva 
exposición permanente sobre energías fósiles

09/03/2009
Terrassa
El Museo de la Ciencia y de la Técnica de Cataluña de Terrassa (Barcelona) abrirá mañana la exposición permanente"Gas y petróleo: la energía de los fósiles", una muestra de objetos tecnológicos únicos que explican la evolución de estos recursos, y que incluye también piezas interactivas de gran formato.

La exposición rompe con los esquemas conceptuales habituales: los objetos tecnológicos se han integrado en múltiples elementos museográficos para que los visitantes puedan tener una "experiencia única y completa" sobre todos los aspectos relacionados con el gas y el petróleo.

La muestra forma parte de la exposición "Enérgeia" y sigue los mismos criterios conceptuales: dar a conocer estos recursos desde su formación, a la vez que hace un análisis del uso de estos fondos de energía fósil, hasta llegar a la diversidad de industrias que dependen de ellos.

El espacio de la exposición se divide en tres bloques principales: el gas manufacturado, los motores y la energía de los fósiles.

En el dedicado al gas manufacturado, un fanal explica cómo llegaba este producto a la ciudad y la recreación de un piso amueblado de principios de siglo XX da a conocer el uso doméstico de este producto.

El espacio monográfico de los motores de combustión interna ofrece diversas piezas interactivas: un eje de transmisión de un motor y otros motores seccionados para poder ver su interior.

El origen y la formación del petróleo y el gas natural ocupa otro espacio, como también los procesos de tratamiento y las industrias derivadas, como la petroquímica.

Finalmente, se muestran los nuevos usos del gas natural y una zona de reflexión que trata sobre los combustibles fósiles y el medio ambiente.

La muestra está organizada en colaboración con Gas Natural y Repsol YPF, así como diversas instituciones y personas vinculadas con este ámbito, mientras que los interactivos han sido financiados por la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología-FECYT.

El recorrido ofrece objetos históricos únicos, la mayoría de la colección del museo, y entre los motores de combustión interna destacan el motor de gas que supuso una revolución en el sector.

Se exponen además un motor Escudé, un gasógeno, grandes motores de gasolina y diesel o una maqueta de la plataforma de extracción de Repsol.

Los interactivos digitales con pantallas táctiles están especialmente enfocados a los diferentes niveles educativos, a la vez que se han habilitado para percibir los olores y colores de estos recursos fósiles a partir de su composición química.

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Bermeo abrirá un museo del sector conservero de Vizcaya

08/03/2009
Bermeo
Bermeo sigue mirando al mar para ampliar su oferta turísticocultural. Prueba de ello es que la villa marinera tiene previsto abrir próximamente un centro de interpretación del sector conservero de Vizcaya. El nuevo equipamiento servirá para completar un circuito de visitas que incluirá el Museo del Pescador, situado en la Torre Ercilla, y la réplica del ballenero del siglo XVII, atracado en el muelle del Artza. 

El proyecto comenzó a gestarse en 2003 pero ha permanecido en el olvido hasta ahora. El Ayuntamiento de la villa marinera adjudicará en breve la elaboración de un plan de viabilidad para conocer «el enfoque, su encuadre en el resto de la oferta, el modo de promocionarlo y la inversión necesaria», manifestaron fuentes municipales. La pasada legislatura, con Eusko Alkartasuna al frente del Ejecutivo local, el Consistorio firmó un convenio de colaboración con el departamento de Empleo y Formación de la Diputación, por valor de 450.759, para desarrollar la iniciativa. 

El nuevo museo se ubicará en un inmueble singular -el área de oficinas de la antigua conservera Ormaza-, que cuenta con una superficie de 850 metros cuadrados. La Administración bermeotarra pagó por las instalaciones alrededor de 500.000 euros. Situada en la calle Askatasun Bidea, la antigua fábrica, que cerró definitivamente sus puertas en enero del pasado año, fue diseñada por el arquitecto Pedro Ispizua. De estilo 'racionalista', la Asociación Vasca de Patrimonio Industrial y Obra Pública (AVIOP) cursó el pasado ejercicio, ante el Gobierno vasco, la solicitud para su declaración como Bien Cultural calificado, con la categoría de monumento. 

La concesión de la catalogación, que entre otros ya posee el horno alto número 1 de Sestao, «todavía permanece dentro del proceso de estudio», explicaron fuentes del departamento de Cultura del Ejecutivo autónomo. «Nuestro futuro turístico pasa básicamente por recuperar el gran patrimonio marítimo del que disponemos y avanzar en compañía de nuestra identidad pesquera», recalcó el alcalde de Bermeo, Xabier Legarreta. El nuevo centro de interpretación de la conserva, aunque todavía no cuenta con fecha oficial de apertura, ya dispone de una pequeña colección de maquinaria clásica cedida por la empresa familiar Serrats, que formará parte del amplio muestrario de piezas que podrá ver el público.

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Neues Museum de Berlín vuelve a abrir tras años de obras

07/03/2009
Berlín
Destrozado por los bombardeos aliados de la Segunda Guerra Mundial, el Neues Museum de Berlín reabrió sus puertas, tras décadas de abandono y seis años de obras, para recibir en octubre al público y ante todo su obra maestra: un busto de Nefertiti.

El renacimiento de este Nuevo Museo, que el régimen comunista había dejado en barbecho, da una nueva pincelada a la 'Isla de los Museos', un lugar declarado hace diez años patrimonio mundial de la Humanidad por la UNESCO.

El arquitecto británico David Chipperfield optó intencionadamente por dejar visibles las huellas de la Historia, en particular los impactos de balas. Y de no reconstruir o pintar el edificio prusiano siguiendo el modelo original, sino de adornarlo con materiales modernos, lo que ha generado polémica.

"Hemos intentado guardar todo lo posible los materiales, los ladrillos, los enyesados que habían sobrevivido" y "captar las secuelas de la guerra y de los siguientes 60 años", recalcó el arquitecto en conferencia de prensa, con motivo de la entrega de las llaves del edificio a los Museos Estatales de Berlín.

La escalera central, de hormigón con fragmentos de mármol, y la estructura de la zona egipcia hicieron correr mucha tinta. En otros sectores, los nombres de las salas, parcialmente legibles, se quedaron con su apariencia de posguerra.

En cuatro niveles se suceden unas 40 salas con aspectos diferentes en función de su estado de conservación. De modo que se pueden ver frescos de inspiración egipcia casi intactos o toques de color que resistieron a las desventuras de la Guerra.

"Por primera vez desde los años 30, los cinco establecimientos (Nuevo Museo, Museo de Pérgamo, Viejo Museo, Museo Bode, Antigua Galería Nacional) que componen la Isla de los Museos están nuevamente accesibles en su conjunto", se felicitó Hermann Parzinger, presidente de la Fundación para los Bienes Culturales Prusianos, que administra el lugar.

El Nuevo Museo, obra del arquitecto Friedrich August Stüler concluida en 1859, no abrirá sus puertas al público hasta octubre porque necesita tiempo para juntar las antigüedades diseminadas por Berlín.

Su obra maestra, el busto de la reina egipcia Nefertiti, reinará solo en una sala coronada por una cúpula. Reclamada regularmente por Egipto, la escultura descubierta por el arqueólogo alemán Ludwig Borchardt a comienzos del siglo XX es uno de los principales atractivos turísticos de la capital.

Nefertiti regresa así a su museo original, donde fue expuesta por primera vez al público en 1924. Durante la guerra, el busto fue puesto a buen recaudo de los bombardeos y reapareció en el Museo Egipcio de Berlín Occidental.

Las otras salas albergarán, entre otros, un cráneo del hombre de Neandertal, colecciones de papiros y antigüedades griegas y romanas.

Para el año 2028, las obras de remodelación de la Isla de los Museos deben haber concluido para intentar rivalizar con el Louvre. Y es que el museo de Pérgamo necesita una restauración, para dotarse de una nueva entrada y otra ala, y al Viejo Museo también le hace falta un arreglo.

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Más del 90% de los fondos de los museos permanece oculto en almacenes

06/03/2009
Barcelona
Una visita a un museo proporciona placer y exige esfuerzo, como la lectura de un buen libro. Pero incluso con los ojos bien abiertos es imposible conocerlos del todo. Desbordados por el volumen creciente de sus colecciones, los museos ocultan más de lo que muestran, condenando a la reserva - en algunos casos de por vida-a más del 90% de las obras que conforman sus fondos. Valga un dato que da idea de los miles y miles de piezas que se amontonan en los almacenes de los museos españoles: el Prado sólo tiene colgadas 1.000 de las 17.000 que posee.

El resto, ¿merecería mejor vida? ¿Acaso es arte de segunda? "No necesariamente", responde Susana López, jefa del Área de Registro de Obras de Arte del MNAC. "Cada museo tiene las dimensiones que tiene y no podemos exponer todo lo que quisiéramos. A veces sucede que de un mismo autor tenemos varias obras, todas ellas magníficas, pero como el objetivo es que estén representadas todas las épocas y tendencias, lo que se ve es sólo una".

¿Qué hacer entonces? Una posibilidad: el cambio de decoración del palacio de la Moncloa con la llegada de José Luis Rodríguez Zapatero incluyó una serie de obras pertenecientes a la colección del Museo Nacional Reina Sofía, elegidas por su antigua directora. Se trata de una práctica habitual y antigua, según la cual muchas obras pasan de los almacenes de los museos a diferentes dependencias institucionales. Claro que hay otras vías de salida, como los préstamos a exposiciones. Y algunas instituciones, como el MNAC, estudian la posibilidad de organizar visitas abiertas al público en general.

En el caso del Museo del Prado - con 3.200 obras en depósito en diferentes instituciones-,la mayoría de las obras que están en los almacenes no tienen suficiente interés para ser expuestas, según sus responsables, salvo parte de la colección de dibujos, cuya exhibición pública está limitada por razones de conservación. Claro que el interés o no de las obras, sobre todo en el caso de los museos de arte contemporáneo, es un concepto flexible que depende tanto del criterio museográfico del director de turno como de las circunstancias del momento. "Lo que para mí hoy no tiene interés quizás a alguien, tras escarbar un poco, le parezca genial", apunta Bartomeu Marí, director del Macba. "El arte contemporáneo pide una actitud mucho más activa del museo que no consiste en una colección de tesoros incuestionables, sino que se constituye a partir de la acción", argumenta.

Nimfa Bisbe explica que la colección de arte contemporáneo de La Caixa cuenta con unas 750 obras, pero que además la institución posee una colección de grabados que llega a las 4.500 piezas, y recuerda que se está moviendo continuamente por todo el mundo: ahora tienen prestadas unas 25 obras a museos como la Tate, el Guggenheim, el Reina Sofía o el Macba, además de una muestra en CaixaForum Madrid. Señala que algunas obras no se mueven por sus grandes dimensiones. Otras veces, las menos, se compran piezas que son apuestas y luego el autor sale rana, de modo que apenas saldrían si se organizara una muestra titulada Recordando los 80.

Otro caso paradigmático es el del Museu d´Arqueologia de Catalunya, que exhibe algo menos del 10% de sus fondos: tiene 40.000 piezas y enseña 3.900. Entre las ocultas está la estatua de Príapo, cuyo enorme atributo sexual lo llevó, por pudor de un ex director, al almacén. El anterior responsable del museo, Pere Izquierdo, y el actual, Xavier Llovera, han planeado devolverlo a la sala. Llovera, además, desea hacer visitables sus almacenes.

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El Museo Nacional del Circo abrirá sus puertas en Albacete en el año 2011

06/03/2009
Albacete
El Museo Nacional del Circo abrirá sus puertas en Albacete en el otoño de 2011, una vez que se inicien las obras de su construcción de forma inmediata en el antiguo edificio del Banco de España, situado en la céntrica plaza del Altozano de la capital manchega. 

Así lo anunció el ministro de Cultura, César Antonio Molina, durante la presentación pública de este proyecto que forma parte de los planes de inversión de su departamento hasta el 2012. 

El museo ocupará una superficie de 5.000 metros cuadrados, lo que obligará a realizar modificaciones en el interior del edificio -construido en 1933 con 4.170 metros cuadrados de superficie- «que no afectarán a su entorno», según aclaró el ministro. Molina adelantó que este centro dispondrá de «un área científica y técnica, otra de difusión y una tercera de dirección y administración». «Albacete será la capital del circo y esta decisión se ha tomado recogiendo el sentir de los albaceteños cuya tradición circense es bien conocida», añadió.

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El Museo de Bellas Artes expone un centenar de piezas de loza de Sargadelos

05/03/2009
Oviedo
El Museo de Bellas Artes de Asturias dedica un lugar destacado en su colección de artes industriales a la producción de Sargadelos. Estos días, coincidiendo con el bicentenario de la muerte del marqués de Sargadelos, presenta un centenar de piezas de la producción de la fábrica fundada en Cervo, Lugo, en 1806. Con esta iniciativa el museo quiere rendir un homenaje al industrial asturiano que revolucionó el mundo de la loza con una producción de excelente calidad.

El Museo de Bellas Artes de Asturias, que espera contar en las futuras instalaciones con una sala permanente para el vidrio y la loza, conserva una interesante colección de artes industriales que lo sitúa en la mejor tradición anglosajona. De la pasada semana es su última adquisición, un sello para marcar en crudo la cerámica de Sargadelos hecho en gres blanco. Es el primero que se puede ver en una exposición pública.

El interés de la cerámica viene dado por la importancia que en las industrias asturianas tuvo la línea artística. Una de ellas fue «La Industria» de Gijón, tal vez la fábrica de vidrio más importante de España. Además destacaron otras dos: «La Asturiana» y «San Claudio». La relevancia de este patrimonio es lo que lleva al museo a impulsar una línea de exposición y recuperación que le da una singularidad especial.

Otro de los motivos, quizá más desconocido, del interés por las artes industriales, tiene que ver con la Ilustración española y asturiana. Fueron años en los que hubo una honda preocupación con el atraso industrial de España y con el montaje de industrias que pudieran asumir la demanda interna. De ese tiempo es la fábrica de manufacturas de Alcora (Castellón). Fue la primera de España con una producción de loza pintada a mano por excelentes artistas. En 1760 nace la Real Fábrica del Buen Retiro, cuya producción de lujo iba destinada casi en su totalidad a los palacios reales. Con este panorama a finales del siglo XVIII seguía existiendo una fuerte demanda interna para abastecer al mercado nacional.

Para dar respuesta a estas necesidades surgen algunas industrias en el Norte, y en ese ambiente aparece un personaje que había triunfado con la Real Fundición de Sargadelos (Lugo). Es Antonio Raimundo Ibáñez, natural de Santa Eulalia de Oscos, buen conocedor de las herrerías del occidente, lo que le impulsa a montar en 1794 la Real fundición. El marqués de Sargadelos está obsesionado no solo por el hierro y la fundición sino también preocupado con el establecimiento de fábricas de loza y vidrio que pudieran atender la demanda interna, lo que le lleva a fundar años después la fábrica de Sargadelos (1806) en Cervo, Lugo, donde se mantiene hasta 1875.

Esta producción llegó a alcanzar, sobre todo en el tercer período, una gran calidad artística. Las cerámicas que salían de la fábrica, tanto las blancas como las pintadas y estampadas, tienen gran calidad y riqueza cromática, lo que las convierte en objetos de deseo y con el tiempo en piezas míticas. Así lo debieron entender los museos gallegos que ya desde su apertura en el primer cuarto del siglo XX acogen las mejores colecciones de Sargadelos. A este afán por coleccionar se opone la ausencia de una investigación rigurosa de la producción. Emilio Marcos Vallaure, director del Museo de Bellas artes de Asturias, echa de menos un estudio en profundidad. «No se ha hecho el estudio definitivo sobre la cerámica y la industrialización gallega». El museo quiere suplir esa ausencia con una investigación que indagará en los orígenes de Sargadelos y su coincidencia con las otras fábricas que van surgiendo en las primeras década del siglo XIX. «También es interesante conocer las relaciones con Asturias y con Jovellanos», afirma Marcos Vallaure.

La exposición incluye piezas de la vajilla de las distintas épocas de producción y estampación. También hay jarras, botijos, palangana, el famoso «Mambrú», tinteros, botes e incluso una caja de maquillaje que fue propiedad de la marquesa de Gastañaga, nieta del marqués de Sargadelos.

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El Museo Industrial se abre en mayo

05/03/2009
Eibar
El Museo de la Historia Industrial de Eibar se abrirá en mayo, según confirmó el alcalde, Miguel de los Toyos. Ahora se afrontan los últimos retoques, dirigidos a llenar el recinto de contenido museístico gráfico, con todos los paneles expositivos, rotulación y objetos históricos.

Este difícil y arduo trabajo se centra en la recopilación de los artículos que alojará el museo, en base a las donaciones que han realizado las empresas, particulares y las compras que llevó a cabo el Ayuntamiento.

Desde el Museo se ha tratado de recopilar en el último año antiguos elementos industriales. «Cualquier objeto inimaginable se ha realizado en Eibar. Son piezas increíbles, que conforman un gran puzzle y que después se instalaban en los aparatos y artículos que se fabricaban en nuestras industrias», indican desde el museo.

En este sentido, en el museo se podrá hacer un amplio recorrido por la trayectoria industrial de Eibar, desde las primeras ferrerías hasta los últimos productos fabricados el siglo pasado. Esta exposición se completará con un recorrido sobre la evolución de Eibar paralela a la trayectoria de las empresas. Se podrán ver las típicas bicicletas, motocicletas, máquinas de coser, material de oficina, electrodomésticos, tijeras... y se recogerán las primeras fabricaciones de El Casco, Alfa, Ojmar, Boj, Agme, Jacinto Alcorta, Solac, Orbea, así como las de otras firmas que se marcharon de Eibar, casos de Nicolás Correa y SKF.

El Museo Industrial de Eibar ocupará toda la superficie de la quinta planta de Portalea. Se completará de esta forma el nuevo espacio cultural de Eibar que, en su primera parte, está dedicado de forma exclusiva a las armas. Cuando el museo abra sus puertas en toda su superficie realizará un amplio recorrido por toda la tradición industrial y fabril. Con la apertura, las dos zonas del museo (armas e industria), además de la recepción, se contará con una superficie de 1.200 m2 en total. El Ayuntamiento de Eibar destinó más de 340.000 euros para dotar al Museo de la Industria de un equipamiento audiovisual e informático, dentro de la segunda fase de obras de estas instalaciones. El suministro del citado equipamiento, así como la ejecución de producciones audiovisuales, trataban de completar la oferta del museo ubicado en la casa de Cultura Portalea.

Armas
En este momento está abierto con diferentes salas el Museo de Armas, donde se establecen los antecedentes industriales en dos salas, donde se presentan los orígenes de la industria armera y la organización industrial en la época gremial, mostrando piezas pertenecientes a los primeros sistemas de ignición comenzando por el de mecha (siglo XVI) y llegando hasta la llave de chispa de principios del XIX.

En el segundo ámbito, denominado Tiempo de cambios, muestra en sus cuatro salas la evolución sufrida en la armería, consecuencia de los grandes avances tecnológicos acaecidos en el siglo XIX.

El último ámbito denominado La industrialización, muestra a través de sus tres salas el devenir de la industria armera hasta finales del siglo XX. Una gran vitrina situada al final es el escaparate de la actividad de este sector en el momento actual.

6.000 visitas
El Museo de Armas recibe una medida de cerca de 6.000 visitas y espera incrementar de forma significativa este número de asistentes con la inauguración de la segunda fase del museo, dedicada al propio recorrido por la historia industrial eibarresa de los últimos siglos.

Desde el Museo de Armas apuntan que «mayoritariamente son los hombres los que visitan el museo. Vienen antiguos trabajadores armeros, ciudadanos de Eibar y un público selecto amante de las armas y de su historia. Queremos ampliar el espectro de visitantes hacia estudiantes».

El Museo de Armas organizó unos talleres para atraer al público infantil, junto con un taller pedagógico dirigido a familias con niños y niñas. Mediante un juego de pistas, el grupo familiar recorría las salas del museo y observaba piezas significativas. En el área de actividad pedagógica, con la ayuda de sus padres, los niños se convertían en creadores y diseñadores.

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"Las Puertas del Cielo" del Egipto faraónico en el Museo del Louvre

04/03/2009
París
"Las Puertas del Cielo" del mítico Egipto, el recorrido de la vida a la muerte, de la noche al día, del Nilo al Universo, conforman a partir de hoy y hasta el próximo 29 de junio la exposición primaveral del Museo del Louvre.

"Les Portes du Ciel. Visions du monde dans l´Égypte ancienne" reúne más de 300 obras, en su mayor parte procedentes de los fondos del propio Louvre, que el público podrá descubrir a partir del próximo día 6.

El visitante no sólo contemplará los fondos propios del Museo, sino también 70 obras maestras de otras grandes instituciones europeas, con el objetivo de ofrecer un recorrido equivalente al ciclo "asimilable a un segmento de eternidad", explicó el comisario de la exposición y conservador en el departamento de Antigüedades Egipcias del Louvre, Marc Etienne.

Se trata de que el espectador pueda quedar impregnado del "espíritu egipcio" caracterizado por un universo mental fascinante y una increíble flexibilidad, nada cartesiana, comentó.

Las "puertas del cielo" designan en la lengua de los antiguos egipcios las del tabernáculo que alberga la estatua de una divinidad y simbolizan el paso de uno a otro mundo.

El objetivo de la exposición, según los responsables del museo, es "invitar a mirar de otra manera la imagen egipcia que nos parece tan conocida".

Los espacios creados para esta exposición están separados unos de otros por zonas de "transición", que recuerdan las "puertas" a través de las cuales se pasa de un mundo a otro y que incluyen una obra representativa del espacio al que sirven de introducción.

En las salas del Louvre se ha dado especial importancia a la iluminación con el fin de recordar el papel fundamental del sol y de sus rayos en la vida de los antiguos egipcios.

Mientras que algunas estancias están "bañadas" de luz, otras están sumidas en la penumbra, para reflejar sus características "físicas" o "simbólicas", según indicaron los responsables del museo, que ya en su colección permanente tiene una de las más importantes del mundo en arte egipcio.

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Critican al Museo de la Ciencia de Londres por publicitar a Israel

03/03/2009
Londres
Más de cuatrocientos académicos, entre ellos una premio Nobel de la Paz, han acusado al Museo de la Ciencia de Londres de publicitar universidades israelíes cuyas investigaciones han servido para la campaña de ese país contra Gaza.

Los críticos han pedido al museo que cancele unos talleres de la Federación Sionista programados para esta semana y con los que, según ellos, se trata de promover los logros científicos de Israel entre los escolares británicos, informa el diario "The Independent".

Acusan al museo, una de las instituciones públicas del Reino Unido más prestigiosas, de hacer publicidad de científicos y universidades "cómplices de la ocupación" y de la reciente campaña militar israelí "que tan desastrosos efectos ha tenido en Gaza".

Muchos de esos críticos fracasaron en un intento anterior de imponer un boicot académico contra Israel por el trato que dispensa a los palestinos.

Entre los cuarenta signatarios de la carta de protesta contra el museo figuran Jonathan Rosenhead, de la London School of Economics, Steven Rose, de la Open University, el conocido arquitecto e historiador Charles Jencks, la premio Nobel de la Paz Mairead Maguire y el escritor Ahdaf Soueif.

El presidente de la Federación Sionista, Andrew Balcombe, defendió los seminarios, argumentando que son puramente educativos y no políticos.

"Se trata simplemente de informar a la gente de la contribución que ha hecho Israel a la ciencia y la tecnología...Desconozco la relación que pueda haber entre defensa e investigación universitaria, que en cualquier caso no será mayor que la que hay en otros países", afirmó.

Por su parte, el Museo de la Ciencia señaló en un comunicado que el evento se planificó hace ya un año y negó que tuviese connotaciones políticas.

"Entre los científicos participantes hay un biólogo marino, un físico que trabaja en el CERN (Suiza), un experto en nanotecnología, un hidrólogo y un genetista", señala el comunicado, según el cual el museo se ha limitado además a alquilar el local a la Federación sionista.

Sin embargo, para Rosenhead, esta última circunstancia no exonera a los responsables del museo, pues "si (el presidente de Zimbabue) Robert Mugabe quisiera alquilar esos locales para un evento corporativo, ya sabemos cuál sería la respuesta".

Según Rosenhead, de los datos facilitados por la propia Universidad de Tel Aviv se desprende que el ministerio israelí de Defensa "financia cincuenta y cinco proyectos" de ese centro, "que desempeña un papel importante en el refuerzo de las capacidades militares y de seguridad israelíes".

El director de los estudios estratégicos de esa universidad es un general en activo y las universidades israelíes mantienen relaciones muy estrechas con el sector de la defensa, argumenta Rosenhead.

Otro de los que han protestado, el diputado laborista Ian Gibson, niega que se pudiese disociar la ciencia de la política y menos aún en Oriente Medio.

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El Museo del Prado publica su guía oficial

03/03/2009
Madrid
El Museo del Prado ha presentado la primera guía oficial de la pinacoteca. Con 400 imágenes a todo color, la guía abarca las principales obras de su colección permanente, todas ellas comentadas e ilustradas con el máximo rigor artístico.

El encargado de la presentación ha sido el Director del Museo del Prado, Miguel Zugaza, en un acto en el que se ha explicado también la reordenación y ampliación de la colección permanente del museo. 

La Guía Oficial del Museo del Prado está elaborada por especialistas de cada escuela (española, italiana, flamenca...) y es perfecta para conocer una de las más grandes pinacotecas del mundo. Este libro servirá de guía tanto para los que pisan por primera vez el Prado como para aquellos que lo que desean es ampliar sus conocimientos sobre esta gran colección.

Desde el románico hasta los pintores del siglo XIX, la Guía Ocial ofrece un viaje ameno e ilustrado por la historia de la pintura universal y sus grandes maestros, El Greco, Velázquez, Goya, Ribera, El Bosco, Rubens, Tiziano... sin olvidar otros capítulos menos conocidos de las colecciones, como dibujo, escultura y artes decorativas.

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Alan García dice que el proyecto Museo de la Memoria 
no refleja visión nacional

02/03/2009
Perú
El presidente García dijo hoy a periodistas en Lima que 'la memoria no es patrimonio de un solo grupo por inteligente que sea o de la mejor universidad en que esté, la memoria es nacional'.

La polémica en torno a este tema saltó esta semana en Perú cuando se dio a conocer que el Gobierno de García no había aceptado una donación de Alemania de dos millones de dólares para la construcción y mantenimiento de un Museo de la Memoria y a cambio había pedido que esos fondos se destinen a programas social.

Intelectuales como el escritor Mario Vargas Llosa, el artista Fernando de Szyszlo o el teólogo Gustavo Gutiérrez, han hecho público su rechazo a la negativa del gobierno, además de organizaciones de defensa de los derechos humanos.

García remarcó que deberían sumarse 'todas las perspectivas para tener una memoria nacional' que no solo incluya a aquellos 'que dicen que los juzgaron mal como terroristas, sino también a los campesinos que fueron victimados por los terroristas o en abusos terribles que hubo por parte de los gobiernos sin querer'.

También debería incluir a los soldados y oficiales que murieron en la lucha contra el terrorismo durante el conflicto interno.

'Y si los señores alemanes amplían su oferta (...) nadie podría negarse, mucho menos yo. Lo que quiero que sea una cosa, que sea cosa democrática e incluyente de todos los que han sentido de alguna manera que ese fue un momento terrible para la patria', puntualizó el jefe de Estado.

Agregó que si este museo lo pide solo un grupo, entonces debería pedirse al Congreso que 'verifique muchas cosas' para que sus conclusiones se añaden a 'las conclusiones anteriores que se tuvieron', en alusión al informe final sobre los años del terrorismo hecho público en 2003 de la Comisión de la Verdad y Reconciliación.

'Cuando se dio esta verificación de la Comisión de la Verdad habría que haberse hecho una encuesta y le digo que muchos peruanos dijeron: esto no es así, hay exageración, hay exceso. Esos peruanos también deberían tener su parte de interpretación, me parece lógico y democrático', indicó el presidente García.

García explicó que se rechazó el dinero alemán y se pidió que se invierta en programas sociales 'mientras nosotros nos reconciliamos de verdad con nosotros mismos' porque aún su 'patria está plagada de ánimos de venganza'.

Las violaciones a los derechos humanos durante las décadas de los 80 y 90 son un asunto que aún despierta encendidas polémicas en Perú y ha dado lugar a exposiciones, novelas, películas de uno y otro signo, así como frecuentes llamamientos a, según los casos, castigar o perdonar a los culpables.

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San Pedro de Gaíllos inaugura un museo dedicado a la danza de Paloteo

01/03/2009
Segovia
La localidad segoviana de San Pedro de Gaíllos ha inaugurado el "Museo del Paloteo", que reúne una amplia documentación histórica y una exposición de carácter permanente dedicada a las Danzas de Palos en toda España. El acto inaugural ha sido presidido por la directora general de Promoción e Instituciones Culturales de la Junta de Castilla y León, Luisa Herrero, quien ha estado acompañada por el senador del PP por Segovia, Clemente Sanz Blanco, nacido en este pueblo del nordeste de la provincia.

El proyecto museográfico del Museo del Paloteo ha sido elaborado por la empresa Sercam, a partir del guión elaborado por la etnógrafa Gema Rizo que se ha basado en la historia y tradición en San Pedro de Gaíllos y en los bailes y danzas rituales de palos en la historia.

Dedica una parte importante de la exposición al grupo de danzas de San Pedro de Gaíllos, que ha difundido el paloteo desde hace más de tres décadas con actuaciones y exhibiciones por toda España.

Con un presupuesto cercano al medio millón de euros, el museo ocupa dos pisos en los que se muestra el contenido a través de paneles, proyecciones audiovisuales e instrumentos tradicionales del baile del paloteo.

Se ha creado como una parte fundamental de la oferta que desarrolla el Centro de Interpretación del Folclore, creado en 2003 en el pueblo, y está previsto que los programas de interpretación cultural se realizarán coincidiendo con el calendario escolar para favorecer la participación de grupos escolares y asociaciones. Tras la inauguración, comenzará su actividad el próximo 6 de marzo y abrirá sus puertas al público los fines de semana y los días festivos.

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El Museo del Juguete de Hojalata abre sus puertas 
en Candeleda con cerca de 2.000 piezas

01/03/2009
Ávila
La localidad abulense de Candeleda (5.100 habitantes), situada muy cerca de Extremadura, alberga  el nuevo 'Museo del juguete de hojalata', impulsado por Francisco Gil y el periodista Luis Figuerola-Ferretti.

Ambos han querido conseguir que los mayores puedan reencontrarse en este lugar con sus juguetes de siempre, mientras los pequeños también pueden divertirse, tanto como sus padres y abuelos, con estos objetos catalogados minuciosamente después de dos años de intenso trabajo.

El museo se encuentra en 'La Casa de las Flores', un inmueble en el que nació Francisco Gil y cuya fachada principal da a la Plaza Mayor. Sus paredes, repletas e flores, datan de 1862, aunque posteriormente fueron remodeladas en 1902. Sus ocho balcones y grandes ventanales se encuentran repletos de macetas que se mantienen floridas durante todo el año, teniendo en cuenta el clima templado de la zona.

En ese privilegiado lugar, ubicado en una vivienda de arquitectura popular, se encuentra emplazado este original museo que cuenta en su planta baja con una tienda en la que se pueden adquirir réplicas de algunos de los 1.250 juguetes de hojalata que pueden verse en el recorrido.

Francisco Gil reconoce el concienzudo trabajo y la "ilusión" que ha supuesto hacer realidad este proyecto junto a Luis Figuerola-Ferretti. Ambos han trabajado "a conciencia para organizar, catalogar y documentar los numerosos juguetes y piezas de estas colecciones, guardadas con esmero para presentar lo que antes parecía una quimera".

El museo está dividido en tres secciones: 'Una infancia de hojalata', colección privada de Figuerola-Ferretti, 'Juguetes del mundo' y 'Objetos de otra época'.

La primera, con 250 piezas, incluye tartanas, motoristas, autobuses, cochecitos, camiones y otras muchas piezas de marcas como Payá, Rico, San Juan, Verdú y Hermanos o Jyesa. Entre las piezas más destacadas figura el famoso autobús de dos pisos 'Rico', todo un símbolo de la época. Tras reunir muchas piezas e jugueterías, cacharrerías y tenderetes de feria en la posguerra, Luis Figuerola-Ferretti se planteó la posibilidad de exhibirlas en esta localidad que fue escenario de algunos de los mejores momentos de su infancia. Éste fue el germen de la iniciativa.

La segunda sección reúne más de mil piezas que "muestran la evolución de los juguetes", así como "el dónde y cómo se han perfeccionado" y "su adaptación a la necesidades y normativas del mercado". Igualmente, repasa el ingenio de la época para reproducir a escala los aparatos y gustos de cada momento. También se aborda en este apartado la relación de la hojalata con otros materiales como la madera, el plástico y la corriente eléctrica.

En el apartado de objetos de otra época, -con 750 piezas- se observa un amplio abanico de utensilios de todo tipo correspondiente al momento de los juguetes que, en muchas ocasiones, fueron los puntos de partida a imitar por los primeros fabricantes de juguetes, de los que realizaban miniaturas para el juego de los niños.

Junto a la visita guiada y la proyección de un vídeo sobre la Sierra de Gredos, en cuya vertiente sur se encuentra Candeleda, el museo también ofrece exposiciones temporales, la creación de una bolsa de coleccionistas, conferencias y una tienda con muchos juguetes.

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