El Mundo de los Museos en Mayo
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Museo de Arte Moderno de Louisiana propone
una reflexión sobre la arquitectura 'verde' del futuro
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31/05/2009
Humlebæk
El Museo de Arte Moderno de Louisiana, situado al norte de Copenhague, inaugura una exposición que propone una reflexión sobre los modelos arquitectónicos del futuro respetuosos con el medio ambiente.
'La arquitectura del futuro es verde', que es como se llama la exposición, muestra ejemplos de concepción de la arquitectura como máquina viva, la ciudad como estructura nueva y edificios "inteligentes" que contribuyen de forma positiva al entorno y crean diversidad biológica.
 La exposición se divide en tres ámbitos —la ciudad, clima y confort, y cambio de materiales—, abordados a través de múltiples propuestas y sobre los que reflexionan cuatro laboratorios experimentales, uno de ellos a cargo de 'Ecosistema Urbano', estudio madrileño dirigido por Belinda Tato y José Luis Vallejo.
'What if..? cities' (¿Qué pasaría si las ciudades?) es un proyecto de 'Ecosistema Urbano' que recoge ideas vertidas en su página web por gente de distintas disciplinas de todo el mundo y volcadas en tiempo real en las pantallas de la instalación del museo, que aportan diferentes visiones sobre una urbanidad alternativa.
"El futuro no es sólo responsabilidad de políticos y técnicos, sino fundamentalmente de los ciudadanos, hay que ser ciudadano de forma permanente y decidir sobre el futuro", explica Vallejo. La instalación se divide en cinco áreas temáticas: territorio y movilidad, sociedad y cultura, arquitectura y paisaje, medio ambiente y recursos, y economía y desarrollo.
En cada área, en azul aparecen las ideas para un futuro posible y en rojo, el presente en forma de datos reales sobre cada aspecto. "La ciudad es la escala que nos permite enfrentar lo pequeño y lo grande, representa un problema enorme, pero encierra a la vez la semilla de un futuro mejor", explica Vallejo. La instalación se completa con imágenes de obras del grupo: su proyecto para el pabellón de Madrid en la Expo de 2010, el 'ecoboulevard' del barrio madrileño de Vallecas y la reconfiguración de Filadelfia (EEUU) con corredores ecológicos que la atraviesan.
La web del estudio madrileño recogerá hasta el 4 de octubre, fecha de clausura de la muestra, todas las ideas "reales pero visionarias" que lleguen de cualquier lugar del mundo y no excedan de 160 caracteres de extensión, explica Vallejo.
El desarrollo sostenible con enfoque social es la marca de este estudio, cuya web cuenta con blog, red social y canal propio de televisión interactivo con entrevistas y documentales sobre el tema.
La instalación de Ecosistema urbano forma parte de la sección sobre "la ciudad", donde también hay espacio para otro laboratorio sobre Masdar, el proyecto de ciudad libre de emisiones de CO2 que el estudio de Norman Foster construye en los Emiratos Árabes Unidos.
Ejemplos de rascacielos 'verdes', los planes de transformación de París, la ciudad brasileña de Curitiba como modelo de clasificación de residuos y de transporte urbano, y el aprovechamiento de la parte positiva del chabolismo en América Latina, como el proyecto para la favela Rocinha en Río de Janeiro, completan el primer apartado.
La sección "clima y confort" ofrece muestras de aplicación de nuevos principios para el ahorro y producción de energía, como el uso de placas solares en el paseo marítimo de Zadar (Croacia) o la casa atmosférica del arquitecto franco-suizo Philippe Rahm, donde los muebles abandonan el suelo y ocupan todo el espacio.
El último apartado aborda temas como reciclaje, nuevos materiales inteligentes o reutilización de construcciones existentes, ejemplificadas en "Cosas que se descomponen", un proyecto del estudio francés R&Sien (n) construido con elementos bioplásticos, cuya duración puede programarse de acuerdo a distintos parámetros.
O en las "máquinas del clima" del holandés Ton Matton, árboles frutales futuristas, cuidados mediante iluminación de invernadero, sistemas de riesgo tipo suero y ventiladores de aire frío o caliente: una mezcla de agricultura urbana experimental para la ciudad "verde" del futuro que propone Louisiana.
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Una exposición en el Museo de los Niños de Viena
explica a los más jóvenes la muerte
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30/05/2009
Viena
¿Por qué envejecemos?. ¿Qué queda de una persona que muere?. ¿Cómo es la muerte? Estas son algunas de las preguntas que pretende responder la muestra interactiva "Cuéntame algo sobre la muerte", organizada por el ZOOM, Museo de los Niños de Viena.
A lo largo de trece salas temáticas, la exposición guía a los visitantes por el ciclo de la vida tanto de los seres humanos como de animales, plantas y productos de consumo cotidiano. Además, se reflejan distintas tradiciones históricas y culturales relacionadas con la muerte, por ejemplo, en el antiguo Egipto o en el México actual.
Según el material didáctico que acompaña la muestra, la idea no es asustar ni deprimir a los jóvenes visitantes, sino "devolver la muerte a la vida y concienciar de que la vida y la muerte están inseparablemente relacionados".
 Con ese fin, se presentan cuentos de hadas, mitos y también juegos, que a lo largo de la historia ayudaron al hombre para explicar mejor la vida y la muerte.
"Es casi más fácil tratar este tema con los niños que con los adultos", explica Andreas, uno de los guías en el museo ZOOM.
Los grupos de escolares de entre 6 y 14 años de edad pasan unos 90 minutos en la muestra, de los cuales 60 son de tiempo libre.
"De esta forma, los niños pueden interactuar a su propio ritmo con la temática", cuenta el guía.
"Me encanta este museo, porque te dejan tocar las cosas, no hay sólo que mirar", cuenta Phillip, de ocho años.
Esa es justo la edad límite para poder entender la temática de la muerte. "Antes de los ocho años, la muerte es algo demasiado abstracto", asegura Andreas.
El recorrido comienza con la denominada "agencia de viajes", en la que los visitantes, que en su mayoría llegan en cuatro turnos diarios en el marco de excursiones escolares, obtienen "el pasaporte hacia el más allá".
La primera sala es la "máquina del tiempo", que marca la transición entre el mundo de los vivos y de los muertos, y que cuenta con un gigante reloj de péndulo y un reloj de arena, con el objetivo de hacer reflexionar sobre el tiempo y la vida. A continuación, los visitantes pueden elegir libremente a qué salas temáticas acuden, como por ejemplo el "laboratorio de la inmortalidad", en el que pueden componer su propio brebaje para no morir nunca, un viejo sueño de la humanidad.
 En la llamada "sala de la basura" se describe el ciclo natural de la creación y la descomposición, no sólo del hombre sino también de las plantas y de los bienes de consumo.
En el "salón del recuerdo" se plasma lo que queda de una persona cuando muere, y los niños pueden investigar en base a fotos, cartas y muebles la historia de un carnicero fallecido.
El "instituto fúnebre" se centra en las distintas tradiciones de la cultura occidental en cuanto a la muerte y los rituales y utensilios desarrollados a lo largo de la historia. Allí, los jóvenes visitantes pueden ver de cerca y tocar un ataúd y varias urnas para las cenizas de personas incineradas.
En el "jardín del paraíso" se muestra que el hombre, a lo largo de las diferentes épocas de la historia, siempre creyó en una vida después de la muerte. En esa parte de la muestra, los visitantes son llamados a escribir en pequeños papeles sus propias reflexiones sobre la muerte y colocarlas en los árboles situados en la sala.
En una de esas hojas, una niña dejó escrito: "me gustaría llevar mi ratón a la tumba, pero espero que haya una vida después de la muerte".
Al final de la exposición se encuentran las salas del viejo Egipto y del México actual, dos regiones que desarrollaron cultos de muerte muy particulares.
"La sala con el ataúd es la más popular, junto con el salón mexicano y el gran esqueleto", cuenta Andreas, que guía a cuatro grupos de jóvenes todos los días por esta exposición.
"Cuéntame algo sobre la muerte" es una coproducción de los Museos de los Niños de Berlín y de Viena, y estará abierta al público hasta el 28 de junio próximo.
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El Museo Arqueológico Nacional cambiará su forma de exponer
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29/05/2009
Madrid
Grandes museos del Estado como El Prado o el Reina Sofía se han dado en los últimos años un baño de modernidad. Ahora el Museo Arqueológico Nacional (MAN) ha decidido reinventarse también para asaltar el siglo XXI con fuerza proporcional a su ingente patrimonio. Cambiará de nombre, el director se elegirá por concurso y, sobre todo, se actualizará el concepto expositivo para explicar mejor al público los vínculos entre el pasado y el presente de la Humanidad. El Ministerio de Cultura espera completar la metamorfosis en 2011.
 ¿Cómo se pueden exponer en un museo más de 1,3 millones de piezas? No se puede. Ni siquiera es posible mostrar sin aturdir al visitante los 120.000 restos que exhibía el Museo Arqueológico Nacional antes de acometer, hace un año, las obras de ampliación en curso. Con la remodelación ganará más de 3.000 metros cuadrados hasta sumar 30.000 metros totales, y espacios más diáfanos y ordenados para esta otra joya del eje museístico Prado-Recoletos de la capital.
Es sólo el primer paso de una cura de rejuvenecimiento mucho más profunda que incluye el cambio de nombre. De Museo Arqueológico Nacional, a Museo Nacional de Arqueología. Parecido pero no igual, porque se elimina esa idea de que «el propio museo es una pieza antigua, arqueológica», explicó ayer José Jiménez, director general de Bellas Artes y Bienes Culturales.
Inaugurado en 1.867, el MAN es un museo asfixiado por su propio patrimonio. En el XIX primaba la continuidad evolucionista de la historia y todo cabía dentro de museos arqueológicos como el español, el Louvre o el British Museum. El MAN apostará por la claridad y por mostrar lo específico, lo singular, y lo que mejor cumpla el propósito de la disciplina arqueológica.
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Amsterdam devolverá al MNCN
Museo Nacional de Ciencias Naturales 11 dibujos robados
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28/05/2009
Madrid
La Universidad de Amsterdam (UvA) devolverá mañana al Museo Nacional de Ciencias Naturales (MNCN) de Madrid once cuadros con dibujos del siglo XVIII que le fueron robados en la década de los ochenta del siglo pasado y que llegaron a Holanda a través de un marchante británico.
 Los dibujos, que representan insectos y plantas, han estado en la colección zoológica de la Biblioteca Artis de la UvA desde 1992 y tienen un valor aproximado de unos 80.000 euros, confirmaron a Efe Fuentes de la Universidad de Amsterdam.
La portavoz de esa instancia, Eva Biesiot, explicó a Efe que, en 1992, un comerciante británico les ofreció en venta 200 dibujos que había adquirido en un anticuario de Madrid. "La UvA se interesó entonces por las 11 láminas, pero antes de pagarlas quiso investigar su origen", indicó Biesiot.
Poco después, todavía a principios de los noventa, las indagaciones de la Universidad de Amsterdam constataron que no solamente los 11 dibujos en su posesión sino también las 200 obras que les ofreciera el británico habían sido robadas entre 1982 y 1985 del Museo de Ciencias Naturales de Madrid.
Los dibujos, que originariamente formaban parte de los catálogos del farmacéutico de Amsterdam Albertus Seba (1665-1736), fueron comprados en 1785 por el rey Carlos III de España, que los adquirió en una subasta cuando eran propiedad del profesor de Biología holandés Joannes le Franc van Berkheij (1792-1812).
Cuando informaron al coleccionista de que había adquirido una obra hurtada, el británico no volvió a reclamar las 11 láminas, por las que la Universidad de Amsterdam nunca llegó a pagar.
"Se puede decir que el comerciante británico nos las dejó aquí cuando le comunicamos que habían sido robadas de Madrid", declaró la portavoz.
La Universidad ha intentado negociar con el comerciante británico la devolución a Madrid de la totalidad de los 200 dibujos, pero tras varios intentos frustrados y al no poder demostrar si los adquirió de forma ilegal, ha decidido finalmente devolver al menos las láminas en su posesión.
Los 189 dibujos restantes siguen en manos del coleccionista, en Gran Bretaña, especificó la Universidad, que con la devolución de las obras quiere hacer un llamamiento ético a coleccionistas de arte y pinacotecas. El director del MNCN, Alfonso Navas, recogerá mañana en Amsterdam los dibujos.
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El Museo de Pontevedra expone en Vigo un siglo de arte gallego
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28/05/2009
Pontevedra
Por primera vez, el Museo de Pontevedra, institución que gestiona la Deputación Provincial, cede parte de sus fondos para una exposición en el Centro Cultural Caixanova de Vigo. Allí se podrán visitar, hasta el próximo 12 de julio, cerca de medio centenar de obras que plasmaron la transición del arte gallego desde los patrones neoclásicos vigentes en la segunda mitad del siglo XVIII hasta la adopción de los principios del naturalismo decimonónico.
 Los 46 lienzos y esculturas que integran la muestra Do neoclasicismo ao naturalismo na arte galega. Colección do Museo de Pontevedra sintetizan la creatividad de tres generaciones de artistas en activo durante este período, que abarca algo más de un siglo. La exposición se abre con los representantes de la generación de 1740, con nombres como los del coruñés coetáneo de Goya Gregorio Ferro, quien llegó a dirigir la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y el escultor de temática religiosa José Ferreiro.
Al grupo surgido en torno al cambio de siglo se adscriben pintores como Jenaro Pérez Villamil, quien adquirió rango de notoriedad como paisajista romántico en el círculo madrileño tras formarse en Sevilla en la tradición británica, y el costumbrismo del asturiano, y muy ligado a Galicia, Dionisio Fierros, entre otros.
Finalmente, en la exposición en el Centro Cultural Caixanova de Vigo se podrán admirar las obras de los pintores cuya trayectoria arranca a finales del XIX, como Francisco Lloréns, discípulo de Sorolla, y el academicista Fernando Álvarez de Sotomayor.
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El Museu Picasso recibe un boceto inédito del pintor
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27/05/2009
Barcelona
Barcelona engorda orgullosa su colección picassiana. Y lo hace gracias a la generosidad desinteresada de Catherine Hutin, hija de la que fue la última esposa de Pablo Ruiz Picass, que ha donado al Museu Picasso de Barcelona un dibujo casi inédito del pintor malagueño.
El boceto, prácticamente desconocido –Hutin lo descubrió el año pasado y sólo había sido expuesto en la muestra 'Oblidant Velázquez. Las meninas', que el museo barcelonés dedicó a la serie de 'Las meninas' en el 2008– supone "una incorporación muy importante para el museo, porque completa la serie donada por el mismo Picasso en 1968 y permite establecer los métodos de trabajo que el artista empleaba antes de abordar una gran composición", tal como afirma el director del museo, Pepe Serra.
 Efectivamente, Picasso dispuso en un papel de cuaderno de 24 x 30,5 centímetros las pautas del largo proceso que supondría la creación de una suite de 58 óleos que el pintor realizó en el taller situado en la planta superior de La Californie –su estudio en Cannes– entre agosto y diciembre de 1957.
En él esbozó de una manera "extremadamente estudiada" la composición de su célebre interpretación del cuadro de Velázquez y empezó a determinar aspectos como el tratamiento del espacio y el protagonismo de los personajes con líneas muy simples, casi caricaturescas. El dibujo muestra además algunas variaciones que el pintor redefinió más adelante como la figura del propio Velázquez sosteniendo una sola paleta, a diferencia de las telas posteriores donde aparecerá con dos.
La obsesión por la luz y la profundidad que Picasso profesa a lo largo de toda la serie también quedan patentes en el boceto donde se adivina el tratamiento que el pintor malagueño dará a las ventanas de la escena, semejante al de algunos personajes.
Otro elemento sorprendente es la fecha que aparece en el extremo superior de la hoja –16 de agosto de 1957– y que la sitúa un día antes de la que se consideraba como la primera obra de la serie hasta la fecha. Por este motivo, Serra no descarta la aparición de "más dibujos preparatorios" teniendo en cuenta el nivel de acabado del boceto donado por Hutin, que pasará a encabezar la muestra de la calle Montcada cuando vuelvan las piezas actualmente cedidas a la National Gallery londinense.
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El renovado museo Reina Sofía estrena
su colección permanente con un millar de obras
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27/05/2009
Madrid
El Reina Sofía ya está listo para plena entrada en el siglo XXI. Un millar de obras sustentan microrrelatos a través de los cuales se da cuenta del arte contemporáneo de la historia de la modernidad artística hasta las manifestaciones más recientes. La fotografía y el cine arman el discurso de cada uno de esos momentos históricos y, por fin, se puede contemplar a Goya como inspirador del arte contemporáneo . Pero la gran sorpresa de la colección que hoy ha sido presentada a la prensa atañe a la joya del museo: el Guernica. El mural de Picasso se puede contemplar con más intensidad que nunca: ya no hay barreras que rompan su perspectiva (las alarmas son ahora sonoras) y una nueva iluminación enfocada hacia la bóveda multiplica visualmente la amplitud espacial.
En las salas que rodean al Guernica, se recontruye el ambiente de lo que fue el Pabellón de la República en la Exposición Universal de París en 1937. Las salas, al igual que ocurrió con el Pabellón, del que se expone una maqueta, muestran obras de Joan Miró, Alexander Calder, Josep Lluís Sert y Josep Renau. El Guernica es la culminación y bandera de toda la lucha intelectual contra el fascismo.
Momentos antes del recorrido inaugural, Manuel Borja Villell adviritió de que la colección debía contemplarse más como un cuento de Las mil y una noches que como un episodio de Guerra y paz. El director precisó que la colección no pretende ser una historia canónica "y por ello tiene que romper con ciertos conceptos. No queremos construir una historia homogénea. Esto es el comienzo y a partir de aquí seguiremos trabajando.
Las mil obras se extienden sobre 7.500 metros cuadrados entre el edificio Sabatini (plantas segunda y cuarta) y la ampliación de Jean Nouvel (plantas cero y primera). 400 0bras expuestas proceden de los almacenes del museo y 137 son nuevas adquisiciones. En cuanto al soporte, hay 265 son pinturas, 90 esculturas, 30 obras sobre papel, 299 fotografías, 12 instalaciones y 50 audiovisuales y material documental. Para Borja Villel, el nuevo enfoque supone un avance en un mundo de cambios y permite que el museo "ocupe rápidamente el puesto que tiene asignado y que estaba un poco deslucido".
Los grandes episodios artísticos
En lugar de centrar la colección en un paseo por los grandes movimientos o las genialidades individuales, la colección opta por una contextualización de los distintos momentos artísticos en la historia y cultura material de los siglos XX y XXI. No obstante, la obra de Picasso, Miró y Dalí, por este orden, mandan en la exposición de la colección a través de los sucesivos microrrelatos. ¿Ha sido relegada la pintura y la escultura en beneficio del cine y de la fotografía?. "En absoluto", responde Borja-Villell. La novedad es que todos estos soportes tienen la misma categoría y se alimentan unos a otros".
Al menos en los primeros días, la estrella de la colección va a ser inevitablemente Goya y sus grabados . Los trece pertenecientes a los Desastres de la guerra, con los que se inicia el recorrido en la segunda planta se exponen junto a la pintura Garrote vil, de Ramón Casas; Cuerda de presos, de Jose María López Mezquita, doce fotografías de Alfonso y la proyección Salida de la fabrica, de los hermanos Lumière, entre otras obras.
En una sala próxima, se exponen cuatro grabados pertenecientes a Los Caprichos y otros tres a los Disparates, junto con varios dibujos y aguafuertes de Gutiérrez Solana.
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Una exposición en el CCCB explora
la era quinqui como fenómeno social y pop
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26/05/2009
Barcelona
 La delincuencia juvenil de los años 70 y 80 fue explotada a conciencia por la prensa sensacionalista y el cine popular, que convirtieron a sus protagonistas en leyendas urbanas. Asimismo, mereció la comprensión paternalista de una progresía con mala conciencia. Pero apenas fue estudiada como fenómeno social y, a partir de cierto momento, también pop. Y en cuanto pasó el episodio fue enterrado en las profundidades de la memoria colectiva como si fuera un bochornoso secreto de familia. La muestra Quinquis de los 80, organizada por el CCCB y comisariada por Amanda Cuesta y Mery Cuesta, ofrece a partir del martes un análisis global de esos días de polígonos, heroína y escopetas recortadas.
El Lute, símbolo de la delincuencia de los 60. El Vaquilla, símbolo de la delincuencia de los 70 y 80. El primero inició su carrera delictiva como ladrón de gallinas. El segundo, como ladrón de coches. Mundo rural y mundo urbano. Pero no era un mundo urbano cualquiera el que parió al Vaquilla (Juan José Moreno Cuenca), el Jaro (José Joaquín Sánchez Frutos), su lugarteniente el Guille (Guillermo Segura Martín) y la tira de quinquis cuyos alias (el Fittipaldi, el Pepsicolo, el Carica... ) causaban temblores allí donde sonaban.
El área metropolitana de Barcelona recibió casi 1.200.000 inmigrantes del resto de España entre 1950 y 1970. En los 60, el Ministerio de Vivienda empezó a construir polígonos en las grandes ciudades. Para realojar a chabolistas y para absorber a nuevos inmigrantes.
GUETOS
En Barcelona y su cinturón se levantaron la Pau, el Besòs, la Mina, Sant Cosme, el Polígono Canyelles. Concentración y aislamiento de la pobreza. Guetos. "Primero se hacían los edificios y años después servicios como las escuelas", dice el psicólogo y educador Jaume Funes, que en los 70 ejercía en Cornellà. Se juntaron además dos crisis, según Carles Feixa, antropólogo especializado en culturas juveniles.
 Una, económica. En 1975, España superó los 300.000 parados, cifra que creció año tras año hasta rozar los tres millones en 1987. Y otra, política, al pasar de la dictadura a la democracia. "Hubo desajustes tanto en las fuerzas represivas como en el uso de la libertad", dice Feixa. Muchos miembros de asociaciones de vecinos y juventudes políticas que trabajaban a pie de calle ingresaron en partidos para las generales de 1977. Vacío de poder y de referentes.
Resume Funes su experiencia en Cornellà: "Uno de cada tres chavales estaba en peligro de ser delincuente. Y no solo chicos de origen marginal, sino también hijos de obreros".
Un amigo íntimo de Ángel Fernández Franco, el Trompeta, rebautizado el Torete en Perros callejeros, dice que en la Mina tenía la sensación de vivir en un "planeta olvidado". Barcelona quedaba muy lejos. "Se puso de moda robar coches --sigue--. Como diversión. Cuando llegaba un coche robado al barrio era un espectáculo. Íbamos todos a verlo hacer el loco". El buga se convirtió después en herramienta de trabajo.
EL FETICHE
"El coche fue el fetiche de la nueva delincuencia --analiza Funes--. Porque era el objeto de consumo mítico del momento y porque suministraba adrenalina, era una salida a una situación de abulia vital". Para, Feixa esa delincuencia juvenil de tinte nihilista nació de la misma sensación de no future que el punk. "Inconscientemente era una forma de protesta", dice. El colega del Torete recuerda que hacia 1977 empezó a ver a jóvenes de la Mina a vomitar en la calle: "No sabía qué les pasaba". Había llegado la heroína.
El caballo tuvo en España lo que los expertos en toxicomanías llaman un ciclo de consumo corto e intenso. Llegó, mató y remitió. En 1991 la epidemia de la heroína alcanzó el pico de mortalidad con 1.700 víctimas por sobredosis. El sida, que tenía en las jeringuillas compartidas su principal vía de contagio, se cobró 4.300 vidas en 1995. Fue en los 80 cuando los primeros muertos se engancharon y los segundos se infectaron.
PÁNICO
"La heroína nos pilló en bragas --dice el comisario Juan Martínez, entonces agente del Grupo de Atracos de la Brigada Criminal--. Los atracos de todo tipo se multiplicaron y endurecieron. Teníamos pánico a las recortadas. Hacían un abanico de fuego tremendo. Años violentos".
También en las cárceles, donde menudeaban motines y fugas. "Los comunes se sentían agraviados por no haberse beneficiado de las dos amnistías dadas a los políticos en la transición --dice Agustí Curto, jurista de prisiones--. Las condiciones en la Modelo, con una superpoblación brutal, eran desastrosas. Las drogas completaron el cóctel molotov".
¿Dónde están esos quinquis? Todos los célebres, muertos. Y casi todos los anónimos también.
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El Museo del Vidrio y Cristal de Málaga abrirá en Septiembre
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25/05/2009
Málaga
El Museo del Vidrio y Cristal de Málaga, situado en calle Gaona, donde se exponen cerca de 700 piezas de la colección de Gonzalo Fernández-Pietro, compuesta por cerca de 3.000, a las que se suman mobiliario y retratos artesanos, abrirá sus puertas al público en general el próximo mes de septiembre. Hoy se llevó a cabo su inauguración oficial con el objetivo de iniciar su difusión y de convertirse en un punto de referencia.
 Los visitantes de este espacio expositivo del centro histórico, junto a la iglesia de San Felipe Neri, podrán hacer un viaje por la historia a través de mobiliario, pintura, vidrio y cristal. Asimismo, en la parte trasera del edificio hay un gran jardín para esparcimiento del público.
Los responsables del museo dedicarán ahora los próximos meses a su difusión, dirigiéndose especialmente a los expertos en la materia, según informó a los periodistas el propietario de esta colección, que, como dijo, "llegué un día a este barrio por casualidad, vi esta casa por casualidad y me quedé".
"Después de ocho años de mucho sufrimiento, ya está funcionando", declaró este madrileño enamorado de Málaga, que colecciona vidrio desde que tenía ocho años y quien aseguró que las piezas que se traen a Málaga "son de digna mención".
Así, Fernández-Pietro destacó como una de sus joyas un oinochoe del Mediterráneo occidental; "es extremadamente rara porque se trata de un vidrio muy difícil de encontrar". También resaltó piezas de vidrio catalán del siglo XVI.
Señaló que, aunque el espacio "es reducido", poder estar en la antigua posada de San Felipe Neri, un edificio del siglo XVIII, en la plazuela del Santísimo Cristo de la Sangre, "da un encanto". "No queremos perder el sabor de la casa", apostilló, a lo que añadió que se trata de "una maravilla porque pertenecía a la clase media, siendo una de las pocas que hay en el sur de España".
Asimismo, el responsable de este museo afirmó que "la casa pertenecerá siempre al barrio de San Felipe, no hay ningún propietario", para lo que se acordará "el modo legal adecuado".
CRECIMIENTO
Fernández-Pietro confió en que el museo pueda crecer. Ante lo que el alcalde, Francisco de la Torre, que asistió a la inauguración, le animó y comentó que se le ayudará para que "sea una realidad lo más espléndida posible" y recordó que cerca de este espacio hay unos solares con unos hornos de cerámica de la época nazarí, por lo que "se buscarán fórmulas de colaboración para que sean parte de la historia de la cerámica en Málaga".
De la Torre, quien expuso que "hoy es un día muy hermoso" porque es la culminación de "tanto esfuerzo e ilusión", se mostró seguro de que este museo "será un impulso muy importante a la rehabilitación del barrio".
"La ciudad gana en su patrimonio, da un paso adelante muy importante y sobre todo vincula aún más a Málaga su deseo de seguir creciendo", manifestó el regidor malagueño.
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Arqueólogos iraquíes aprenden nuevas técnicas en un museo de Chicago
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24/05/2009
Chicago
Con guantes de laboratorio azules y mucho cuidado, arqueólogos iraquíes evalúan si los materiales para almacenar o exponer piezas de colección son corrosivos, una tarea banal en muchos museos, pero nueva para ellos, que recuperan en Chicago los años de formación perdida.
Aislados durante años, primero por el régimen de Sadam Hussein y luego por la guerra, estos profesionales aprovechan el entrenamiento de seis meses en el Museo Field de Chicago (Illinois, norte), que les permite ponerse al día con técnicas y equipamientos modernos para investigar mejor la rica herencia cultural de su país.
"Hay tantos objetos que necesitan conservarse", dijo Alaa Hussein Jasim, un arqueólogo del Ministerio de Turismo y Antigüedades de Irak. "Necesitan ser reparados y restaurados. Cuando se conoce la estructura interna de un objeto, los metales, entonces sabemos qué métodos de restauración se deben aplicar".
 El Departamento de Estado norteamericano también financia la reparación del Museo Nacional de Irak en Bagdad, saqueado después de la invasión liderada por Estados Unidos en 2003, así como la construcción de un instituto de formación de técnicas de conservación en Erbil.
"Antes de la guerra disponíamos de muchas técnicas de conservación y análisis", recordó Shukran Al-Alwe, conservadora del Museo Nacional de Irak. "Desde la guerra no tenemos nada de eso porque nuestro laboratorio fue completamente destruido".
Ante la falta de fondos, Alwe y sus colegas recurrieron a métodos de conservación simples: sacar el polvo a mano y aplicar a las piezas un barniz protector. Con el entrenamiento en Chicago, contarán con nuevas herramientas para proteger una colección que no hace sino aumentar. A pesar de la inestabilidad política, los arqueólogos siguen excavando en Irak, cuna de la la civilización sumeria, considerada la primera y más antigua del mundo, donde quedan cientos, si no miles, de sitios por explorar.
"Tenemos que preservar estos objetos (...) porque reprsentan nuestra civilización y nuestro patrimonio", dijo Alwe.
El Museo Field, en asociación con la Universidad de Chicago, acogerá a dieciocho arqueólogos iraquíes en los próximos dos años. Los profesionales serán formados en técnicas de conservación, en gestión de colecciones, y en métodos para descubrir y cartografiar nuevos lugares con ayuda de radares e imágenes por satélite.
"La anarquía y los saqueos destruyeron un 25% de los sitios arqueológicos en el sur de Irak", destaca James Philips, conservador al Museo Field y director del proyecto Patrimonio Cultural Iraquí. "Ahora vamos en la dirección correcta".
El proyecto también ayudará al Museo Field a conocer mejor su propia colección de 23.000 objetos procedente de Kish, una ciudad iraquí de 5.000 años, excavada entre 1923 y 1933.
"Para nosotros, es un intercambio muy interesante", dijo Hildegard Heine, una conservadora alemana que dirige el proyecto de Kish y participa en la formación de sus colegas iraquíes, ya que ellos "pueden enseñarnos sobre estos objetos".
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Museo Morgan muestra la evolución
en el diseño escenográfico teatral del s.XX
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23/05/2009
Nueva York
Dibujos, acuarelas y partituras musicales ilustran la gran innovación y el renacimiento artístico que experimentó el diseño escenográfico teatral en el siglo XX, en una exposición en el Museo Morgan de Nueva York y que permanecerá abierta hasta el 16 de agosto.
La muestra recorre la historia de la escenografía teatral desde los orígenes de su transformación a principios del siglo XX, con artistas innovadores como el británico Edward Gordon Craig (1872-1966), quien abordó por primera vez el diseño del escenario de una manera imaginativa en lugar de literaria.
 "A mediados del siglo XX surgió un grupo de artistas que creó un renacimiento artístico en el teatro porque aportaron nuevos materiales, nueva iluminación y nuevas ideas que revolucionaron la experiencia teatral", declaró la comisaria de la exposición, Jennifer Tonkovich.
Destaca en la exposición el movimiento "avant-garde" ruso que llegó a los teatros moscovitas en 1899 gracias a la creación del Teatro de Arte de Moscú, que llevó las ideas vanguardistas de otras artes al teatro y en donde surgieron artistas como Léon Bakst, cuyos diseños influyeron a futuros creadores como la autora de "Construcción para una tragedia", Alexandra Exter.
"Entre los dibujos rusos hay algunos ejemplos espectaculares de diseño escenográfico que son tan innovadores y tan diferentes a todo lo que se había visto antes en el teatro que incluso la idea de ir hoy en día a una obra con esos decorados sería excitante", declaró Tonkovich.
La exposición cierra con la escena teatral estadounidense, cuyos orígenes están fuertemente influenciados por los diseños francés y ruso y que, a medida que se desarrolló, se fue centrando en las obras musicales, el género por excelencia en este país.
Entre ellos, Tonkovich destacó la labor de Robert Edmond Jones (1887-1954), uno de los diseñadores teatrales más importantes de EEUU por traer hasta los escenarios estadounidenses las innovaciones que conoció en sus viajes y con las que contribuyó a transformar por completo la hasta entonces conservadora escena teatral de su país.
"Ellos influyeron en los artistas de finales del siglo XX para poder soñar con cualquier cosa e intentar cualquier cosa, para no tener miedo de asustar, ofender o decepcionar al público", apuntó la comisaria.
Junto con Edmond Jones aparecieron diseñadores como Donald Oenslager y Eugene Berman, que quisieron romper con las técnicas traídas por Craig en los orígenes del diseño escenográfico, para dar un paso más allá en la innovación y crear un escenario más "evocador, elegante y rico en color, muchas veces a grande escala y repleto de ruinas y luces misteriosas", afirma un comunicado del museo.
Los diseñadores escenográficos no sólo influyeron en la manera de crear escenarios en el teatro estadounidense sino también en el cine, ya que en esa misma época se gestaba Hollywood, influido enormemente por estos diseñadores, dijeron los expertos.
"Esta muestra es especialmente importante aquí en Nueva York, que somos una ciudad de teatro, donde la gente viene de todo el mundo para verlo y los propios neoyorquinos están ávidos por ir al teatro. Hay un gran aprecio por el escenario y conocer la historia te ayuda a entender lo que pasa en el teatro hoy día", declaró Tonkovich.
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La esencia de Joaquín Sorolla en el Museo del Prado
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22/05/2009
Madrid
La mayor exposición antológica que se ha dedicado nunca a Joaquín Sorolla saldará la "deuda histórica" que el Museo del Prado y la historia del arte tenían con el pintor valenciano, el de mayor proyección internacional del siglo XIX. Un total de 102 lienzos, entre ellas todas sus grandes obras maestras, contribuirán a dar una visión de Sorolla que va más allá de sus populares escenas costumbristas marineras, emblemáticas del pintor, al reunir desde sus primeros éxitos juveniles hasta la plenitud de su obra madura y sus años finales.
En la exposición, que inaugurará oficialmente el próximo lunes la Reina -un día antes de su apertura al público- se incluyen los catorce paneles monumentales de "La Visión de España" pintados por el artista para decorar la biblioteca de la Hispanic Society of América de Nueva York, y que acaba en Madrid su itinerancia por varias ciudades españolas.
Para José Luis Díez, comisario de la exposición y jefe de Conservación de Pintura del XIX de El Prado, salda la "deuda histórica" del museo con uno de los grandes pintores españoles, y le sitúa "dentro del lugar que le corresponde", ofreciendo al visitante una ocasión "única e irrepetible" de conocer lo mejor de toda su obra. Recordó que desde los años ochenta todas las exposiciones dedicadas al artista valenciano han sido para ver "una visión fragmentada de su producción", y señaló que en ésta se podrá contemplar una visión general de su obra pictórica.
"No hay otro pintor de su tiempo que consiga llenar las cuatro salas de ampliación del Museo con el nivel máximo de calidad con que Sorolla lo hace", aseguró José Luis Díez, quien se mostró convencido de que ésta es de las pocas exposiciones en las que se han conseguido todas las obras pedidas, llegadas de museos y colecciones privadas de todo el mundo.
Los cuadros más emocionantes
La muestra, con un recorrido cronológico, se inicia con el lienzo "El Palleter declarando la guerra a Napoleón", que supuso su pasaporte para completar su formación en Italia, y continúa con sus lienzos de argumento social como "¡Otra Margarita¡ o ¡Triste herencia¡, a los que siguen sus obras más conocidas de escenas marineras, como "La vuelta de la pesca" o "Comiendo en la barca".
Entre los cuadros más emocionantes por la ternura que desprende destaca el de "Madre", en el que refleja a su esposa, Clotilde, con su tercera hija, Elena, recién nacida (1895), así como sus retratos, en los que mejor recoge la profunda huella de Velázquez, liderados por "Desnudo de mujer", un homenaje muy personal a la "Venus del espejo". "Sol de la tarde", expuesto por primera vez en España desde que fuera vendido en Nueva York, inaugura la siguiente sala, dedicada a los retratos de su familia como el conocido "Paseo a la orilla del mar", en el que plasma a su mujer y a su hija, casi a tamaño natural, paseando por la valenciana playa del Cabañal o "María Clotilde", utilizado como portada del catálogo.
En el piso superior, una sala acoge el conjunto íntegro de los catorce paneles de la "Visión de España" realizados por Sorolla con escenas costumbristas de las diferentes regiones españolas para la Hispanic Society of América, encabezados por el de "Castilla. La fiesta del pan", composición de impresionantes dimensiones (351 centímetros de alto por 1.392 de ancho) dividida en siete lienzos.
Javier Barón, comisario de la muestra y jefe de Departamento de Pintura del XIX del museo, destacó que para que los cuadros luzcan en sus mejores condiciones se han restaurado un total de 25, y puso de manifiesto su gran capacidad para plasmar en sus lienzos los reflejos, las luces y sombras y el movimiento. Explicó que, además, con la exposición de los paneles de su "Visión de España" se cumple, por fin, el deseo del pintor de verlos expuestos en El Prado, algo que no se pudo realizar antes de su traslado a Nueva York.
El director del museo, Miguel Zugaza, consideró que esta muestra, con la que se intenta "salir de los tópicos" sobre Sorolla, es la "definitiva" sobre el pintor valenciano, a quien consideró un gran artista del XX, no sólo del XIX" y a quien definió como "una de las retinas más claras de la pintura española". Zugaza animó a los visitantes a comprar sus entradas por Internet abaratando así su coste y evitando las tradicionales colas en el acceso a la pinacoteca, y señaló que todas las entradas conllevarán la fijación de una hora determinada de acceso y pases cada quince minutos.
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El CaixaForum de Barcelona explora el legado
y la mente del arquitecto Andrea Palladio
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22/05/2009
Barcelona
La exposición 'Palladio, el Arquitecto (1508-1580)' propone en el CaixaForum de Barcelona una inmersión en la obra del arquitecto italiano, a través de 190 obras --entre ellas, 14 maquetas--, así como dibujos, manuscritos, y pinturas de la época, para ayudar a profundizar en la mente del conocido como "arquitecto de arquitectos".
La muestra se enmarca en las celebraciones del quinto centenario del nacimiento del arquitecto, y se podrá ver hasta el 6 de septiembre. Además de maquetas de gran formato de sus famosas villas, la muestra presta especial atención a los bocetos y manuscritos del arquitecto, para profundizar en sus ideas más precursoras.
El director del Centro di Studi di Arquitettura Andrea Palladio (CISAAP) de Vicenza, Guido Beltramini, y la directora de Asuntos Académicos de la Royal Academy of Arts, MaryAnne Stevens, destacaron hoy en la presentación de la exposición "la centralidad fundamental de sus dibujos" para comprender su obra.
De hecho, se mostrarán 70 dibujos originales, "un tesoro extraordinario", según Beltramini, que supone "un encefalograma del arquitecto cuando está pensando". Además de la importancia de los dibujos, que muestran una "fluidez desordenada" comparable a la de Mozart con la música, la exposición reconoce también el legado de Palladio como "arquitecto escritor".
Palladio fue un precursor por su célebre tratado 'Los cuatro libros de la arquitectura', cuya mezcla de texto e ilustraciones sirvió de modelo para arquitectos de la época y futuras generaciones.
Tras explicar que antes de Palladio "nadie había entendido la fuerza del libro para comunicar", Beltramini destacó el valor de sus textos frente a la escasez de testimonios pictóricos que ayuden a conocer la figura del artista. "Los libros de Palladio son un autorretrato, es un legado tan fuerte que el retrato físico no sirve", aseguró.
Pero la exposición no sólo se centra en la vida y obra del arquitecto, ya que también lo sitúa en su época, la de un Véneto en decadencia que encontró en su arquitectura una forma de transformar su campiña. Para mostrar esa relación con el paisaje, la exposición también incluye obras de pintores coetáneos, como Tiziano, Veronese, Canaletto y El Greco.
Stevens aseguró que sin Palladio "es imposible entender la nueva arquitectura", y para expresar ese fuerte legado, arquitectos como Arata Isozaki, Zaha Hadid o David Chipperfield explican, a través aportaciones plásticas y entrevistas, cómo el arquitecto renacentista ha influido en su obra.
La muestra llega a Barcelona tras su paso por Vicenza (Italia) y Londres, y en otoño se podrá ver en el CaixaForum de Madrid. Beltramini, que destacó en todo momento la manera en que Palladio ayudó a democratizar la manera de construir, terminó sus explicaciones con una afirmación contundente: "Palladio es la arquitectura".
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El Museo de Prehistoria volverá a abrir a finales de 2010
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22/05/2009
Santander
El Museo de Prehistoria y Arqueología de Cantabria será inaugurado a finales de 2010 en el Mercado del Este, con un espacio expositivo que multiplica por cuatro el disponible en su emplazamiento anterior y un diseño vanguardista que invitará al visitante a seguir un itinerario cronológico e interactivo.
El consejero de Cultura, Javier López Marcano, y el alcalde de Santander, Íñigo de la Serna, han firmado hoy el convenio que permitirá que la planta baja del Mercado del Este se convierta en la sede provisional de este museo, que tendrá su ubicación definitiva en el futuro Museo de Cantabria que se construirá en Las Llamas.
 El espacio expositivo será de 1.900 metros cuadrados, donde se mostrará el 30 por ciento de la colección de prehistoria y arqueología de Cantabria. El consejero ha destacado que hay que tener en cuenta que en esta nueva sede no tendrá que compartir espacio la parte expositiva con la destinada a biblioteca e investigación, como ocurría en su anterior emplazamiento, los bajos de la antigua sede del Gobierno regional, ya que esta actividad investigadora, ha recordado, se trasladará al local situado en la Avenida de Los Castros.
"El giro es copernicano", ha subrayado López Marcano, quien ha recordado que en los bajos del Gobierno regional el espacio disponible era de 600 metros cuadrados y casi la mitad se dedicaba a investigación y a la biblioteca, que cuenta con unos 18.000 volúmenes.
El nuevo museo invitará al visitante a seguir un itinerario cronológico desde las etapas más tempranas de la Prehistoria a la época romana, en el que encontrará una serie de "guiños" que la animarán a participar y "mimetizarse" con cada uno de los espacios. También habrá una parte más didáctica, en la que se instalarán audiovisuales.
"No se trata de un traslado, sino de un nuevo museo", han insistido tanto De la Serna como López Marcano, quien cree que esta nueva oferta, que combina el carácter didáctico con una museología "muy moderna", va a "calar hondo" en las decenas de miles de visitantes que atraerá.
La apertura será a finales de 2010, según los cálculos "arriesgados" pero también "prudentes" del consejero, y tras la firma del convenio, los siguientes pasos serán la tramitación del proyecto de obra, que tendrá un presupuesto de unos 200.000 euros, y la redacción de los pliegos del proyecto museográfico, que supondrá una inversión de 1,5 millones de euros.
Uno de los puntos que recoge el convenio es la potenciación de la marca 'Santander, ciudad de museos"', un aspecto en el que ha hecho especial hincapié el alcalde, que ha resaltado la importancia de que se vaya generando esa "marca de calidad", especialmente de cara a la candidatura a Ciudad Europea de la Cultura en 2016. Además ambas administraciones han acordado la edición de una nueva guía museística de Santander que contribuya al lanzamiento de esa marca.
El convenio firmado hoy establece que el Ayuntamiento se compromete a ceder los 1.900 metros cuadrados de la planta baja del Mercado del Este y el Gobierno, a hacerse cargo de la remodelación, el funcionamiento y la apertura al público. De la Serna ha resaltado la voluntad de colaboración entre el Ayuntamiento y la Consejería de Cultura, que dará como fruto un museo que destaca por la calidad de su diseño, "nuevo y atrevido", y de paso, a una nueva oferta cultural en la que el equipo de gobierno ha puesto "muchísmima ilusión".
Esta no es la única iniciativa en la que trabajan conjuntamente las dos administraciones, que también colaboran en la recuperación de los restos arqueológicos de la Plaza de Alfonso XIII, en el marco de un nuevo museo que abrirá sus puertas antes del verano, y en la puesta en valor de los restos aparecidos en la Plaza Porticada.
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Una gran fiesta marcará la inauguración del Nuevo Museo Acrópolis de Atenas
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21/05/2009
Atenas
El nuevo Museo de la Acrópolis de Atenas se inaugurará el próximo 20 de junio en presencia de numerosas personalidades internacionales y con una gran fiesta en toda la ciudad que durará una semana, informó hoy el Ministerio de Cultura.
 El nuevo edificio, localizado a unos 300 metros de distancia de la colina de la Acrópolis, ofrecerá a 2.500 personas la posibilidad de visitar gratis las instalaciones en los tres primeros días de apertura. El museo mostrará las piezas arqueológicas, escultóricas y los artefactos de bronce descubiertos en la colina, que es patrimonio de la humanidad de la UNESCO y la joya de la edad de oro de la civilización griega.
Una semana antes, Atenas se llenará de publicidad sobre el contenido del museo para animar a los ciudadanos y a los turistas a que lo visiten.
"El objetivo es de darle un impulso al turismo", declaró el ministro de Cultura griego, Antonis Samaras, añadiendo que durante el año en curso el precio de la entrada será de un euro (1,3 dólares) y subirá a cinco euros (6,8) en 2010.
Samaras declaró que entre las reliquias que se podrán ver en las tres plantas del museo, se encuentran "dos exposiciones sorpresas" cuyo contenido no reveló durante la rueda de prensa celebrada hoy.
La exposición de los restos de los monumentos de la Acrópolis, de unos 2.500 años de antigüedad, no incluye los frisos del templo del Partenón que se encuentran actualmente en exhibición en el Museo Británico de Londres. Esas piezas fueron llevadas a Reino Unido en el siglo XIX por el diplomático Thomas Elgin con el permiso del entonces Imperio Otomano, que dominaba Grecia.
Desde hace más de 20 años, los gobiernos griegos han solicitado la devolución de las reliquias al considerar que su traslado a Londres fue ilegal, pero las repetidas peticiones han sido rechazadas.
El museo cuenta con "la sala del Partenón", que tendrá copias de los frisos ausentes cubiertos por una tela, completando las partes existentes.
"Creemos que los visitantes se darán cuenta del vacío y que la fuerza de ellos constituirá un mensaje más fuerte del que podríamos enviar nosotros", afirmó Samaras.
El museo es obra del arquitecto suizo Bernard Tschumi, se han necesitado más de cinco años para su construcción y ha costado 120 millones de euros (165 millones de dólares)
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Museo Memoria de Andalucía, el museo histórico más interactivo
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20/05/2009
Granada
Andalucía acaba de dotarse, gracias a la apuesta cultural de Caja Granada, de un nuevo espacio museístico que aspira a convertirse en un referente turístico a la altura de la Alhambra de Granada o del Museo Picasso de Málaga. Se trata del nuevo centro cultural de la caja andaluza en Granada, inaugurado ayer por los Reyes, una joya de la arquitectura vanguardista obra de Alberto Campo Baeza que cobija en su seno un museo interactivo de última generación sobre la historia y la cultura andaluzas con tecnologías todavía inéditas en el mundo.
 De la mano multimedia de personajes anónimos o de figuras históricas como Adriano o Manuel de Falla y gracias a recursos nuevos como un atlas tridimensional, el visitante del llamado Museo Memoria de Andalucía puede recorrer a lo largo de las distintas épocas históricas el rico medio natural andaluz, sus ciudades y pueblos, los distintos modos de vida y, por último, el arte y la cultura que le han dado a la comunidad renombre internacional.
En el acto de inauguración del centro -al que asistieron, además de los Reyes, autoridades como la ministra de Sanidad, Trinidad Jiménez, y el presidente de la Junta de Andalucía, José Antonio Griñán- el presidente de Caja Granada, Antonio Claret García, destacó que el proyecto consolida a su entidad como "la caja de la cultura y la solidaridad". Se trata, dijo, del "momento más brillante" de los 120 años de historia de la entidad financiera, que ya fue pionera en su día por su apuesta por los microcréditos. El presidente de Caja Granada concibe el nuevo espacio como "un centro de la cultura y la educación en el más amplio sentido de la palabra", un compromiso por la cultura "tolerante y abierta" y el punto de partida para la conmemoración, en 2013, del Milenio de la fundación del Reino de Granada.
Este Centro Cultural Caja Granada Memoria de Andalucía, que ha supuesto una inversión de 40 millones de euros, se ubica en un espectacular edificio que rinde homenaje al más famoso de los monumentos granadinos a través de un gran patio elíptico con un diámetro de 30 metros, similar a la forma y dimensión del patio del Palacio de Carlos V del conjunto de la Alhambra.
Además del museo, el centro cultural alberga una amplia planta para exposiciones temporales, una mediateca, el innovador Teatro Isidoro Máiquez y salas para talleres sobre las artes y el pensamiento, entre otros equipamientos. El teatro, una gran caja negra con butacas rojas, ofrece la posibilidad de transformar su escenario y su patio de butacas según las necesidades del acto que acoja. Así, las gradas incorporan un sistema retráctil que permite en un corto espacio de tiempo convertirlo en un gran espacio diáfano, capaz de albergar desde conciertos, hasta rodajes cinematográficos y televisivos. Este espacio escénico rinde homenaje al genial actor Isidoro Máiquez, que en el siglo XVIII revolucionó las artes escénicas.
En cuanto a la nueva sala de exposiciones temporales, comienza su andadura con una cuidada selección de las obras de arte más representativas del patrimonio artístico de Caja Granada, con 350 piezas de entre 1572 y 2009. La colección permanecerá abierta al público del 19 de mayo hasta el 30 de agosto y muestra obras de distintos tipos, formatos y técnicas de todas las procedencias y épocas, aunque el grueso más importante sea el andaluz. Creaciones de Heylan, Gómez-Moreno, David Roberts, José Guerrero, Apperley, Rivera, Rusiñol y obra gráfica de artistas tales como Dalí, Picasso, Miró, Warhol, Liechtenstein y Francis Bacon, entre otros, son algunos de los ejemplos seleccionados.
Por último, la mediateca, ubicada en el edificio Pantalla, forma parte de la Red de Bibliotecas Públicas Andaluzas y ha sido dotada de equipamiento documental, audiovisual, sonoro y multimedia.
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Esqueletos de mamuts procedentes Museo de Moscú
en el Museo del Jurásico de Asturias MUJA
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20/05/2009
Oviedo
El Museo del Jurásico de Asturias (MUJA), situado en el concejo de Colunga, acogerá este verano la exposición "La familia de hielo", una muestra paleontológica única compuesta por seis esqueletos de mamuts de la misma familia biológica procedente del Museo Paleontológico de Moscú.
"La familia de hielo" es considerada como una muestra paleontológica única y está compuesta por seis esqueletos de mamuts de distintas edades y sexos pertenecientes a una misma familia biológica, lo que constituyó en su día un hallazgo excepcional.
Estos ejemplares estaban entre los últimos representantes de una especie de mamuts que habitaban en la Rusia central. En la exhibición figurará también "Dima", un ejemplar de mamut momificado encontrado en el extremo oriental de Siberia.
La primera vez que esta colección se expuso en la Unión Europea, concretamente en París en el año 2004, atrajo la atención de 450.000 visitantes.
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Múnich estrena el Brandhorst, el museo de las 27.000 pastillas
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19/05/2009
Berlín
El Museo Brandhorst abrió hoy sus puertas como nueva joya del arte contemporáneo en Múnich, con 200 obras que abarcan de Andy Warhol, Gerhard Richter y Georg Baselitz hasta una gran colección de Cy Twombly y el imán mediático de la vitrina de 27.000 pastillitas de Damien Hirst.
El edificio multicolor diseñado por los berlineses Matthias Sauerbruch y Louisa Hutton, un cubo con aspecto de caja de bombones de colorines, es desde hoy la nueva dirección imprescindible en el circuito artístico muniqués, en directa vecindad con sus pinacotecas, la Antigua y la Moderna.
Los 36.000 paneles de cerámica de la fachada alegran la manzana. En su interior se exhibe impresionante listado de grandes nombres: varios Warhol, incluido su "Piss Painting" llamado "Oxidation", frente a frente con Hirst, Franz West, John Chamberlain, Alex Katz, Arnulf Rainer y Bruce Naumann, entre otros muchos. Asimismo presentes, repartidos en los espacios que envuelven un eje de escalinatas de fina madera danesa, están Erich Fischl, Jannis Kounellis, Sigmar Polke, Mario Merz y, como no podía ser de otro modo, máxime en Alemania, Joseph Beuys.
La más fotografiada
 El nuevo museo muniqués debe su colección al mecenas colonés Udo Brandhorst, quien cedió la piezas a Múnich a cambio de que la ciudad le brindara un espacio y solar adecuados. La respuesta de las autoridades muniquesas estuvo a la altura de las circunstancias: un solar con las pinacotecas públicas al fondo, sobre el que se construyó un edificio capaz de albergar las 700 obras del coleccionista, de las que se exhiben dos centenares. La más fotografiada, incluso antes de abrir las puertas, fue la vitrina de Hirst, un monumental homenaje a la industria del analgésico, titulada "In this terrible moment". Pacientes estudiantes de arte han tenido que colocar píldora a píldora y de acuerdo a las precisas instrucciones cromáticas y de otro tipo del artista, hasta las 27.000 consignadas.
Hirst está en la lista de artistas cuidados por Brandhorst y suyo es asimismo un espectacular bronce de seis metros de altura titulado "Hymn". El preferido por excelencia del mecenas es, sin embargo, Twombly, de quien el colonés empezó a comprar obra en la década de los 60 hasta acumular la mayor colección del artista fuera de EEUU. A la carga de vitalidad que irradia el museo desde el exterior, le sucede el impacto visual de varios cuadros de la producción reciente en gran formato de Twombly, en su interior.
Brandhorst empezó a pensar en ceder sus obras, para su exhibición permanente, a la muerte de su esposa y compañera en la labor coleccionista, Anette, en 1999. Primero barajó la posibilidad de hacerlo a Colonia, su ciudad, poblada además de excelentes museos. Luego entró en juego Múnich, gran rival de Berlín. Y se llevó la partida, gracias a la elección del solar, junto a las pinacotecas.
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La relación de Goethe con la medicina en el Museo Goethe de Düsseldorf
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18/05/2009
Düsseldorf
Una exposición en el museo Goethe de Düsseldorf repasa, en cerca de 170 piezas expuestas, la relación que tuvo el autor de "Fausto" y "Las penas del joven Werther" con la medicina, disciplina por la que mostró un profundo interés a lo largo de toda su vida.
La exposición destaca la preocupación que tuvo Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) por la teoría de la nutrición, así como por la psicología de la época, que se refleja en la caracterización de algunos de sus personajes, como el joven Werther.
Además, unos documentos de 1784 muestran a Goethe como descubridor del hueso intermaxilar en los humanos, con lo que refutó la idea del medico holandés Peter Camper que había afirmado que la inexistencia de ese hueso en los humanos lo diferenciaba de los orangutanes.
Goethe hizo ese descubrimiento en el Instituto Anatámico de Jena (este de Alemania), después de leer textos de galenos de la antigüedad en los que creyó ver indicios de que estos se habían tropezado con este hueso sin darle mayor importancia.
El descubrimiento del hueso intermaxilar es un ejemplo que muestra cómo Goethe, al lado de sus otras ocupaciones, desarrolló también estudios de anatomía.
En la exposición de Düsseldorf, además, se procura mostrar que Goethe tuvo un interés especial por el desarrollo de una medicina que considerase al ser humano en su conjunto.
Además de su interés teórico por la medicina, Goethe se interesó también por la práctica de esa disciplina con la que entró en contacto en primer lugar como paciente en varias situaciones en las que, según el museo, estuvo entre la vida y la muerte.
La exposición estará abierta hasta el 23 de agosto.
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Museo de Historia Natural de Nueva York muestra los mamíferos
más grandes y más pequeños que han habitado la Tierra
en los últimos 200 millones de años
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18/05/2009
Nueva York
Los mamíferos más grandes y los más pequeños que han habitado la Tierra en los últimos 200 millones de años comparten un mismo espacio en el Museo de Historia Natural de Nueva York.
La exposición 'Mamíferos extremos', que se prolongará hasta el próximo 3 de enero, presenta la evolución de las especies más espectaculares que, en algunos casos, todavía viven en algunos puntos del planeta.
'Entre los animales expuestos, se presenta un amplio abanico de las más de 5.400 especies de mamíferos en vida, al mismo tiempo que se explora la gran diversidad de algunos animales extinguidos que vivieron durante los 200 millones de años de historia de este grupo', explicó a Efe el comisario de la muestra, John Flynn.
En la exposición se puede ver al mamífero más pequeño de la historia, el batadonoides, que, con un tamaño inferior al de un abejorro, pesaba alrededor de un gramo.
Al otro extremo de esta escala, se encuentra la ballena azul que, con una lengua de cuatro toneladas y un corazón del tamaño de un coche, puede alcanzar un peso total de 200 toneladas. Sin embargo el mayor mamífero de tierra descubierto hasta la fecha es el desaparecido indricotherium, que en su vida adulta podía pesar hasta 20 toneladas, tres veces más que el elefante africano, el animal más grande de este grupo todavía en vida.
También se puede observar el esqueleto de ese hoy desconocido indricotherium, así como una reproducción de una ballena que, lejos de desplazarse por el océano, caminaba a cuatro patas entre plantas. Este último animal todavía presenta en su esqueleto unos diminutos vestigios de estas extremidades, que hoy carecen de función alguna.
Otra de las maquetas que invade el centro de la sala es un ejemplar de la peculiar macrauchenia. Extinguida hace 10.000 años, esta especie procedente de Suramérica con cuerpo de camello y cuello de jirafa, poseía una trompa larga y flexible, similar a la de un elefante.
Entre los huesos y fósiles que predominan en la muestra, los visitantes no serán los únicos seres vivos en la sala, ya que un grupo de falangéridos de azúcar revolotean en una instalación habilitada para esta especie de murciélago. 'Estos marsupiales de los bosques tropicales de Australia son nocturnos, aunque muy sociales, y pueden planear una distancia de hasta cien metros', indicó Flynn.
Además de estos ancestros, la muestra se acompaña de animaciones interactivas y de artículos peculiares, como los molares de una especie de tigre desaparecida hace cientos de años, que el público puede tocar.
Entre la gran cantidad de especies curiosas de la exposición se encuentra la anoura fistulata, descubierta en 2005 en los Andes ecuatorianos y considerada la única especie cuya lengua supera el tamaño de su cuerpo.
Otro de los objetos destacados de la muestra es un fósil del murciélago más antiguo de la historia.
'Gracias a esta pieza desvelamos unos de los misterios que existían en torno a estos animales, ya que comprobamos que antes de desarrollar la capacidad de volar, podían interpretar los ecos que generan los objetos a su alrededor', añadió Flynn.
Según apuntaron los expertos de la exposición, 'la extinción entre los mamíferos se ha acelerado' y en los últimos quinientos años, 'por lo menos 75 especies se han extinguido y un 25 por ciento de las que perduran están en peligro de extinción'.
Con más de 270.000 especímenes, el museo de Arte Natural de Nueva York posee una de las mayores colecciones de mamíferos y cuenta con una de las muestras más valiosa de especies extinguidas.
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Antiguo Búnker en Berlín convertido en Museo de Arte Contemporáneo
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17/05/2009
Berlín
Esculturas gigantescas que atraviesan paredes, tubos de neón reflectantes y hasta los restos de una comida. Todo es posible en la galería del millonario alemán Christian Boros, una suerte de paraíso para las nuevas tendencias en arte, escondidas en un antiguo búnker de la época nazi.
De búnker oficial para servir a las fuerzas aéreas del Führer a prisión soviética del Ejército Rojo, de almacén para frutas y verduras a uno de los clubes de referencia para la música techno, este viejo edificio se encuentra en pleno centro de Berlín.
 Erigido en 1942, se ha convertido en el lugar de residencia al tiempo que centro de exposiciones de Boros, propietario de una importante agencia de publicidad y coleccionista de arte, desde que lo comprara en 2003.
Un año más tarde y envuelto en la polémica, él y su mujer Karen Lohmann empezaron con la puesta a punto del que sería su futuro hogar, para lo cual invirtieron cantidades astronómicas de dinero además de cinco años en reformarlo y reconvertirlo.
En 2007 finalizaron las obras, y en junio de 2008 la familia Boros, que se instaló finalmente en la quinta planta, pudo inaugurar la primera muestra con su colección. Sin luz natural, este cubo gigante que mide 38 metros de largo y 16 de alto dispone de 3.000 metros cuadrados de superficie y cerca de 80 estancias cuya altura oscila entre los 2,30 y los 13 metros.
Todo un alarde de monumentalidad y magnificencia que no ha dejado de generar rumores y leyendas urbanas en torno a la figura del coleccionista de arte contemporáneo, quien lleva varias décadas atesorando hasta 500 joyas de algunos grandes como Damian Hirst, Olafur Eliasson, Anselm Reyle, Manfred Pernice, o Tobias Rehberger.
Al margen de lo trascendente del edificio, la colección resulta tan excéntrica como espectacular, al albergar más de cien obras representativas de todas las nuevas tendencias artísticas. Así, desde lo abstracto y conceptual hasta lo neo-dadá, pasando por el surrealismo, el mecanicismo y el happening son sólo algunas de las corrientes estéticas que se dan cita en la mansión del señor Boros.
Un lugar en el que no hay fronteras para la temática, el medio o el soporte, y donde el único requisito parece ser el buscar la provocación.
El danés Eliasson, conocido por sus peculiares instalaciones en la Tate Modern de Londres y en el Museo Reina Sofía de Madrid, vuelve a preocuparse del medio ambiente y lo tecnológico, con una vasija gigante de agua burbujeante titulada 'Vortex for Lofoten'.
Mientras, el alemán Reyle, aficionado a tratar los límites que impone la sociedad, está presente a través de una escultura confeccionada con tubos fluorescentes de neón que están unidos entre sí, como si de un anuncio gigante se tratara.
La abstracción y el cubismo brotan claramente de las manos de la germana Katja Strunz, quien coloca esculturas geométricas de color negro a todo lo ancho y alto de un habitáculo creando un juego de perspectivas en 'Zeitraum'. También hay lugar para lo viejo y usado, como es el caso de la bicicleta con la que el polaco Robert Kusmirowski viajó en 1926 desde Varsovia a París.
Algunos trataron en su momento de desafiar todas las leyes de la física, al colgar un ventilador gigante del techo que se mueve mediante la energía cinética que genera él mismo, cuando está encendido.
Sin duda, uno de los que más sorprende es el español afincado en México D.F. Santiago Sierra, que ha esculpido varios pilares gigantescos y los ha colocado de forma que atraviesen la pared y unan dos estancias distintas. Sierra vuelve a transgredir los límites de la ética y la moral con dos series fotográficas en las que testimonia un proyecto que dirigió en La Habana, que consistía en contratar a personas desempleadas, para que a cambio de 20 dólares se masturbasen frente a su indiscreto objetivo.
Según las normas del búnker-museo Boros, la colección puede visitarse los fines de semana, en grupos de doce personas como máximo, previa reserva a través de la página web.
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El Museo de Zaragoza reabre con una muestra inédita de Goya
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16/05/2009
Zaragoza
El Museo de Zaragoza reabrirá sus puertas el próximo domingo completamente reestructurado con los fondos de la colección permanente, que incluye como novedad una exposición inédita de estampas de Goya no seriadas que muestran imágenes diversas de la iconografía habitual del artista aragonés.
Se trata de un conjunto de casi 30 estampas que no llegaron a integrar las grandes series conocidas del artista -Desastres de la Guerra, Disparates, Caprichos y Tauromaquia-, que se quedaron aisladas y que no tuvieron tantas ediciones como el resto. Así lo ha explicado en un recorrido por las salas con los medios de comunicación el director del centro, Miguel Beltrán, acompañado por la consejera de Educación y Cultura del Gobierno de Aragón, María Victoria Broto.
 Beltrán ha precisado que estas obras de Goya, adquiridas por el Gobierno de Aragón, están realizadas con diversas técnicas, desde aguafuertes a litografías, con escenas de viejos culumpiándose, majas o paisajes "sensacionales".
Esta colección, que se vincula al "legado" que han dejado las tres exposiciones de Goya que han ocupado las salas del Museo desde el año 2007 hasta el pasado 22 de marzo, se une a otras 29 piezas del artista aragonés y a obras sueltas del siglo XIX de autores coetáneos del pintor de Fuendetodos o ligeramente posteriores, además de dos pinturas de Giaquinto, tres de Luzán y dos de Bayeu.
Son en total 111 piezas estructuradas en nueve bloques: los antecedentes e inicios; la formación de Goya en la academia; Goya e Italia; Goya en Zaragoza; estampas sobre obras de Velázquez; las estampas no seriadas y obras de otros autores; Goya pintor de retratos, obras en estudio y estampas seriadas de Goya.
Además de esta exposición, el centro reanuda su actividad, en conmemoración del Día Internacional de los Museos, con una gran muestra dedicada a Caesar Augusta, que incluye ocho nuevos mosaicos, entre ellos uno del siglo II d.c. cedido por el Museo de Arqueología de Madrid que representa el Triunfo de Baco, una pieza "soberbia", ha subrayado Beltrán, que alfombraba un triclinio de una vivienda zaragozana y que sirve de ejemplo del carácter que tenían estas habitaciones dedicadas al ocio y a la diversión.
A través de las piezas que se muestran en las salas dedicadas a Caesar Augusta, 109 obras con retratos, siete esculturas, 26 mosaicos romanos y 70 objetos, el visitante podrá acercarse a la vida cotidiana de los hispano-romanos.
Beltrán ha comentado que se ha reestructurado toda la colección del museo e incorporado fondos nuevos para su reapertura en esta etapa de "tránsito" hacia un centro del siglo XXI, mostrando las piezas, ha agregado Broto, con un argumento y de forma didáctica para poder ver al detalle las obras que se exhiben y recibir "una lección de historia" caminando por sus salas.
De esta forma, el visitante podrá contemplar una selección de los fondos arqueológicos del museo, completamente restaurados, de Caesar Augusta, que es el "gran eje" del centro, y el destinado a Goya, mientras que la salas que ahora permanecen vacías albergarán exposiciones temporales, fundamentalmente dedicadas a la antigüedad hasta que en el año 2010 regresen, tras una itinerancia, las piezas del renacimiento tras su paso por Bilbao y Valencia.
El Museo, que ha sufrido de forma "crónica" la falta de espacios para que el visitante pudiera "respirar", permite mostrar ahora la colección más "esponjada" y exhibir las obras de Caesar Augusta con más espacio que nunca para "contar mejor la historia" e incorporar otras piezas, según Beltrán, y más aún cuando se amplíe el centro con el edificio contiguo de la Escuela de Artes.
No obstante, Broto no ha podido precisar los plazos en los que la ampliación será una realidad, ya que primero requiere el traslado, el próximo curso, de los alumnos a la nueva Escuela de Artes y después la tramitación del proyecto.
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Inauguran museo en honor a poetisa chilena Gabriela Mistral, Nobel Literatura
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16/05/2009
Santiago de Chile
El Gobierno chileno inauguró un museo en la ciudad de La Serena en honor de la poetisa Gabriela Mistral (1889-1957), primera latinoamericana y primera mujer en su especialidad en ganar el Premio Nobel de Literatura en 1945.
 El museo, denominado "Las Palmeras", será parte de un gran proyecto destinado al funcionamiento del departamento de Cultura de la Municipalidad de esa ciudad, situada a 472 kilómetros al norte de la capital chilena.
El Intendente (Gobernador) Ricardo Cifuentes señaló que "había que pagar una deuda histórica, que tenía la región con Gabriela Mistral" y agregó que la poetisa chilena merecía un reconocimiento y que "había que darle un valor importante a todo lo que ella hizo".
En tanto, Saldívar afirmó que "la idea es que el museo se convierta en un centro vivo de actividades permanentes".
Explicó que a futuro se espera que en el mismo terreno se pueda instalar la biblioteca regional para consolidar el desarrollo turístico para la ciudad.
En diciembre de 2007 llegó a Chile gran parte del material retenido en Estados Unidos por su primera albacea, Doris Dana, recibido por la ministra de cultura chilena, Paulina Urrutia, junto a Doris Atkinson, la nueva albacea.
La imagen de la poetisa, cuyo verdadero nombre era Lucila Godoy Alcayaga, aparece en el billete de 5.000 pesos chilenos (unos 8,7 dólares).
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Hergé, el padre de Tintín ya tiene museo en Louvain-la-Neuve
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15/05/2009
Louvain-la-Neuve
'Tintin c´est moi', decía de vez en cuando Hergé, su creador. Matizando que también tenía ratos en los que se parecía al capitán Haddock. De modo que cuando el próximo 2 de junio abra sus puertas en la ciudad universitaria belga de Louvain-la-Neuve el nuevo Musée Hergé, impulsado por la segunda esposa del creador, Fanny Rodwell, los 200.000 visitantes que esperan cada año podrán ver no sólo la trayectoria de Georges Prosper Remi, Hergé (1907-83), sino también la de sus personajes. "Podrán comprender mejor sus aventuras y su carácter", asegura el director del centro, Laurent de Froberville.
El museo ha costado 17 millones de euros a cargo de Studios Hergé, la fundación que mantiene la obra del creador belga, dirigida férreamente por Fanny Rodwell y su actual esposo, Nick, junto con la rama comercial, Moulinsart, que en estos momentos se plantea romper su relación de décadas con la editorial Casterman.
Algo que el director del Musée Hergé ni confirma ni desmiente: remarca que es normal que al realizarse nuevas películas sobre Tintín de la mano de Steven Spielberg - 'El secreto del unicornio se prevé para el 2010' -, haya tensiones por los libros y merchandising que aparecerán alrededor.
Nuevas películas y un nuevo museo: el diseñado por Christian de Portzamparc - premio Pritzker - en Louvain-la-Neuve, en el Brabante valón cuyo paisaje reproducía a menudo Hergé en sus cómics. Un edificio blanco de 3.800 metros cuadrados y formas racionalistas que flota sobre el paisaje y evoca la famosa línea clara de Hergé. Un edificio que en realidad son cuatro bloques unidos por un gran atrio decorado con motivos que evocan aventuras como 'Objetivo: la Luna' y que cuenta con ventanales como viñetas.
El lunes, las máquinas aún trabajaban para urbanizar los accesos. Dentro, un ejército de pintores y muchos objetos envueltos. La conservadora, Sophie C. Tchang, explica la distribución final: tras una visión general de la obra, se abordan los años treinta, cuando Hergé es prolífico en creaciones - Tintín nace en 1929 en el diario católico 'Le XXème siècle'. Luego aparece la familia de personajes, hay una sala para el castillo de Moulinsart, se revisa la influencia de las noticias y el cine en la obra de Hergé - ritmo cercano al suspense, planos americanos- y su relación con la ciencia - Tintín fue a la Luna antes que Armstrong -,y su faceta como publicitario y jefe de un estudio. Y su humanismo, "explorando con sus aventuras otros mundos y culturas". ¿Y los episodios controvertidos, como su trabajo en un diario colaboracionista? "No escondemos nada, pero no hay espacio para todo", dice el director. "Él no dibujó historias de propaganda, hizo su arte, sin muchas preguntas, como otros artistas.
Pero era una persona de una calidad humana enorme, reflejada en el carácter de Tintín, honesto, trabajador, valiente. Quien crea un personaje como Tintín no puede ser malo, es ese lado humanista e idealista el que atrae a los adolescentes años después".
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La caja fuerte del Siglo XVIII del Museo de Prehistoria de Valencia estaba vacía
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14/05/2009
Valencia
La caja fuerte del Siglo XVIII que se encuentra en el Museo de Prehistoria de Valencia y se expone en la muestra "Historia de Dinero", ha podido abrirse hoy con la ayuda de dos expertos cerrajeros, después de muchos años sin poder acceder a su interior, y se ha comprobado que no hay nada dentro de ella.
Tras las pruebas de apertura realizadas durante el lunes por los cerrajeros José Borrás y Roberto Gallén, la pieza se ha abierto oficialmente con la presencia del presidente de la Diputación de Valencia, Alfonso Rus, que ha sido el encargado de abrir las cerraduras de la caja de caudales.
La pieza, datada de principios del siglo XVIII, se encontró en la Escuela de Capataces Agrícolas de la Diputación, en Catarroja, está hecha de madera y bronce, pesa más de 200 kilogramos.
 Para abrirla en la antigüedad, eran necesarias tres llaves y cada una de ellas estaba en propiedad de un alto funcionario, de manera que sólo en presencia de los tres podría abrirse la caja fuerte.
Uno de los cerrajeros,José Borrás, ha explicado que, tras ver la noticia en los medios y leer que otros cerrajeros habían fracasado en el intento, su intriga y la de sus compañeros les llevó a presentarse en el Museo para ofrecerse a abrirla. Borrás y Gallén trabajan en una empresa de aperturas de urgencia de viviendas y cajas fuertes y habían manipulado ya una pieza simular que está en su propiedad.
Sergún el cerrajero, el proceso "podría haber sido más complicado", ya que sólo tardaron "media hora" en conseguir su objetivo. Además, Borrás ha asegurado que antes de abrirla tuvieron que hacer un orificio y meter una microcámara, además de comprobar que la pieza que se iba a empujar era la justa. "Al ser una pieza de museo hay que tener mucho cuidado", ha subrayado.
La caja de caudales se abrió al primer intento, gracias a toda la información que Borrás y Gallén buscaron a través de internet y a la práctica que tenían por la caja fuerte antigua que ellos mismos poseen.
A partir de ahora, los profesionales comenzarán con el proceso para crear tres nuevas llaves que permitan que la caja "se ponga en funcionamiento como el primer día". Esas llaves pasarán a ser propiedad del Museo y los cerrajeros las harán de forma gratuita, igual que el resto del proceso.
En este sentido, Borrás ha señalado que él y Gallén no han cobrado porque se sienten "valencianos" y para que los niños que visitan el Museo puedan disfrutar de ella.
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El Museo Marítimo mostrará una réplica exacta de la tumba de Tutankhamon
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13/05/2009
Barcelona
El Museo Marítimo de Barcelona mostrará a partir del 6 de junio y hasta el 6 de septiembre la exposición "Tutankhamon. La tumba y sus tesoros", una espectacular muestra en la que los visitantes emulan a Howard Carter y se adentran en una réplica exacta de la tumba del faraón más famoso de la historia.
Esta exposición, que ha sido pensada para entretener y educar al mismo tiempo, fue proyectada por Wulf Kohl, un artista alemán que vive desde hace más de treinta años en El Cairo, y de Paul Heinen, un diseñador de proyectos de Hamburgo.
En el Museo Marítimo se podrán ver las cámaras funerarias y los tesoros de la tumba de Tutankhamon, que ni siquiera se pueden contemplar íntegramente en el Museo de El Cairo.
 Un centenar de artesanos egipcios han trabajado minuciosamente durante años para construir todas las piezas del ajuar funerario del faraón siguiendo las técnicas tradicionales.
El equipo creador del proyecto está formado por el arquitecto de exposiciones Rainer Verbizh, responsable de "Viva Mozart 2006" en Salzburgo y de los pabellones de Austria de las Exposiciones Mundiales en Corea y Sevilla.
El espacio expositivo reproduce a escala original y de manera exacta la tumba de Tutankhamon y en su interior se incluyen más de mil réplicas de las piezas más importantes del hallazgo ahora hace casi 90 años por parte del arqueólogo Howard Carter.
Tutankhamon, que fue coronado faraón con sólo 7 años y que murió en circunstancias misteriosas muy joven, aproximadamente a los 19, es una de las figuras más enigmáticas de la historia egipcia, pues sus sucesores borraron su nombre de todos los monumentos, de manera que no figuraba en ninguna de las listas reales.
Desconocido, olvidado y oculto, Tutankhamon descansó en el Valle de los Reyes durante más de 3.000 años hasta que Carter encontró su tumba.
En el recorrido, los visitantes podrán pasear sucesivamente por tres cámaras de la tumba: la antecámara, la cámara del tesoro y la cámara funeraria con el sarcófago.
Se podrá admirar la copia del sarcófago de cuarcita, así como las capillas que lo rodeaban, cuyos originales se encuentran hoy en el Museo Egipcio de El Cairo, así como las figuras doradas de las divinidades ocultas en sus capillas, las joyas de oro de la momia, los carros de guerra y la famosa máscara.
La productora ha realizado dos exposiciones paralelas de "Tutankhamon", que recalará en los próximos meses además por ciudades como Múnich, Hamburgo, Budapest y Varsovia.
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El Museo Militar de Montjuïc cierra y parte de su fondo irá a Figueres
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12/05/2009
Barcelona
El Museo Militar del castillo de Montjuïc cerrará el domingo 24 de mayo como paso ya definitivo para que la ciudad de Barcelona recupere la fortaleza. Tras permanecer 47 años abierto, una parte de sus piezas serán trasladada al castillo de Sant Ferran en Figueres (Alt Empordà). El plan es que las salas cierren de forma paulatina y que la última visitable sea la del Patio de Armas, que expone pistolas. Carme Fusté, presidenta de la Asociación de Amigos del Castillo, explicó que seguirán abiertas la terraza superior, el oratorio, las dos tiendas y la cafetería autoservicio.
 El cierre irá acompañado de un acto protocolario, al que no prevé asistir la citada asociación de Amigos del Castillo. "No es una fiesta para celebrarlo. No tiene lógica trasladar el museo. Hemos luchado siempre para que se quede aquí lo que nos pertenece", afirmó Fusté, que añadió que lo que más les preocupa es que se haga "alguna barbaridad" a la fortaleza, como derrumbar paredes.
Ignasi Cardelús, delegado municipal de Presidencia y Relaciones Institucionales, explicó que la comisión de patrimonio del museo se ha reunido tres veces para definir el destino de las colecciones. El Ayuntamiento pretende que las piezas que sirvan para explicar la historia del castillo se queden para recuperar la memoria histórica y que las que estén vinculadas con la historia de la ciudad se destinen a otros museos de Barcelona. El resto de piezas se trasladará a Sant Ferran.
El desmantelamiento del museo se considera un paso necesario para adecuar parte de la fortaleza como sede del Centro Internacional por la Paz, donde profesionales civiles y militares llevarán a cabo estudios. El primer curso ya se impartió en abril. El Centro por la Paz no ha estado exento de polémica. El Ayuntamiento aprobó en abril los estatutos que lo gestionarán gracias a una extraña alianza entre socialistas y populares, conformes con que el Ministerio de Defensa esté en el consorcio por su papel en favor de la paz y apoyo a las ONG. No todos lo ven igual: los ecosocialistas de ICV se desmarcaron de sus socios y votaron en contra al igual que CiU y ERC. Los tres partidos sostienen que la presencia de Defensa demuestra que los militares no se han ido del todo de Montjuïc.
Los estatutos serán refrendados en junio y prevén que el Ayuntamiento tenga la mayoría con el 60% y que Generalitat y Defensa se repartan a partes iguales el 40% restante.
El Consell Català de Foment per la Pau ha programado para el día 17 que un millar de personas formen una cadena humana alrededor del castillo para protestar contra el Ejército. Este año debe desaparecer la última antena militar de la fortaleza. El Fondo de Inversión Local, conocido como el Plan Zapatero, dedica 477.000 euros a la mejora de espacios del castillo, que deben estar listos antes del 31 de diciembre.
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El Salzburg Museum obtiene el Premio Europeo al Mejor Museo
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11/05/2009
Viena
El Salzburg Museum Neue Residenz (Museo de Salzburgo Nueva Residencia) ha obtenido el Premio Europeo al Mejor Museo (EMYA), considerado uno de los galardones más prestigiosos concedidos a estos centros.
El jurado de la organización European Museum Forum (EMF), entidad internacional independiente sin ánimo de lucro,  otorgó el galardón el sábado en la ciudad turca de Bursa, informó la EMF en un comunicado.
Un total de 52 museos de 25 países se presentaron al certamen, cuyo segundo premio, titulado "Special Commendation", lo ganó el suizo Ostschweizer Städtchen Speicher.
El antiguo Salzburger Museum Carolino Augusteum fue bautizado hace dos años como Salzburg Museum, cuando se reabrió en la Nueva Residencia de la ciudad, capital del Estado austríaco de Salzburgo y cuna natal de Wolfgang Amadeus Mozart.
Situado en la céntrica Plaza Mozart, muestra al público valiosos objetos de arte, en una presentación estética que busca la unidad con instalaciones multimedia y contenidos de interesante información.
A la hora de otorgar el premio, la EMF no sólo valora la presentación y los objetos del museo, sino también su gestión financiera, su responsabilidad social y la dirección de la casa.
La institución premiada recibe la escultura "The Egg", de Henry Moore, como préstamo por un año.
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El Museo del Traje muestra la historia del zapato de tacón
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10/05/2009
Madrid
 El Museo del Traje de Madrid inaugura hoy Tacones de aguja. Fascinación y seducción, una exposición que mostrará la evolución del tacón de aguja a lo largo de la historia a través de un recorrido cronológico desde los años 50 hasta nuestros días.
En esta muestra se pueden admirar ejemplos del calzado italiano y extranjero elaborados por grandes nombres del mundo de la moda, como Manolo Blahnik, Christian Louboutin o Jimmy Choo. Esta exposición itinerante, organizada por el Museo del Calzado de Vigevano (Italia), permanecerá en el Museo del Traje hasta el 30 de agosto.
La ciudad de Vigevano ha sido considerada durante muchos años la capital mundial del calzado. Ya en los años posteriores a la II Guerra Mundial existían en ella un millar de zapateros y artesanos que producían millones de zapatos que se exportaban a todo el mundo. Alrededor de la elaboración de estos zapatos existía todo un mundo de artesanos, estilistas y emprendedores que hicieron grande el nombre de la ciudad.
La historia del tacón
El zapato de tacón de aguja, también conocido como stiletto, nació en 1940 cuando Christian Dior presentó la colección New Look, en la que la silueta de la mujer recuperaba y realzaba sus formas más femeninas y sofisticadas.
Uno de los objetivos principales de la exposición es desarrollar una investigación histórica sobre el nacimiento del tacón de aguja. En este sentido, la muestra nos presenta el stiletto no sólo como imagen, diseño y prototipo, sino también como producto útil y definido para el consumo.
Cabe destacar que, hasta la década de 1950, no fue posible producir tacones lo suficientemente sólidos y resistentes para su comercialización. Tacones de Aguja. Fascinación y seducción también pretende evidenciar el rol desarrollado por algunos productores vigevaneses de vanguardia que, a partir del 1953, estaban inmersos en una especie de competición para realzar un tacón lo más sutil posible y duradero en el tiempo.
Varias secciones
La exposición se articula en varias secciones. La primera, de carácter eminentemente técnico, muestra los primeros tacones realizados por los zapateros vigevaneses. En ella se exponen tacones de materiales diversos, que ilustran la evolución tecnológica hasta la consecución del tacón de aguja definitivo, y reproducciones de fotografías de los años 50.
La segunda sección, que constituye el corazón de la exposición, se articula en una treintena de vitrinas que muestran cerca de ochenta piezas de zapatos con tacones de aguja, pertenecientes al Museo del Calzado de Vigevano y a prestadores privados y públicos. Se exponen por orden cronológico, desde el comienzo de los años 50 hasta la actualidad. La parte más importante es la dedicada a la edad de oro del tacón de aguja, que tiene lugar entre los años 40 y mediados de los 60.
La tercera sección se dedica al stiletto en el siglo XXI, y pone énfasis en los últimos diseños e innovaciones y en la tendencia a la exageración. La exposición se completa con un catálogo que cuenta con textos de expertos en moda, como la periodista Rachele Enriquez, el empresario Pietro Torielli y Armando Pollini, consultor del Museo Internacional del Calzado.
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Exposición de Xilografías de Dalí
sobre "Divina Comedia" en el Museo Requena
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09/05/2009
Valencia
 El Museo de Arte Contemporáneo Florencio de la Fuente de Requena acogerá desde mañana sábado hasta el 28 de junio una exposición de un centenar de xilografías que realizó para ilustrar "La Divina Comedia".
Dalí comenzó a trabajar en las ilustraciones de "La Divina Comedia" en el año 1951, y empleó 55 meses en la realización de 100 acuarelas, que dieron origen a un total de 3.500 tacos xilográficos "El Purgatorio de Dalí. Ilustraciones a la Divina Comedia de Dante" recoge las xilografías realizadas por el artista de Figueres para ilustrar el conocido texto de Dante Alighieri.
Se trata de una colección de un centenar de grabados, realizados sobre madera de 25,5 x 17,5 cm. de plancha, en un formato de papel de 33 x 26 centímetros, de "Vélin pour Chiffon de Rives".
La muestra que se inaugura mañana presentará al público una de las suites de grabados que presentó la compañía francesa "Les Heures Claires" en tres carpetas.
No fue Dalí el primer autor en ilustrar "La Divina Comedia". Con anterioridad lo habían hecho Botticelli, Miguel Ángel o Gustavo Doré, entre otros.
Las ilustraciones de Dalí se diferencian de las realizadas anteriormente en que el artista de Figueras no se limita a plasmar el texto de Dante, sino que se sumerge en una recreación psicoanalítica de la obra que parte de las teorías freudianas. Partiendo de esta base, y mediante la aplicación del método paranoico-crítico, el trabajo de ilustración desarrollado combina la interpretación de "La Divina Comedia" con el reflejo de pasajes de la vida del autor catalán.
Una de las aportaciones destacadas de esta exposición es la descomposición de una de las acuarelas originales en el proceso xilográfico. Concretamente, se trata del canto 26 de El Paraíso "Santiago y la Esperanza". En este caso fueron necesarias 32 impresiones de diferentes colores para completar el grabado con toda su minuciosidad de línea y color.
En el Museo Florencio de la Fuente se podrá ver en impresiones por separado y superponiéndose poco a poco, en una sucesión de 64 imágenes a modo de película cinematográfica, hasta completar la ilustración final.
Si bien la trayectoria en el campo de la ilustración de Salvador Dalí se compone de más de 50 obras, para las que emplea todo tipo de técnicas, su trabajo más famoso en este terreno es el realizado para ilustrar "La Divina Comedia".
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Dos piezas de Lladró se exponen
en Museo de las Artes y el Diseño de Nueva York
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08/05/2009
Nueva York
Un espejo y un juego de café de porcelana elaborados por la empresa española Lladró se exponen en el Museo de las Artes y el Diseño de Nueva York hasta el próximo 13 de septiembre.
 La exposición titulada "La fábrica de objetos: El arte de la cerámica industrial" reúne piezas que muestran "la innovación actual en el sector de la producción de objetos de cerámica y el resurgimiento de éstos como arte y diseño", informó hoy el museo neoyorquino en un comunicado.
Una de las obras escogidas por esta institución de la Gran Manzana es un espejo ovalado de Lladró, en el que destaca la presencia de tres elaboradas figuras de porcelana.
Un original juego de café de cerámica blanca, inspirado en la figura del caballo, es el otro conjunto de piezas de la firma valenciana que se podrá ver en la muestra.
Las patas de ese animal sirven como asas a este grupo de platos, tazas y teteras, que pertenecen a la colección Equus de la empresa fundada por los hermanos Juan, José y Vicente Lladró en 1953.
Junto a estas dos piezas la exposición cuenta también con obras de los diseñadores Bernardaud, Nymphenburg, el sueco Kjell Rylander y los holandeses Hella Jongerius y Jurgen Bey, entre otros.
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El Museo de la Catedral de la Almudena
acoge una exposición sobre San Isidro
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07/05/2009
Madrid
La sala Capitular del Museo de la Catedral de la Almudena albergará, desde el próximo lunes hasta el 11 de junio, la exposición 'San Isidro, Patrón de Madrid', con el fin de "contribuir a aumentar el conocimiento sobre la vida y milagros" del santo, mostrar su proceso de canonización y "dejar constancia de la devoción del pueblo madrileño hacia su patrón".
Coordinada por el equipo del museo de la catedral, han contribuido en la exposición la Congregación de San Isidro de Naturales de Madrid y la Congregación de San Pedro Apóstol de Presbíteros seculares de Madrid, con la aportación de piezas y documentos pertenecientes a sus colecciones.
En la exposición se muestran dos lienzos de José Monasterio, una Misa Pontificial en la Colegiata de San Isidro y un San Isidro en Gloria. También se expondrá una copia del atribuido a Goya propiedad de la Congregación de San Isidro que muestra al santo junto a su esposa, santa María de la Cabeza.
 Junto con ellos se podrá ver una digitalización del Códice de Juan Diácono, cuyo original se conserva y se exhibe en el Museo de la Catedral.
Las noticias de san Isidro fueron recogidas en este breve códice medieval fechado en el siglo XIII. En él se puede leer una relación de milagros atribuidos al santo y una serie de himnos de alabanza.
Así mismo, en la exposición se podrán ver los documentos relativos a la canonización de san Isidro que se encuentran en el Archivo del cabildo de la Catedral y que se exponen por primera vez.
También se exhibe el terno utilizado en la misa pontificial celebrada en la plaza Mayor de Madrid con motivo de la canonización del santo en el año 1622. Es uno de los ternos más antiguos de Europa. Su capa pluvial puede contemplarse en el Museo de la Catedral, donde está expuesta de forma permanente.
El próximo 15 de mayo, festividad de San Isidro, la exposición estará abierta al público al igual que el Museo de la Catedral en su horario habitual. Ese día de hace ahora 879 años murió Isidro de Merlo y Quintana, el labrador afincado en Madrid al que se le atribuyen milagros como el de que rezando consiguió que las aguas de un pozo subieran y rescatar así a su hijo.
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El Museo de las Ciencias de Castilla-La Mancha acoge
la exposición fotográfica ‘Arte y Ciencia en el Universo’
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06/05/2009
Cuenca
La muestra se ha hecho coincidir con la celebración del décimo aniversario de la Agrupación Astronómica de Cuenca (Astrocuenca), este 2009, y la celebración del Año Internacional de la Astronomía.
Esta semana se ha inaugurado en el Museo de las Ciencias de Castilla-La Mancha, en Cuenca, la exposición fotográfica ‘Arte y Ciencia en el Universo’ que se podrá visitar hasta el próximo mes de julio.
 Coincidiendo con el Año Internacional de la Astronomía, la muestra recorrerá toda Castilla-La Mancha, y tiene el objetivo de acercar al público la belleza de las imágenes que los instrumentos de los astrónomos, tanto profesionales como de aficionados, captan constantemente.
Compuesta por alrededor de 50 fotografías, de unos 70x50 centímetros de dimensión, la exposición se ha hecho coincidir con la celebración del décimo aniversario de la Agrupación Astronómica de Cuenca (Astrocuenca) este año 2009.
Las imágenes de la exposición simulan un viaje a los confines del Universo, desde nuestra vecindad, el Sistema Solar, a las primeras galaxias, cuando el Universo era 13 mil millones de años más joven, pasando por las maravillas de nuestra la Vía Láctea y los cúmulos galácticos. Este viaje concluye con el que, quizás, es el fenómeno más popular: el eclipse. Además, el visitante puede encontrar fotografías espectaculares del telescopio espacial Hubble, que en 2010 cumple veinte años.
Puesto que se pretende llegar a un público sin conocimientos previos de Astronomía, la exposición está abierta a personas de cualquier edad, desde niños a mayores. La idea es admirar las fotografías, con breves comentarios científicos que den idea de lo que se estudia en la imagen.
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Exposición del artista Eugenio Ampudia 'Espacio Público'
dentro del ciclo 'Asincronías' en el MUBAM
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05/05/2009
Murcia
El consejero de Cultura y Turismo, Pedro Alberto Cruz, presentó la exposición 'Espacio Público', del artista Eugenio Ampudia. La misma, que se inaugura en el Museo de Bellas Artes de Murcia (MUBAM) y permanecerá hasta el 28 de junio, continúa el ciclo 'Asincronías'.
 Con este ciclo, según Cruz, "se pretende generar un diálogo entre tiempos diferentes, a través del cual un artista del presente dialoga con obras realizadas siglos atrás". Al respecto, puso de manifiesto que "es un lujo contar para esta programación con un artista de tan reconocido prestigio a nivel nacional e internacional", y consideró que la exposición "se ajusta perfectamente a la filosofía que sustenta a este proyecto", ya que lo que realiza Ampudia en el MUBAM "es una redefinición del museo como un espacio doméstico, un espacio íntimo en el cual el artista puede dormir, como puede observarse en una pieza que realizó en el Museo del Prado".
En otra de las piezas, Ampudia realiza una cabaña, al modo de la barraca tradicional murciana, y en sus paredes incorpora piezas del siglo XIX que están colgadas habitualmente en los muros de la sala del museo, con lo que "realiza una especie de mudanza para generar una casa dentro de la casa del museo".
Se trata, en palabras de Cruz, de "habitar de una manera íntima y personal un espacio público como es el del museo, subjetivizarlo y convertirlo en un nudo de tensión crítica de lo que habitualmente suele ser un espacio laxo y acrítico".
La muestra incluye las piezas 'Dónde dormir' compuestas por un vídeo y una fotografía, la instalación 'Barraca' y 'Fuego Frío', una instalación realizada específicamente para el Museo de Bellas Artes de Murcia en la que Ampudia prende fuego virtualmente a la antigua biblioteca del museo a la que dan paso las puertas de Marichávez, judía de origen portugués que fue sometida a un proceso inquisitorial.
La muestra Asincronías se completará con las obras de Monique Bastiaans, que se expondrán de julio a septiembre; y de Nico Munuera, de octubre a diciembre. Con anterioridad, mostraron sus creaciones Santiago Ydáñez de octubre a diciembre de 2008, y Ángel Haro de febrero a abril, según informó el Gobierno regional en un comunicado.
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El Museo de Bellas Artes revisa los tres últimos años creativos de Vicario
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04/05/2009
Santander
La versátil e inquieta creación de José Luis Vicario, uno de los artistas cántabros con una proyección más singular y una personalidad plástica más atractiva, regresa esta semana para sumarse a la programación de primavera del Museo de Bellas Artes de Santander. Vicario, que abrió hace tres años el nuevo espacio santanderino de la galería Del Sol St., exhibirá ahora en el centro museístico santanderino una compleja representación de formas y expresiones que recorren su última creación.
Bajo el epígrafe 'Soporte del foramontano', Vicario que ejerce la docencia en Granada, se convierte en el nuevo nombre propio de la temporada del Museo, espacio que inaugura el próximo viernes esta muestra. El Ayuntamiento y la Consejería de Cultura vuelven a unirse en la producción y organización de la exposición, a la espera del anuncio de nuevos pasos sobre el futuro proyecto para la pinacoteca santanderina. Antes de esta comparecencia, Vicario (Torrelavega, 1966) expuso este invierno en el espacio Marzana de Bilbao dos de sus últimas series escultóricas. Sus trabajos parten de la idea básica del contraste entre el interior y el exterior, lo íntimo con lo privado, lo leve y pesado con lo natural y artificial.
Con el título de 'Bisgüi', Vicario llevó sus obras a la sala madrileña Vacío 9 y en la feria ARCO con una instalación que llamó la atención de la crítica. En Del Sol St., su última cita en Cantabria, mostró bajo el epígrafe de 'El tercer gesto', una decena de esculturas, instalaciones, dibujos y vídeos, proyectados por primera vez.
Vicario es un artista que se caracteriza por su versatilidad y su extraordinaria capacidad creativa. Posee una profunda formación artística que le ha permitido sintonizar con las corrientes internacionales, siendo uno de los creadores más personales e independientes del escenario plástico actual.
No se prodiga mucho en exposiciones, por lo que sus muestras ofrecen siempre un trabajo bien orquestado en términos plásticos y conceptuales, que en ocasiones entraña cierta complejidad semántica.
Vicario, tras licenciarse en la Universidad del País Vasco, realizó el postgrado en la Kunst Akademie, de Dusseldorf, con Toni Cragg (1993), en la Parsons School of Design, de Nueva York (1999) y, finalmente, en la Academia de España en Roma y en la Hispanic Society of America, ambos en 2002. Ha sido becario de la Fundación Marcelino Botín y en 2000 obtuvo la Mención Especial del Premio Internacional Fundación Pilar Juncosa y Joan Miró y en 2002 el Primer Premio de Escultura Generación 2002 de Caja Madrid.
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El Museo de Ciencias e Industria de Chicago
realiza una exposición sobre Harry Potter
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03/05/2009
Chicago
La saga Harry Potter es llevada hasta los museos. Los fans del joven mago interpretado en el cine por Daniel Radcliffe, tendrán la oportunidad de asistir en la ciudad de Chicago, a una muestra que se prepara en el Museo de Ciencias y de la Industria de dicha ciudad estadounidense.
En dicha muestra se podrán ver más de cuatrocientos decorados utilizados en las diferentes películas de la saga Harry Potter. Así como innumerables elementos de vestuario, complementos y útiles que ayudaron en la recreación de la magia elaborada por la autora J.K. Rowling.
Una portavoz del museo afirmó que se trata de una exposición de gran interés, ya que es la primera vez que se reúnen todos estos objetos en una exposición. Y que será todo un punto de interés para los aficionados a Harry Potter.
Próximamente se estrenará Harry Potter y el Misterio del Príncipe, que servirá para abrir boca de cara al apoteósico final de la saga con las dos partes de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte.
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'Adolescencia' de Dalí robado del Museo Scheringa
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02/05/2009
La Haya
Un grupo de enmascarados robó este viernes a mano armada el cuadro de Dalí titulado Adolescencia y la tela de la pintora polaca Tamara de Lempicka La música del museo Scheringa del Realismo, abierto en Spanbroek, al norte de Ámsterdam. La tela de la artista es una de las más famosas de su trayectoria y aparece en todos los libros de arte y monografías sobre su trabajo.
Los asaltantes penetraron en el centro al mediodía, aunque la policía no hizo público el suceso hasta por la noche. Después de encañonar a los empleados y al público que se encontraba dentro, les ordenaron que se tumbaran en el suelo. Antes habían amenazado a un recepcionista y a un guardia de seguridad. El museo es una sala privada erigida por el banquero holandés Dirk Scheringa, y está dedicado al arte figurativo y el realismo mágico.
En el momento del robo había en el museo unas 20 personas, entre visitantes y personal. Los ladrones parecían conocer bien el lugar, puesto que se dirigieron sin dudarlo hacia las dos obras y las descolgaron de la pared con rapidez. "Sabían lo que buscaban, sin duda. Queda por averiguar si se trata de un robo por contrato, porque esta gente no suele quedarse el botín. En todo caso lo venden", dijo Klaas Wilting, portavoz del dueño del museo, el banquero holandés Dirk Scheringa. Tras el robo, los ladrones escaparon en un Volkswagen Golf de color negro.
Más de 500 obras componen la colección personal de arte figurativo del banquero. Todo empezó con su afición por el artista holandés Carel Willink, el mayor exponente del realismo en su país. Según el propio centro, las dos obras sustraídas son las únicas que poseen de ambos artistas. Otras piezas de Lucien Freud, Giorgio de Chirico, René Magritte y Fernando Botero no fueron tocadas.
Adolescencia es un guache pintado por Dalí en 1941. El museo lo adquirió en 1990 en la casa de subastas Sotheby's por 208.000 dólares. Este viernes, sin embargo, también se dijo que procedía de la feria de arte de Maastricht (TEFAF). La música es un óleo de 1929 y fue comprado en 2002 en otra subasta por 2,2 millones de dólares. Procede de la que se considera la mejor época de la artista art déco y figura en todos los libros de arte y monografías sobre la pintora polaca.
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El museo viajero
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02/05/2009
Barcelona
El Museo de Artes Decorativas es un museo viajero. Desde su creación, en 1932, ha cambiado de sede en tres ocasiones, y en 2011, cuando se inaugure el Disseny Hub Barcelona (Dhub), volverá a mudarse a la plaza de las Glòries, donde espera quedarse muchos años. Paralelamente a sus cambios de ubicación, en sus 75 años de existencia el museo ha ganado y perdido colecciones, y ha cambiado de discurso museográfico en función del espacio y de las piezas disponibles.
 Josep Capsir, conservador del centro desde el año 1994, conoce de primera mano la historia, las vicisitudes y las anécdotas de este museo. Él ha escrito El museu de les Arts Decoratives de Barcelona 1932-2007, volumen que pone orden a la larga y convulsa historia de este centro barcelonés.
Capsir ofrece una mirada retrospectiva por tres periodos relevantes de la historia del museo y los hechos más destacados, las exposiciones temporales, las actividades y las sucesivas incorporaciones de colecciones. Se remonta a los antecedentes y la primera apertura al público, en 1932, en el Palau de Pedralbes, de la mano de su impulsor, Joaquim Folch i Torras, un periodo que concluye con el traslado de las colecciones a los almacenes creados en Olot para proteger las obras durante la Guerra Civil. El segundo comienza en 1949 -tras permanecer las colecciones del museo 10 años almacenadas en el Palau Nacional-, cuando el museo reabrió sus puertas en una nueva sede, el Palau de la Virreina.
A partir de ese momento, una parte de su colección es segregada para crear nuevos museos monográficos: el de cerámica, el de carruajes y el formado con la colección Rocamora de indumentaria, que ahora ha regresado al Museo de Artes Decorativas tras la decisión de la Administración de cambiar el concepto museográfico del centro, lo que ha originado polémica.
El tercer periodo, después de 36 años, coincide con el regreso a su sede original, el Palau de Pedralbes. El viaje de retorno se inició en 1994 con la inauguración de una exposición que explicaba la nueva museografía, en la que destacaba una nueva colección formada con piezas de diseño industrial de las últimas décadas del siglo XX.
Dentro de dos años el Museo de las Artes Decorativas volverá a hacer las maletas para trasladarse al Dhub. ¿El último viaje? "Éste es un museo que se ha hecho grande con el tiempo y todavía tiene mucho que decir", afirma Teresa Sala, profesora de Historia del Arte de la Universidad de Barcelona. Y reclama que las artes decorativas tengan una ubicación idónea en el nuevo centro de la plaza de las Glòries y en el imaginario colectivo.
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Un museo para Magritte
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01/05/2009
Bruselas
Bélgica está dispuesta a corregir una de sus grandes carencias: la ausencia de un museo dedicado a su mejor pintor surrealista. Más de 200 obras de René Magritte (1898-1967) compondrán la mayor colección del mundo a partir del 2 de junio, día en que abrirá sus puertas el Nuevo Museo Magritte, en Bruselas.
Hasta la fecha la obra de Magritte se antojaba dispersa, en parte debido a las copias que el artista hacía de un mismo cuadro hasta 17 en el caso de El imperio de las luces (1954) y por la falta de un museo que unificara su producción.
De las más de 200 obras que reunirá el Nuevo Museo Magritte, 154 obras proceden de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica (una colección que ha ido creciendo poco a poco, con pequeñas adquisiciones), mientras que las 50 restantes proceden de colecciones privadas y colaboraciones con otras instituciones. "La principal aportación llega de la Fundación Menil de Houston, segunda más grande en obras de Magritte", informó ayer Michel Draguet, director del Nuevo Museo Magritte, en la presentación del proyecto en Madrid. Esta red de contactos ha posibilitado la programación de una serie de exposiciones temporales que, a partir de 2010, pondrán en relación la obra de Magritte con las de Miró y Dalí, y que en 2013 contempla la exhibición de las 17 versiones de El imperio de las luces.
Tríptico por plantas
La antigua sede del Museo de Bellas Artes ha sido reformada para ofrecer un detallado tríptico del artista. "Obra, pensamiento y vida", resumió Draguet. La visita discurrirá por tres plantas y comenzará en la tercera, que muestra la producción de Magritte hasta 1929.
 En ella podrá analizarse la influencia en su obra de Paul Verlaine o Giorgio De Chirico, imprescindible para entender su concepción de la pintura como vehículo de ideas, relegando a un segundo plano la obsesión por la técnica. De igual modo, se evocarán aspectos de su vida privada, como la relación con Georgette, a la vez musa y compañera, o su faceta como diseñador gráfico, con la exposición de los carteles que constituyeron sus primeros trabajos.
La hondura psicológica de su pintura se acentúa en la segunda planta, que retoma su producción a partir de 1930, cuando la crisis le obliga a volver a Bruselas. "Hay una voluntad por escapar de la razón", precisa Draguet en alusión a pinturas tan representativas como La respuesta inesperada El regreso (1940). A partir de 1939 su pintura entrará en una fase oscura, potenciada por la explosión de la II Guerra Mundial. En esta fase Magritte consolidará un lenguaje propio en el que abundan los cuadros dentro del cuadro, las cortinas y las ventanas animadas. Su compromiso político con el comunismo y el denominado período vaca que duró tres meses de 1948 durante los que Magritte realizó una obra al día cierran la segunda planta.
La visita en el primer piso depara al espectador algunas de las obras maestras del artista, como si de un imaginario enciclopédico se tratara. "Magritte es el artista más reproducido del mundo y el hecho de que su obra alcanzase la mayor difusión fue para él una obsesión", recuerda Draguet. Ahora tendrá un museo para saciar los deseos.
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Una exposición recupera al escultor neoclásico Antoni Solà
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01/05/2009
Barcelona
"En Italia a Antonio Canova se le venera como a un santo, pero en España Antoni Solà es un desconocido", se lamentaba Pilar Vélez, directora del Museo Marés de Barcelona, en la inauguración de la exposición La belleza ideal. Antoni Solà (1780-1861), escultor en Roma. "Fue uno de los artistas de mayor fama de su época, tiene obras que decoran plazas, iglesias y palacios en Roma, Barcelona, Madrid, La Habana, Bolonia y México, pero cayó en el olvido al no adaptarse a la estética del romanticismo y el realismo", explica Vélez. Tanto que jamás se le había dedicado una exposición.
Ahora, el Museo Marés lo recupera a través de 11 de sus obras, "todas las que podían trasladarse", y la publicación del catálogo completo de su obra. "Son pocas pero significativas", apunta la comisaria Anna Riera, que ha trabajado en los últimos años desde Roma. Está su obra más antigua, el relieve en yeso con el que ganó una pensión para trasladarse a estudiar a Roma en 1801 y la última, el conjunto La Caridad romana, que realizó en 1851 y que se conserva en el Museo del Prado. También están La matanza de los inocentes, Blasco de Garay y Niños jugando con una mariposa, adquirida recientemente para el Marés.
Cuando el 27 de septiembre la exposición termine, el museo cerrará sus puertas hasta febrero de 2011. En ese tiempo se realizarán obras estructurales y se reformará la primera planta para ubicar de forma idónea las esculturas de los siglos XV al XIX. El presupuesto es de 4,5 millones.
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