El Mundo de los Museos en Febrero
Descubre el mundo interior de los museos
Noticias de actualidad, nuevas colecciones y exposiciones, inauguraciones
y todas las curiosidades relacionadas con el fantástico mundo de los museos |
 |
|
|
|
| |
|
| |
|
Descubre las Noticias de los Museos en
|
|
|
Búsqueda personalizada de Noticias e Información de Museos
| |
|
El Museo de la Evolución Humana abrirá sus puertas a comienzos del 2010
|
|
28/02/2009
Burgos
El Museo de la Evolución Humana abrirá sus puertas en «los primeros meses del año 2010», una vez finalice la fase de musealización de esta dotación cultural, según las previsiones de la Consejería de Cultura. El desarrollo del proyecto, mediante la dotación de los elementos necesarios para equipar el museo, costará casi 12 millones de euros y tendrá un plazo de unos 10 meses desde la adjudicación. Este presupuesto incluye mobiliario, expositores, vitrinas, elementos multimedia, audiovisuales, entre otros elementos, además del desarrollo del proyecto paisajístico en el interior y el exterior del complejo.
 El museo estará dividido en cuatro plantas en las que se distribuirán los distintos contenidos, en un total de 5.000 metros cuadrados de superficie expositiva. Los procedentes de los yacimientos paleoantropológicos de Atapuerca estarán ubicados en la planta sótano, considerada el «corazón» del MEH. Ésta será una de las principales características que diferenciarán a este museo de otros de Ciencias Naturales, ya que suelen ser réplicas y no fósiles auténticos los que se exponen al público.
Además de los fósiles, protegidos en vitrinas debidamente acondicionadas, también estarán recreados en esta planta los yacimientos más destacados de la sierra, como la Sima de los Huesos, con un audiovisual en el que se comprobarán las dificultades que éste yacimiento plantea a los investigadores. En esta planta se descubrirá el doble uso de las cuatro 'pastillas', cuya parte superior es visible en la planta de acceso. Mientras que la parte de arriba mostrará una reproducción del paisaje de la sierra de Atapuerca en cada una de las estaciones, su interior servirá para acoger los hallazgos más interesantes de los yacimientos burgaleses.
El resto de las plantas contendrán información sobre la teoría evolutiva -con un apartado especial dedicado a Darwin-, la herencia cultural de los homínidos y los distintos ecosistemas que han caracterizado la evolución humana. La consejera de Cultura, María José Salgueiro, destacó ayer, durante la presentación pública de los contenidos del Museo, el proyecto de diseño de paisajismo que el arquitecto Juan Navarro Baldeweg ha realizado tanto para el interior como para el exterior del complejo, que estará en sintonía con el diseño arquitectónico. Salgueiro detalló que en la entrada al museo habrá una gran plaza pública que tendrá como principales elementos plantaciones y árboles «propios» de la zona.
La imagen gráfica del Museo, que también fue presentada ayer, ha otorgado un papel primordial a la palabra evolución, que se destaca en negrita sobre el resto y un logotipo que representa el crecimiento a través de ella. Los distintos elementos que darán servicio al inmueble estarán en la línea de la estructura del edificio, donde toman protagonismo el volumen y la luz, sobre todo a través de la utilización del vidrio en paneles y señales. «Se trata de un edificio donde parece que el interior es un exterior», explicó Manuel Estrada, responsable de esa imagen.
Vistas
El Museo de la Evolución Humana también contará con salón de actos, sala de exposiciones temporales, talleres, tienda y cafetería, además de otros espacios de uso no público destinados a la gestión del centro.
Cuando se asciende la rampa que da acceso a la entrada del Museo, es inevitable contemplar las vistas privilegiadas de la capital burgalesa que va a ofrecer este edificio. El Complejo de la Evolución -MEH, Centro de Investigación y Auditorio y Palacio de Congresos- está situado en el centro, sobre un solar que albergó el Convento de San Pablo y el cuartel de Caballería. En la orilla opuesta del Arlanzón, mira hacia la ciudad y ofrece una buena fotografía de la Plaza del Cid, la Catedral y el Castillo.
El Paseo de la Sierra de Atapuerca también va a ser completamente remozado con una inversión cercana a los cuatro millones de euros, procedentes del Fondo Estatal de Inversión, y se instalará una fuente ornamental.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Un museo londinense muestra la faceta retratista del alemán Gerhard Richter
|
|
27/02/2009
Londres
El alemán Gerhard Richter (Dresde 1932), uno de los artistas más cotizados en el mercado internacional del arte, es un creador bifronte como Jano.
Una de sus facetas es figurativa: imágenes desenfocadas, inicialmente en blanco y negro, pero a partir de un determinado momento también en color, y basadas siempre en fotos. La otra es abstracta y consiste lo mismo en puras muestras de puros colores que en composiciones de trazos expresionistas o pinturas de gris monocromía.
Richter, que nació en Alemania Oriental y pasó a la República Federal antes de la construcción del muro de Berlín en busca de mayor libertad para su arte, se mueve en la "tierra de nadie" entre la abstracción y el figurativismo.
La National Portrait Gallery londinense le dedica hasta el 31 de mayo una exposición centrada exclusivamente en los retratos que ha realizado a lo largo de su carrera.
 Desde muy temprano, el retrato ha sido, en efecto, una faceta importante del arte de Richter, aunque la mayoría de las retrospectivas anteriores abarcaban también otros aspectos de su producción.
Y ésta es prácticamente inclasificable: a partir de fotografías de todo tipo, muchas veces de revistas, otras personales, Richter ha pintado de todo: animales, objetos cotidianos, familias en vacaciones, deportistas, políticos, terroristas, imágenes pornográficas, granjas, paisajes, nubes, edificios y un largo etcétera. Es la suya una pintura siempre fría, distante, que contrasta por su estilo con la fuertemente expresionista de otro pintor también formado en la antigua Alemania Oriental, Georg Baselitz.
En opinión de Paul Moorhouse, experto de la National Portrait Gallery y comisario de la exposición, sus obras, bien sean figurativas o abstractas, presentan una "apariencia superficial" que muchas veces no se corresponde con "la realidad subyacente".Dicho de modo más castizo: las apariencias engañan, y es con esa ambigüedad con la que juega precisamente el artista germano.
"La apariencia, la semblanza (todo lo visible) es el tema de mi vida", ha dicho Richter, y sus imágenes de personajes, ya sean públicos y fácilmente identificables o totalmente anónimos, se presentan muchas veces en contextos que pueden fácilmente llevar a conclusiones equivocadas.
Su actitud hacia el modelo no es en absoluto convencional. "No creo que el pintor necesite ver o conocer al modelo. Un retrato no debe expresar nada del alma, la esencia o el carácter" de la persona representada, ya sea conocida o anónima.
Organizada cronológicamente, la exposición londinense reúne alrededor de 45 obras de distintas etapas procedentes de colecciones públicas y privadas elegidas de forma que muestran las principales preocupaciones y líneas de evolución de su arte.
Así, una de las secciones se centra en el uso de fotografías de periódicos y revistas, entre ellas varias relacionadas con el asesinato del presidente Kennedy, otra dedicada a los trabajos basados en fotos de su propio álbum familiar o los de sus amigos.
Hay también retratos de algunos de sus marchantes y coleccionistas, un autorretrato en color, así como un retrato muy curioso de la pareja de artistas británicos Gilbert & George hecho con la técnica de la múltiple exposición. Richter ha utilizado también a sus sucesivas esposas, pero también a su hija y su nieto pequeño como modelos, y entre las imágenes más icónicas está la titulada "Ema (Desnudo en escalera), de 1966.
El desnudo frontal de su primera mujer evoca por su temática y, pese a lo distinto de sus estilos, que los convierte casi en antitéticos, el famoso cuadro de Marcel Duchamp "Desnudo descendiendo una escalera (Número 2)". También llama poderosamente la atención por su delicadeza casi vermeeriana el retrato titulado "Lesende" (Lectora), de 1994, que representa el busto de su tercera mujer de perfil leyendo unos papeles.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Museo de Bellas Artes revisará una década de creación de Juan Ugalde
|
|
26/02/2009
Santander
 Un itinerario representativo de la obra del artista Juan Ugalde (Bilbao, 1958) conforma la propuesta expositiva con la que el Museo de Bellas Artes de Santander abrirá su programa 2009. La pinacoteca inaugurará la primera cita de la nueva temporada, producción afrontada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Santander y la Consejería de Cultura del Gobierno cántabro.
El museo propone así un recorrido que, cronológicamente, abarcará obras fechadas desde finales de los años noventa hasta el presente. La exposición, que ocupará dos plantas y las otras tantas salas destinadas a muestras temporales del centro de la calle Rubio, acogerá de forma especial una serie de piezas de gran formato, en blanco y negro, dedicadas al singular tratamiento y encuentro de fotografía y pintura, fusión que constituye una de las señas de identidad de la obra de Ugalde.
El Museo santanderino cierra estos días la exposición de los fotógrafos alemanes Daniel & Geo Fuchs, una exitosa convocatoria que ha servido de cita final del centenario de la institución y, a su vez, de umbral expositivo de la tercera edición de Foconorte. La entidad que dirige Salvador Carretero afronta, a partir de esta muestra de Juan Ugalde, que será inaugurada el próximo viernes día 6 de marzo, una etapa que se augura como decisiva de cara a los futuros proyectos de ampliación del museo y la conversión de su espacio y colección permanente.
Ugalde, también en Silió
El artista Juan Ugalde, además, regresará a Santander este verano para presentar en la galería santanderina Juan Silió, del 15 de agosto al 18 de septiembre, una selección significativa de pinturas, ya centradas en sus creaciones recientes.
Se ha subrayado que las imágenes fotográficas sobre óleo de Ugalde presentan «el lado menos amable de la sociedad del bienestar». En Santander su trayectoria ha estado ligada, por ejemplo, a la Fundación Marcelino Botín, como becario de Artes Plásticas de la cuarta promoción, y a diversas muestras, colectiva, de espacios como la galería Trazos Tres. En la reciente edición de ARCO, su obra se exhibió en el stand de la galerista vinculada a Cantabria Soledad Lorenzo.
Su creación más característica en etapas recientes se configura por serigrafías y fotografías, impresas y pegadas, sobre aluminio. Una obra en la que se manifiesta su particular sentido del collage.
Genuino artista pop, de su obra cargada muchas veces de iconos y densa narración visual, se ha destacado su preciso, cruel y melancólico retrato de la actual imagen popular a través de la fotografía tratada pictóricamente con manchas y salpicaduras, y con superposiciones muy diversas.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Musac inaugurará en Budapest
la mayor exposición de su colección fuera de España
|
|
25/02/2009
León
 El Musac inaugurará el próximo 27 de marzo en la Mücsarnok Kunsthalle de Budapest la mayor exposición de su colección fuera de España, bajo el título Mi Vida. From Heaven to Hell. Life experiences in art from Musac Collection (Mi Vida. Del Paraíso al Infierno. Experiencias de vida en la colección Musac), la muestra presenta una selección de obras que inciden en las relaciones entre arte y experiencias vitales desde diferentes ángulos. Más de cuarenta artistas se darán cita en aproximadamente 2.500 metros cuadrados de exposición.
Así, Mi Vida- se suma a otras exposiciones de la Colección Musac realizadas en instituciones como Santralistambul (Estambul) o Macuf (La Coruña); en ferias como París Photo (París); o festivales como el Hay Festival (Segovia) o el Festival Internacional de Benicàssim.
La vida ha sido siempre el punto central de la expresión artística. A lo largo del tiempo, los artistas han reflejado sus experiencias y opiniones a través de sus obras. Este fenómeno es clave a la hora de entender el arte: las obras que vemos están de algún modo relacionadas con las experiencias vitales de sus creadores, y muchas veces con las nuestras propias. La exposición Mi Vida muestra obras de arte contemporáneo que subrayan la relación arte-vida desde diferentes puntos de vista e intereses.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El museo de Ciencia expone robots humanos
|
|
24/02/2009
Londres
El museo de Ciencia de Londres ha expuesto verdaderos hombres de hojalata desarrollados por los laboratorios de la Universidad de Bristol y la empresa Elumotion
Londres ha vivido tres días de innovación y acercamiento al que probablemente sea en un futuro, una alternativa del ser humano actual: los robots.
Berti ha sido el protagonista de la exposición, probablemente el robot más ingenioso del mundo. Con auténticos gestos humanos el robot dio lugar a su debut bajo la mirada atónita de los espectadores.
Un juego ingenioso que los visitantes sin duda, supieron apreciar (teniendo en cuenta que hablamos de un robot). ¿Conocen el juego de ‘piedra, papel o tijera’? Berti sí, es más, es capaz de saber si ha ganado o no, así no hay lugar a trampas.
A través de un guante- sensor que lleva su interlocutor humano, la Universidad de Bristol y la empresa Elumotion, han creado a un auténtico ‘hombre de hojalata’.
Una ingeniosa presentación de Berti, con el cual los científicos esperan encontrar importantes progresos en el desarrollo de los miembros artificiales de los seres humanos, además de investigar todos los matices acerca de las reacciones de humanos, ante hombres de hojalata similares a ellos.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Museo de Altamira participa en una investigación
que localiza los indicios más antiguos de vida humana en Paraguay
|
|
24/02/2009
Santander
El Museo de Altamira ha participado en una investigación arqueológica y de arte rupestre con el pueblo Paî Tavyterâ, en Paraguay, mediante la cual se han localizado los indicios más antiguos de vida en este país, que se remontan a hace más de 5.000 años.
Respecto a su arte rupestre hallado, inédito hasta ahora, responde al "estilo pisadas", bien conocido en países del entorno como Brasil, Argentina, Chile o Bolivia. Esta expresión cultural presenta en Amambay una de las cronologías más antiguas, la mayor cantidad y densidad de sitios y la mayor variedad de representaciones, lo que induce a pensar que esta región pueda ser origen y centro difusor de este tipo de arte presente en casi toda Sudamérica.
 El director del Museo, José Antonio Lasheras, se desplazará en los primeros días de marzo a Paraguay para presentar los resultados de este proyecto de cooperación cultural y científica, que se realizó durante el año pasado.
En concreto, se trata de la iniciativa 'Patrimonio cultural del pueblo Paî Tavyterâ en Jasuka Venda', que ha sido financiada por la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y apoyada por el Ministerio de Cultura de España.
El Museo de Altamira realizó la investigación de un abrigo situado en el cerro Jasuka Venda (Departamento de Amambay) en Paraguay, a petición de las comunidades Paî Retâ Joaju, propietarios del lugar, que en 2004 solicitaron la colaboración del museo para inventariar su patrimonio cultural y arqueológico.
El cerro Jasuka Venda es el principal patrimonio de la etnia guaraní Paî Tavyterâ; es su lugar sagrado, donde creen que surgió el Dios Creador y Gran Abuelo, Ñande Ru, y a partir de donde se creó el mundo y la humanidad.
En 2008 el proyecto pudo iniciarse y, casi un año después, los primeros resultados se presentarán en primer lugar a los propios Paî, y a continuación a la sociedad paraguaya.
Así, José Antonio Lasheras se reunirá el 6 de marzo con los líderes indígenas y con representantes de todas las comunidades en un coloquio (ñemongueta)) para compartir los resultados del trabajo.
Después, sus resultados se harán públicos en sendas conferencias en la Universidad Nacional en Pedro Juan Caballero y en el Centro Cultural de España Juan de Salazar, en Asunción.
La divulgación de los resultados se realizará también en España. El Museo los presentará en su sede próximamente con una exposición temporal. La presentación científica se realizará en el próximo Congreso Internacional de Arte Rupestre que se celebrará en julio, y al que el museo ha sido invitado.
La Secretaría Nacional de Cultura de Paraguay está interesada en ampliar la cooperación a través del Museo de Altamira con el objetivo de impulsar la investigación y puesta en valor del patrimonio arqueológico en el país.
Para esto, se han previsto varias líneas de colaboración para 2009-10 que implican colegiadamente a la Agencia Española de Cooperación para el Desarrollo (AECID) y al Ministerio de Cultura.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Nuevo museo de Arqueología y Naipes, "Bibat"
|
|
24/02/2009
Vitoria
Las obras de esta nueva infraestructura, situada entre las calles Cuchillería y Pintorería, se han retrasado en varias ocasiones debido, entre otros problemas, a los robos que se han cometido de material de bronce, con el que está construido la mayor parte del nuevo museo.
 El diputado general de Álava, Xabier Agirre ha destacado que este conjunto "de evidente valor cultural" va a ser una "pieza importante" en la revitalización del casco medieval y, preguntado por la persona que se encargará de dirigir el museo, ha respondido que "eso no toca hoy" y ha dicho que las explicaciones sobre este asunto las dará "en el momento pertinente" la diputada de Cultura, Lorena López de Lacalle.
El "Bibat" combina las exposiciones que acogía el anterior museo de Fournier de Naipes, cuyas instalaciones se han adaptado y unido al nuevo edificio que también albergará las colecciones del antiguo museo de Arqueología situado en la Casa Armera de los Gobeo.
En la parte dedicada a la arqueología se expondrán alrededor de 1.500 piezas, mientras que el de Naipes mostrará alrededor de 250 barajas (unos 1.500 naipes) estructuradas por temas y que explican el proceso de su fabricación y los diferentes tipos de juego, según ha explicado la Diputación.
El diputado general ha presentado también el logotipo con el que se identificará al nuevo centro museístico, elegido entre las 33 propuestas que se presentaron al concurso y que expresa la idea de "dos museos en uno", el lema en el que se basa el nombre "Bibat".
El complejo combina una moderna estructura con las líneas góticas y renacentistas del antiguo Palacio Bendaña que desde 1994 acoge el Museo Fournier de Naipies. Dispone de 4.200 metros cuadrados de superficie útil distribuidos en cuatro plantas y dos sótanos y para su construcción se han empleado 40.000 metros cuadrados de chapa de bronce.
Según la Diputación, otra de las peculiaridades del edificio son los lucernarios o prismas de vidrio inclinados que atraviesan las salas de exposiciones.
En el Palacio de Bendaña se ha construido un nuevo acceso a través del patio que permitirá que este espacio pueda ser visitado de manera independiente al de Arqueología y también se ha mejorado la accesibilidad a la entreplanta y el semisótano. Asimismo, se han realizado una serie de obras comunes a los dos edificios centradas en el patio de acceso a través de la calle Cuchillería.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Maliki reabre el Museo Nacional de Bagdad después de seis años de cierre
|
|
23/02/2009
Bagdad
 El primer ministro de Irak, Nuri al Maliki, reabrió hoy el Museo Nacional de Bagdad, que permaneció más de seis años cerrado tras ser saqueado durante la invasión anglo-estadounidense de Irak, en marzo de 2003. La reapertura se hizo durante una ceremonia en la que participaron, ministros, diputados y embajadores de varios países.
El jefe del Gobierno destacó la importancia del museo porque exhibe numerosas piezas arqueológicas pertenecientes a diversas épocas de la historia.
"Anhelamos que el museo se convierta en un centro de la atención de los estudiosos de la historia", dijo Maliki, que subrayó, además, que el Gobierno y los responsables iraquíes tienen aún una gran tarea para descubrir las antigüedades que todavía permanecen sepultadas en diversas zonas del país.
Asimismo, elogió la cooperación internacional en la recuperación de las piezas que fueron sacadas de país de contrabando.
Por su parte, el ministro iraquí de Turismo y Arqueología, Qahtan al Yabury, destacó que el Museo es uno de los más importantes de Oriente Medio, y una de las fuentes mas relevantes para el conocimiento de la humanidad.
Recordó que su Ministerio desplegó grandes esfuerzos en los últimos seis años para recuperar alrededor de 11.000 piezas que fueron expoliadas del Museo y de sitios arqueológicos del país.
En ese sentido, precisó que EEUU devolvió un total de 1.046 antigüedades, mientras que los vecinos Jordania y Siria, entregaron 2.466 y 700, respectivamente.
El Museo Nacional de Bagdad, que conservaba piezas de inestimable valor, fue saqueado en los días posteriores a la toma de la capital iraquí, en un suceso que causó honda conmoción en el mundo de la cultura.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Los pueblanos copiarán La Celestina en el sexto aniversario del Museo
|
|
23/02/2009
Toledo
El próximo viernes, día 27, se iniciará la copia manual de la obra del pueblano Fernando de Rojas, La Celestina. Una actividad que continuará durante todo el mes de marzo con los colegios de la localidad y todo aquel que desee aportar un fragmento de la misma con su letra.
 Se trata de una de las actividades organizadas por el Ayuntamiento de La Puebla de Montalbán para conmemorar el sexto aniversario del Museo La Celestina, uno de los referentes culturales y turísticos más emblemáticos del municipio.
Gymkhanas, una conferencia o la ruta cultural son algunos otros actos preparados para la celebración. «Se trata de una programación sencilla pero con la que pretendemos celebrar la puesta en marcha de un Museo tremendamente significativo para La Puebla de Montalbán, a la vez que fomentar la cultura y divulgar la obra del pueblano más ilustre», explica el concejal de Cultura, Fernando Díaz Morón, quien añade que «en La Puebla de Montalbán, un pueblo que vive, ama y siente la cultura como se demuestra cada año en el Festival Celestina, el aniversario del Museo no puede pasarse por alto».
Entre las diez de la mañana y las dos de latrde del próximo viernes se desarrollarán varias gymkhanas dirigidas a los alumnos de los colegios de la localidad. Ese mismo día, a las 19.30, se presentará una producción multimedia que podrá ser contemplada por todos los visitantes del museo en los dos ordenadores de uso público ubicados en el edificio. En ella, se recoge la trayectoria del Museo a través de las imágenes emitidas en los medios de comunicación. Ese mismo día José Enrique Campillo ofrecerá una conferencia sobre otro de los hijos ilustres de La Puebla de Montalbán. «Francisco Hernández, un sabio español pendiente de reconocimiento» es el nombre de esta interesante conferencia en la que se hablará del pueblano que fuera protomédico de Felipe II.
Puertas abiertas
Los actos continuarán el domingo 1 de marzo con una visita guiada al Museo La Celestina y una jornada de puertas abiertas a los museos más emblemáticos, como son las cuevas de la calle Aduana y Tetuán o la Torre de San Miguel. Esta ruta cultural comenzará a las 11.30 en el Museo La Celestina. Los interesados deberán hacer su reserva en la oficina municipal de Turismo situada en el Museo.
Por último, el 3 de marzo, los alumnos de los colegios de La Puebla de Montalbán asistirán al Museo para participar en unas gymkanas.
El Museo La Celestina, construido en homenaje a la obra del pueblano Fernando de Rojas, cumplirá seis años de vida el próximo miércoles 25 de febrero aunque, al coincidir con las fiestas de carnaval, la celebración se ha pospuesto. Durante este tiempo, son muchas las personas que han visitado este museo y han disfrutado adentrándose en la obra, en sus personajes y en el autor.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Exposición en Museo de Historia
analiza los cambios de Barcelona entre 1998-2007
|
|
22/02/2009
Barcelona
La recreación del pasillo de un avión en el gótico salón del Tinell sirve para conducir al visitante a los siete diferentes ámbitos de la exposición "Barcelona conectada, ciudadanos trasnacionales", en la que se analizan los cambios ocurridos en Barcelona entre los años 1998 y 2007.
Aprovechando el Año del Diálogo Intercultural, el Museo de Historia junto con la Fundación Jaume Bofill ha preparado esta muestra, que se clausurará el día 27 de septiembre, y que ha convertido el Tinell en una pequeña ciudad virtual.
 El director del Museo de Historia, Joan Roca, ha explicado hoy en rueda de prensa que se ha escogido la década que va de 1998 a 2007 para la exposición porque es cuando la capital catalana acoge a un gran número de personas venidas de diferentes puntos del planeta, llegando en la actualidad a contar con un 16 por ciento de población nacida fuera de España. Roca ha mantenido que durante este período, Barcelona ha experimentado un cambio humano muy visible, tanto en sus calles, como en sus tiendas como en el interior de sus casas.
En los diferentes ámbitos de esta exposición, en la que se presentan mapas inéditos sobre la configuración de la Barcelona del siglo XXI, se da cuenta de todo ello y se exhiben desde periódicos para latinoamericanos a un panel de televisores con cadenas sintonizadas de todo el mundo.
Una de las tesis de esta exposición es que en Barcelona la globalización ha tenido éxito, aunque de forma "inesperada", porque, en palabras de Joan Roca, "la internacionalización no se ha producido sólo desde las elite y las actividades de tecnología avanzada o de las grandes empresas como se había imaginado, si no que ha afectado a toda la población y a un amplio abanico de actividades".
Así, en uno de los ámbitos se explica que en la actualidad hay 7.000 emprendedores no nacidos en la ciudad y que han contribuido a cambiar la faz de algunos polígonos industriales e incluso de algunas de las calles del centro de la ciudad. Sin embargo, el director de la Fundación Bofill, Jordi Sánchez, ha advertido de que "la exposición no quiere dar respuestas, sino invitar al visitante a que se interrogue sobre la ciudad que se está construyendo".
La muestra también incide en lo que significa la proliferación de antenas parabólicas en los tejados y refleja, por ejemplo, que sólo el 30 por ciento de los envíos de dinero a otros países se canalizan a través de las cajas de ahorros y los bancos, gestionándose el resto a través de entidades especializadas.
Al final del recorrido, los organizadores no han obviado que el crecimiento de la ciudad ha estado vinculado a lo largo de la Historia a las migraciones, tanto a las cercanas como a las de países lejanos, y recuerdan a algunos catalanes de otros orígenes como el mismo presidente de la Generalitat, José Montilla.
Tanto Joan Roca como Jordi Sánchez han destacado la colaboración que han recibido de muchas entidades que se han implicado en este proyecto, que también supondrá la organización de conferencias, mesas redondas, e incluso llevará a abrir el Museo los domingos por la tarde, entre el 19 de abril y el 28 de junio, para tomar allí un café y participar en una charla.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
La España de la luz y el tópico
|
|
21/02/2009
Barcelona
Espectáculo en estado puro. La exposición Sorolla. Visiones de España, que hoy abre sus puertas en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, tiene todos los ingredientes para resultar, también en Barcelona, un éxito de público. En primer lugar, el acceso es gratuito, lo que ya es un punto. Después, sin llegar a los extremos de Valencia (donde convocó a 452.000 visitantes), Sorolla sigue siendo uno de los artistas españoles más populares y, aunque no se exhiben sus famosas escenas de playa, es la primera vez que se muestran en España los 14 monumentales paneles que pintó para decorar una sala de la Hispanic Society of America.
Coloristas y monumentales, los temas escogidos para ilustrar la diversidad geográfica de España abundan en el tópico folclórico, si bien hay algunos cuadros que sobresalen del conjunto (Ayamonte. La pesca del atún o Sevilla. Los nazarenos) y dan cuenta de la maestría del pintor, que, siguiendo con el tópico, centró gran parte de su estética en el dominio de la luz.
El despliegue mediático que el organizador de la exposición, Bancaja, ha realizado desde que comenzó la gira, en octubre de 2007, también es otro factor que ayuda. La entidad bancaria, propietaria de una amplia colección de sorollas que sin duda se revalorizarán tras esta operación, ha tirado la casa por la ventana (el voluminoso catálogo incluye enormes reproducciones deplegables a todo color de los paneles) y en conjunto ha invertido más de tres millones de euros en la restauración de las obras, el traslado desde Nueva York de los paneles (fletando un Boeing 747) y el recorrido de la exposición por España.
 El MNAC, que pese al interés científico y artístico de su anterior exposición, dedicada a Julio González, no consiguió ni la mitad de repercusión que ya está teniendo esta de Sorolla, ha organizado una exhibición paralela, también grautita, que recoge unos 50 dibujos preparatorios y bocetos procedentes del Museo Sorolla de Madrid y de la Hispanic Society que permiten conocer el proceso de trabajo del artista.
Es un buen complemento para entender cómo enfocaba Joaquín Sorolla (Valencia, 1863-Madrid, 1923) este proyecto que le encargó en 1911 el mecenas y erudito Archer Milton Huntington, fundador de la Hispanic Society, para decorar una de las salas de la entidad. Según explicaba ayer Felipe Garín, comisario de la exposición junto con Facundo Tomás, en aquel momento Sorolla ya era conocido en Estados Unidos, donde había realizado seis exposiciones, y se encontraba en plena madurez creativa. "La suya es una visión muy personal y opinable de España", indica Garín, que insiste en que el objetivo de Sorolla "no era reflejar la realidad, sino estructurar cuadros", es decir, le importaba la parte plástica del tema.
Según Garín, a Sorolla se le ha menospreciado durante mucho teimpo acusándolo de regionalista. "Es una visión despectiva fruto del regionalismo imperante durante el franquismo, aunque en el momento en que él realizó las obras era un movimiento común en toda Europa entre artistas que reivindicaban la tradición agraria y rural frente al mecanicismo de los nuevos tiempos".
En opinión de Garín, el éxito de público y de mercado del artista -para pintar estos paneles cobró nada menos que 150.000 dólares de la época- también fue motivo de crítica para el grueso de la intelectualidad de la generación del 98. "Sólo Azorín y Juan Ramón Jiménez lo defendieron, los demás no le perdonan la alegría de vivir de sus cuadros porque consideraban que lo que tocaba era reflejar la España negra que representaba Zuloaga, por ejemplo".
De hecho, cuando Sorolla acabó el encargo, en 1919, ya no contaba con tantos afines porque entonces empezaban a primar las vanguardias. "Hasta la revolución ideológica de finales del siglo XX contra la dictadura de los críticos, no ha vuelto a reivindicarse a Sorolla", añade Garín, según el cual estos paneles fueron la obra de su vida. Al poco de acabarlos tuvo un ataque de hemiplejía (los primeros síntomas del declive los tuvo ya en Barcelona cuando se instaló en un estudio de la Barceloneta para pintar el panel dedicado a Cataluña) y tres años después, a los 60, murió.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Hallados el esqueleto de un mamut y centenares de fósiles más
en plena zona urbana de Los Ángeles
|
|
20/02/2009
Los Ángeles
 El museo de Historia Natural de Los Ángeles (EEUU) ha anunciado el descubrimiento, en plena zona urbana, del esqueleto de un mamut y otros más de 700 restos fósiles que datan de la última era glacial, hace entre 10.000 y 40.000 años.
El área donde se han localizado estos restos es Rancho La Brea, dentro de la Mid-City, a unos 10 kilómetros del centro de la ciudad.
El mamut, conservado en un 80% y con los colmillos de unos tres metros de largo intactos, es una de las piezas estrellas de los restos descubiertos, entre los que también destacan el cráneo de un león americano, huesos de lobos, tigres dientes de sable, caballos, bisontes, coyotes y linces.
Investigación iniciada en un párking
Los investigadores han bautizado al fósil del mamut como Zed. "El nombre Zed significa el comienzo de una nueva era de investigación y descubrimientos", ha dicho John Harris, del Museo de Historia Natural de la ciudad y líder de la investigación, llamada Proyecto 23, que comenzó en el 2006, cuando se descubrieron 16 fósiles debajo de un párking próximo.
"Zed es el símbolo que puede revolucionar nuestro conocimiento sobre esta área", ha agregado. El museo de Historia Natural de Los Ángeles es famoso por tener una de las colecciones más completas de fósiles del pleistoceno, pero los paleontólogos del Proyecto 23 aseguran que esta investigación aumentará de forma exponencial el número de especímenes.
Trampa para animales
Único en el mundo en un entorno urbano, el lugar de excavación de La Brea es resultado de un fenómeno natural de afloración de hidrocarburos, en el cual numerosos animales cayeron como en una trampa, mucho antes de que el sitio formara parte de la segunda ciudad de Estados Unidos. Desde 1906 se han descubierto más de un millón de huesos en esa zona.
Estos hallazgos pueden arrojar luz sobre asuntos relacionados con el calentamiento global, los cambios geológicos, la biodiversidad y los círculos vitales, han explicado los expertos.
"Este es un gran ejemplo de cómo la investigación, las colecciones y las exhibiciones se unen en este museo", ha dicho la presidenta de la institución, Jane Pisano.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
'Los colores del Agua' en el Museo de la Ciencia de Valladolid
|
|
19/02/2009
Valladolid
La exposición 'Los colores del Agua', que se exhibe desde hoy y hasta el próximo 3 de mayo en el Museo de la Ciencia de Valladolid, busca concienciar a los ciudadanos sobre la necesidad de que el agua recupere su transparencia, considerada símbolo de sostenibilidad".
Así lo puso de manifiesto el naturalista y escritor Joaquín Araujo, comisario de la muestra, quien recalcó que los conceptos más importantes de la muestra se plasman a través de "cuatro pequeños versos" --'Agua azul, las geografías del agua',
'Agua verde, el agua de la vida', 'Agua gris, las enfermedades del agua' y 'Agua transparente, sostenibilidad'-- que encabezan cada uno de los cuatro apartados en que se divide.
La primera parte, 'Agua Azul', hace un recorrido por la geografía del agua, ahonda en la extensión de las de los océanos frente a la de las dulces, muestra la disponibilidad de estas aguas, su procedencia, su uso y su distribución en las distintas partes del mundo y refleja cómo un chip de móvil precisa de 32 litros de agua frente a los 400.000 de un coche o los 1.600 de una camiseta, entre otros.
El segundo apartado, 'Agua Verde', se centra en su importancia para el desarrollo y supervivencia de los seres vivos a través de un documental que recoge los cursos fluviales y la vida sobre y dentro del agua, la lluvia y el papel de los árboles como administradores de agua y el porcentaje de agua de los cuerpos de distintos seres vivos, entre otros.
'Agua Gris' muestra, como tercera parada de la exposición, las consecuencias que conlleva la falta de respeto o el despilfarro de este bien como la desertificación o catástrofes hídricas, a lo que se suman otras "enfermedades" como la contaminación o el "despilfarro" y hecho como la "desigualdad" en el acceso al agua en función de los distintos lugares del planeta.
En este mismo apartado se puede conocer también, a través de un documental, el incumplimiento de las leyes en esta materia y, por medio de elementos visuales e interactivos, acercarse a realidades como la desaparición de lagos, la demanda de agua en instalaciones como los campos de golf, los efectos de la desertificación en España --el 12 por ciento de su superficie sufre procesos erosivos muy graves-- y la conversión de los ríos en cloacas --alrededor de 500 toneladas de contaminantes por segundo son vertidos al mar a través de los ríos--.
'Agua Transparente' es la última sección de la muestra, promovida por la Obra Social de Caja Madrid, y busca convencer a los visitantes sobre la posibilidad real de recuperar la transparencia de las aguas a través del ahorro y la sostenibilidad, para lo que ofrece la opción de comprobar cómo podrían ser las nuevas relaciones con el agua, muestra el funcionamiento de los pequeños depósitos a través de una maqueta del aljibe y aboga por la "activa" depuración y reutilización del agua.
QUE NO LLEVE A LA VIOLENCIA
 La muestra, que reúne fotografías y elementos interactivos, busca que los visitantes entiendan que "absolutamente todo" lo considerado parte de la realidad, incluidos los seres humanos, son "agua", un elemento que cuenta a su vez con una dimensión que debe ser objeto de estudio a fin de que no se convierta en el "motivo máximo de crisis" y lleve consigo la violencia, punto en el que coincidió con el alcalde, Javier León de la Riva, quien recordó que quizá, al igual que en el siglo XX se produjo la "guerra del petróleo", en el XXI se puede afrontar la "guerra del agua".
Si el agua es tratada con "destreza" será "suficiente" para la mayor parte de las zonas del planeta aunque, por otro lado, Araujo recordó que el agua es objeto también de la violencia "elevada a la enésima potencia" dado que, según se refleja en estudios de la Organización Mundial de la Salud, entre otras, "nada mata tanto como el agua muerta" --cada ocho segundos muere alguien por consumir agua que previamente había sido "asesinada"--.
Por ello, añadió, existe la "obligación" de mejorar las condiciones de abastecimiento con el fin de que exista "suficiente" agua y que, además, presente las "máximas garantías" en un momento en el que, aseveró, el crecimiento económico debe ser "regado" a la vez que hay que "denunciar" las agresiones que sufre el Medio Ambiente y que acaban con la "transparencia" del agua.
Por su parte, el alcalde resaltó que la muestra pretende concienciar sobre la "importancia trascendente" del agua que, al contrario de las enseñanzas impartidas en los colegios, en la actualidad no es "necesariamente" incolora, inodora e insípida y tampoco "inagotable", lo que empuja a apostar por el consumo "imprescindible" y por reciclar "todo lo posible".
En último término la nueva directora del Museo de la Ciencia, Inés Rodríguez, consideró que 'Los Colores del Agua' constituye un "buen inicio" de su andadura en el espacio museístico dado que, ubicado a la orilla del río Pisuerga, el museo "mira siempre al agua" mientras que Marisa Sanz, representante de Caja Madrid, resaltó que la obra social de la entidad invertirá este año diez millones de euros sólo en acciones medioambientales.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Objetos rituales, con piezas procedentes del Museo Británico,
protagonizan una exposición en el Museo de América
|
|
19/02/2009
Madrid
Aproximarse un poco más a la cultura de los taínos, indígenas que habitaron el Caribe es ahora más fácil gracias a la exposición "El Caribe precolombino: Fray Ramón Pané y el universo taíno", en el Museo de América de Madrid.
 Con la ayuda de los textos de Fray Ramón Pané, considerado el primer europeo que escribe sobre un pueblo americano, como informó la comisaria Anna Casas, el visitante se adentra en las vivencias de estos habitantes de las Antillas Mayores (Cuba, La Española -República Dominicana-, Jamaica y Puerto Rico), y descubre cómo su concepción del mundo les unía a la naturaleza.
Este viaje a las entrañas del Caribe comienza con Colón, quien en su llegada al Nuevo Mundo en 1492 ya se encontró con los taínos. El fraile jerónimo Fray Ramón Pané acompañó al descubridor en su segundo viaje y cuando llegó al otro lado del Atlántico convivió con los taínos, por orden del Almirante, y hasta aprendió su lengua, sus creencias y sus costumbres. Gracias a esta convivencia escribió cómo era este pueblo y en qué consistía su mitología y así, la labor del evangelizador, materializada en el libro Relación acerca de las antigüedades de los indios, permite contextualizar su arte.
De esta forma, como explicó la comisaria y directora del Museo Barbier-Muelles de Arte Precolombino de Barcelona, querían introducir los textos del antropólogo para favorecer la comprensión de los objetos expuestos. Tanto piezas de la colección de arte taíno de este museo como las procedentes del Museo Británico de Londres, junto a piezas propias del Museo de América, han compuesto esta exposición que incluye objetos cotidianos.
"Estamos contribuyendo a la biografía de estas piezas" comentó Casas que le había dicho el editor principal del catálogo de la exposición, José R. Oliver, en relación con la naturaleza espiritual de las mismas. Para los taínos las cosas estaban animadas como las personas, lo que les llevaba a tener una idea más espiritual del mundo. Por ejemplo, Colin McEwan, comisario y Jefe de la sección Américas y conservador de las colecciones de América Latina del Museo Británico de Londres) explicó que a través del dúho (especie de trono donde se sentaba el jefe o cacique del grupo), elemento presente en la exposición, se podía materializar un espíritu (cemí) con el que el cacique o rey establecía una relación.
Comunicarse con lo sobrenatural
En piedra y madera el visitante descubre hachas, aros líticos, cuya función aún se está estudiando (aunque una de las creencias apuntaba a que podrían haberse utilizado en un juego de pelota indígena), o tallas de figuras antropomorfas, que "hacían visibles las tradiciones orales", según McEwan. Entre éstas, destaca la figura de un hombre con grandes lágrimas en la cara que por su expresión recuerda al rito de la cohoba (alucinógeno) que se prepara con morteros, también presentes en la exposición.
Este ritual servía para atraer a los seres sobrenaturales y estaba ligado al gobierno. Por medio de esta comunicación con los espíritus, los taínos creían que se les revelaba cómo eran aquéllos realmente, para su posterior representación artística. Otra de las figuras antropomorfas que refleja la mitología de esta cultura, eminentemente agrícola, es el Cemí pájaro en madera, que recuerda la leyenda sobre la creación de mujeres. Los taínos creían que fue una especie de pájaro el que talló el sexo femenino.
El comisario Colin McEwan explicó que en el intercambio cultural entre los europeos conquistadores y el pueblo conquistado hubo respeto mutuo en muchas ocasiones, así como interacción entre las islas, pero también "formaban parte de un proceso de expansión con intereses políticos", lo que provocó en ocasiones un encuentro desigual entre culturas.
"El Caribe precolombino", después de visitar Barcelona y Santiago de Compostela, tiene como última parada Madrid hasta el próximo 28 de junio. Después, habrá que esperar a que nuevos descubrimientos, como los que se están llevando a cabo actualmente, informó McEwan, profundicen en los tesoros de las distintas culturas del Nuevo Mundo.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Museo de Bogotá inaugura la exposición sobre cien años de diseño español
|
|
19/02/2009
Bogotá
El Museo de Arte Moderno de Bogotá (MamBo) inaugura la exposición '300% Spanish Design', que reúne lo mejor del diseño español en siglo pasado, por medio de trescientas piezas -cien sillas, cien lámparas y cien carteles- y que se ha exhibido en siete ciudades del mundo desde 2005.
La muestra que estará abierta en la capital colombiana hasta el próximo 26 de abril, fue organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (Seacex) y por la Sociedad Estatal para Exposiciones Internacionales.
'300% Spanish Design' estuvo desde 2005 en Japón, Portugal, Grecia, China y Brasil, y de Bogotá saldrá para Costa Rica y México.
 El arquitecto y diseñador español Juli Capella, comisario de la exposición, declaró que ésta 'ofrece un amplio repertorio de las más representativas imágenes con que la producción industrial y la creatividad artística han respondido a las demandas de la sociedad española a lo largo del siglo XX'. Explicó que esta selección se concibió originalmente como parte del Pabellón de España en la Exposición Universal Aichi 2005 (Japón).
'Al principio, cuando proponíamos la exposición, se sorprendían, porque decían que el diseño español no es muy conocido, aunque sí lo son figuras como Antonio Gaudí', señaló Capella, y añadió que 'la reacción 'ha sido impresionante'.
Las 300 piezas escogidas corresponden a los últimos 100 años y son 'una muestra amplia y significativa de la rica aportación española a la cultura creativa mundial', indicó Capella.
Aunque el diseño español abarca múltiples disciplinas, como la arquitectura, decoración, mobiliario, electrodomésticos, artesanías, joyas, moda y artes gráficas, las tres piezas escogidas son elementos cotidianos fundamentales.
La silla 'es el diseño por antonomasia', la lámpara es 'un producto mágico que sirve para dar la luz' y el cartel 'es uno de los primeros diseños gráficos del hombre', expresó.
Recordó que 'España es la mezcla de muchas nacionalidades y esta exposición es un poco un reflejo de ello'.
Así, por ejemplo, sobresale el nombre de Barcelona, porque 'la revolución industrial y el diseño en España empiezan justo en esa ciudad y en el País Vasco, y el diseño español nace en Barcelona'.
'Pero en los años 60, las piezas se reparten de una forma más diversificada y muchas piezas son de Valencia, por ser una ciudad tan industrial', aclaró.
El comisario manifestó que la muestra hace hincapié en que, además de grandes pintores como Goya y Velázquez, España produjo diseño, que es 'el arte hecho de forma masiva, democrática'.
En esta exhibición, hay carteles de Pablo Picasso, de Antoni Tapies y de Joan Miró, entre otros artistas.
La exposición se complementa con una proyección de 100 iconos del diseño español en arquitectura, diseño industrial, mobiliario o grafismo, con piezas tan diversas como el botijo, el Tren de Alta Velocidad (AVE), el futbolín, la fregona, la Casa Milá o La Pedrera, de Gaudí, la paella o los escudos del Real Madrid y el Barcelona.
La muestra estuvo en Saitama (Japón) entre julio y octubre de 2005, en Lisboa de septiembre a noviembre de 2006, en Atenas en diciembre de ese año, en Shangai entre julio y julio de 2007, en Pekín entre septiembre y noviembre del mismo año, en Fortaleza (Brasil) de abril a junio del año pasado y en Sao Paulo entre septiembre y enero últimos.
De Bogotá saldrá para San José de Costa Rica, donde se expondrá del 27 de mayo al 17 de julio en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo; y más tarde estará del 25 de agosto al 8 de noviembre en el Museo Franz Meyer, de Ciudad de México.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Museo Británico documenta en una exposición el imperio del shah Abbas
|
|
18/02/2009
Londres
Mucho menos conocido en Occidente que sus contemporáneos Felipe II de España o Isabel I de Inglaterra, el shah Abbas de Irán, que reinó de 1587 a 1629, encabezó un gran imperio que llegaba desde el Tigris, en lo que es hoy Irak, hasta el Indo en Pakistán y las actuales Georgia y Azerbaiyán, por el norte.
Mediante el comercio, un muy activo mecenazgo y la diplomacia, Abbas cuidó sus relaciones con las potencias europeas, aliadas frente al enemigo turco, y presidió una auténtica edad de oro en su país al encargar hermosas obras de arte y mandar construir grandes monumentos, que aún perduran.
 Llegó al poder en un momento en que los turcos otomanos ocupaban el Irán Occidental, el Cáucaso e Irak y con un ejército de esclavos cristianos de Georgia y Armenia convertidos al Islam reconquistó el territorio perdido, extendió el imperio, arrebató Ormuz a los portugueses, venció a los otomanos y tomó Bagdad, lo cual le dio el control completo del comercio del golfo Pérsico.
Como explicó Sheila Canby, comisaria de la exposición que se inaugura este jueves en el Museo Británico, parte de una serie sobre los grandes imperios de la historia, Abbas llegó al poder "en tiempos difíciles, pero amplió las fronteras de su país, estabilizó la sociedad, colmó las arcas públicas y estableció el culto oficial del islam chiíta".
En el plano religioso, como nos enseña la exposición, Abbas fue a la vez tolerante y despótico, cruel incluso: así se llevó a la población cristiana desde Julfa (hoy Azerbaiyán) hasta Ispahán, la nueva capital de su imperio, pero permitió que siguiesen dedicándose al comercio de seda y practicando su religión.
Y aún hoy, en Ispahán, la ciudad sin duda más hermosa del país y una de las más bellas de Oriente Medio, sigue viviendo una comunidad armenia bien establecida.Abbas suprimió, por otro lado, el sufismo extremo, que minaba su autoridad, y así cuando un grupo de derviches predijeron el final de su reinado en 1593, ordenó ejecutar a su líder y reprimir luego a sus secuaces.
Poco después de aquellos sucesos, un astrónomo vio un cometa y dio a entender al shah que debía dejar el poder por tres días para evitar mayores desastres, se retiró y cedió provisionalmente el trono a un derviche, a quien luego ahorcó tras volver al trono.
Abbas suprimió a las sectas chiíes heterodoxas y a las órdenes extremistas de los derviches y favoreció a los ulemas, que normalizaron el sistema legal sobre la base de la sharia, con lo que terminó con la ilegalidad de las tribus turcomanas que habían desestabilizado Irán antes de su llegada al trono.
Pero el shah era también, como señala la comisaria, un hombre de gran piedad personal, fiel cumplidor del waqf, uno de los pilares del Islam, consistente en donaciones ofrecidas bien a religiosos bien para obras de utilidad pública o de caridad.
En la exposición, que puede visitarse hasta el 14 de junio, se muestran preciosos objetos similares a los que el shah donó a Mashad, uno de los lugares santos de los chiíes, que guarda los restos del imán Reza, considerado uno de los mártires de esa fe, y también a Ardabil, donde está la tumba de Shaykh Safi, un místico sufí del siglo XIX, antepasado de Abbas.
Otras piezas reunidas, procedentes de Irán, del propio Museo Británico y de colecciones de distintos países - valiosas alfombras, algunas de oro y seda, como la que el shah regaló al dux de Venecia, aguamaniles y preciosas porcelanas chinas- ofrecen testimonio del esplendor de Ispahán, a la que el shah convirtió en su capital y dotó de imponentes edificios, entre ellos un palacio real y su mezquita personal.
Entre los objetos expuestos figuran también varios ejemplares muy antiguos del Corán en pergamino, candelabros, tejidos destinados a cubrir ataúdes, manuscritos, delicados ejemplos de caligrafía, libros científicos traducidos al árabe del griego o el latín, y también crucifijos y otros símbolos relacionados con la industriosa comunidad cristiana que prosperó bajo su reinado.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Britney Spears en el Museo Madame Tussauds de Londres
|
|
17/02/2009
Londres
El prestigioso museo Madame Tussauds de Londres, ha inaugurado hoy una impresionante estatua de Britney, que posee un parecido más que conseguido con la artista, a la que han inmortalizado en el momento de recoger uno de sus premios MTV.
 Los creadores de la estatua han querido mostrar a la Britney Spears mejorada y feliz tras ser una de las triunfadoras de la pasada edición de septiembre de los MTV Awards, con un vestido entallado plateado y una larga melena rubia, tal y como aparece en su último álbum Circus. Sin embargo, no es la única estatua de cera de la actriz, ya que ya tiene otra copia en el Tussauds de Nueva York, que se presentó al público en el año 2000, y una más reciente, del 2007, en la misma sede de Londres.
Sin duda, la decisión de inaugurar una nueva estatua de la cantante en un momento tan decisivo de su carrera va unida a la intención personal de la propia Britney de poner punto y final a una tensa etapa anterior llena de desajustes y turbulentos problemas personales.
La cantante compartirá espacio con otras celebrities de cera dedicadas a la canción, como Madonna o Beyoncé.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Tate muestra la faceta más retratista de Van Dyck en Gran Bretaña
|
|
16/02/2009
Londres
La faceta más retratista de Anthony van Dyck (1599-1641) centra una exposición que el Museo Tate Britain dedica al maestro flamenco durante sus años en Gran Bretaña, donde fue pintor de la corte del rey Carlos I hasta su muerte en 1641. Unas noventa pinturas del artista y otras de predecesores y posteriores a él conforman "Van Dyck y Gran Bretaña", que podrá ser vista desde este 18 de febrero y hasta el próximo 17 de mayo.
Dividida en ocho salas, la muestra destaca la influencia que el pintor tuvo desde que en 1632 se instaló en Inglaterra invitado por Carlos I (1600-1649), así como su legado pues su estilo dominó el retrato en este país durante más de doscientos años.
 La primera sala está dedicada a los artistas que precedieron a Van Dyck, especialmente Daniel Mytens, principal pintor de la realeza hacia 1620, y Cornelius Johnson, otro de los maestros con mayor actividad artística en Londres.
Si bien Van Dyck había visitado Inglaterra brevemente hacia 1621, regresó en 1632 por invitación de Carlos I, con el que el artista tuvo una gran relación, la más importante que pudo haber entre un monarca y un artista, dijo Kevin Sharpe, profesor de la Universidad Queen Mary de Londres.
A tal punto fue estrecha la relación que el Rey le otorgó a Van Dyck el título de caballero y le entregó una propiedad en el barrio de Blackfriars, en Londres, afirmó Sharpe. El influjo fue inmenso pues el pintor transformó la imagen de la monarquía y la aristocracia en el Reino Unido, agregó.
Esta influencia se puede ver en la segunda sala de la Tate Britain, que muestra los trabajos más importantes que Van Dyck hizo para la corte de Carlos I, como el del Rey montado a caballo (1633), perteneciente a la Colección Real británica; la pintura de la princesa Mary (1636), hija del monarca, y otra de Carlos II de pequeño (1632 a 1635), hijo del rey Carlos I.
 Hacia esta época, Carlos I quería que Van Dyck crease retratos suyos que permitieran reforzar su imagen pública, a través de cuadros que mostrasen a una familia real feliz y sólida. Sin embargo, esa imagen era una mera ilusión pues la relación entre el Rey y el Parlamento era cada vez más tensa y el monarca estaba cada vez más aislado, antes de que estallase la guerra civil inglesa en 1942, según la galería.
Durante su estancia en Inglaterra, Van Dyck no sólo pintó para la corte, sino para terratenientes, que querían recurrir a los servicios del maestro flamenco para que éste reflejase en sus retratos toda la influencia que tenían en el país.
Entre los que acudieron a Van Dyck está Thomas Wentworth, político y uno de los hombres más poderosos de la época, y Thomas Howard, decimocuarto conde de Arundel.
La Tate Modern resalta, además, los cuadros que Van Dyck dedicó a su familia y sus amigos, así como autorretratos, entre ellos uno prestado por el Museo Nacional del Prado de Madrid.
Pero Van Dyck murió antes de que estallase la guerra civil (1942-1649), que obligó a Carlos I a establecer su corte en el exilio en Oxford y fue ejecutado en 1649. Por esta época Inglaterra vivía momentos de gran conflicto político, con Oliver Cornwell como su protector hasta que se restableció la monarquía con el reinado de Carlos II.
Esta revolución en política no se tradujo, sin embargo, en la pintura, según la Tate Britain, que hace hincapié en que el legado visual de Van Dyck influyó en artistas como Peter Lely, Francis Hayman, Thomas Gainsborough o John Singer Sargent, ya en el siglo XX.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Museo de los espías
|
|
16/02/2009
La Habana
La guerra fría no ha muerto. Vive en La Habana, dentro de un palacete de la Quinta Avenida en el privilegiado barrio de Miramar. Es el museo del Ministerio del Interior de Cuba.
Lo que el visitante encontrará aquí va mucho más allá de las consabidas referencias al combate de la delincuencia o la historia de la policía, a las que se dedica un espacio limitado en una sala ahora en obras. El museo es una alucinante crónica de espionaje real a base de documentos, objetos y relatos demasiado peliculeros incluso para una película.
 La colección reúne una generosa muestra de armas, planes de atentados y proyectos de magnicidio interceptados por la seguridad cubana a la CIA y la "contrarrevolución". Destaca la recopilación de artilugios que el enemigo usó o pretendía usar para esconder y transmitir mensajes, herramientas de espionaje y fondos destinados a financiar ataques. En una vitrina de la "Sala de Subversión y Espionaje" se exponen un trenecito de madera, un parchís y una tabla de cocina con pequeños libros de códigos que los agentes trataron de ocultar - obviamente sin éxito-en ínfimas ranuras ahora a la vista.
En la misma sala, llama también la atención un pedrusco artificial hueco, de unos 35 centímetros de largo, en forma de almendra abierta. La roca de pacotilla servía a los agentes norteamericanos para pasarse órdenes, códigos y dinero, según se explica en el cartelito correspondiente.
Sobre el expositor de la piedra, una serie de fotos colgadas en la pared muestran al que de 1982 a 1984 fue segundo secretario de la Sección de Intereses de EE. UU. en La Habana, Richard Michael Brennan, retratado in fraganti en plena faena de depósito y recogida de suministros para alguna acción "subversiva o contrarrevolucionaria". El hombre aparece saliendo de un Lada blanco y caminando hacia la cuneta con un paquete que deposita entre la maleza, se supone que dentro del pedrusco. Fue una de las "más de diez operaciones de abastecimiento y recogida de cintas, códigos y dinero" que realizó - y le fueron detectadas-,"siempre acompañado de su esposa".
Bajo las fotos de Brennan se relata un episodio clave en la historia del contraespionaje cubano. Ocurrió en julio 1987, cuando se reveló la identidad de 27 agentes de La Habana infiltrados en la CIA desde hacía 15 años. Tal "desastre obligó a EE. UU. a reevaluar dos décadas" de espionaje a la isla - reza el rótulo-,aunque también forzó cambios en la contrainteligencia de la isla. La televisión cubana emitió una serie de 11 capítulos contándolo todo. El origen del bombazo estaba no obstante - y esta parte no viene en los cartelitos-en la reciente deserción y traición del jefe de la inteligencia cubana en Praga, Florentino Aspillaga, que nada más pasarse al otro lado ofreció poner al descubierto a cientos de agentes de su país en todo el mundo.
Tanto o más daño causaría a EE. UU. la que fue su destacada analista en el Pentágono Ana Belén Montes, detenida en el 2001 por el FBI y condenada en el 2002 a 25 años de cárcel por espiar para Castro desde 1984, tiempo durante el cual reveló información vital y ultrasecreta de la Seguridad norteamericana. También se la acusó de causar la muerte de un sargento estadounidense en El Salvador; de poner en peligro a cuatro espías de la CIA y de inducir a Washington a subestimar a Cuba como enemigo.
El museo, que en marzo cumple 20 años de creciente éxito, alberga desde luego un santuario de los "cinco héroes antiterroristas" encarcelados por espionaje en EE. UU., asunto de plena y prioritaria actualidad para Cuba.
La "Sala de Atentados a dirigentes de la revolución" es otro espacio estelar del museo. Dentro de su selección de planes de magnicidio, elegidos entre los 638 intentos de asesinar a Fidel Castro que contabiliza La Habana, sobresale el "caso Candela". Data de julio de 1961, cuando, tres meses después del fallido desembarco en playa Girón, un grupo supuestamente instigado por Washington pretendía matar a Raúl Castro con una ametralladora durante su discurso conmemorativo del asalto al cuartel de Moncada en Santiago. Una primera variante preveía asesinar también a Fidel durante su propio acto en La Habana, esta vez con mortero.
Lo interesante y retorcido del plan, que fue abortado por agentes infiltrados en la conspiración, es que después del magnicidio los mercenarios simularían un asalto del ejército cubano a la base de Guantánamo. Objetivo: "justificar una agresión militar" norteamericana en la isla.
El museo contiene por supuesto profusas referencias a los novelescos intentos de matar, drogar o hasta dejar sin barba a Fidel. Morbo no falta. No ya por las películas reales que se relatan, sino porque se trata del único museo con historias de la guerra fría donde el viejo conflicto no es, ni mucho menos, agua pasada.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Museo de Badajoz se llena de vida para celebrar el día del niño con cáncer
|
|
15/02/2009
Badajoz
 La Asociación Oncológica Extremeña (AOEX) celebró ayer el día internacional del niño con cáncer mediante distintas actividades y juegos infantiles en el museo de la ciudad 'Luis de Morales' de Badajoz.
Bajo el lema 'Es para enamorarse', la organización quiso adelantar un día esta conmemoración para hacerla coincidir con la festividad de los enamorados, y compartir «un ratito de alegría» con los niños, voluntarios, psicólogos, trabajadores sociales y demás colectivos implicados, según indicó Isabel Rolán, presidenta de la asociación.
Más de un centenar de personas acudieron a la jornada que contó con diversas actividades para adultos y niños. Mientras los pequeños disfrutaban en la plaza de Santa María de distintos juegos como el maquillaje facial, la carrera de sacos, la globoflexia o el paracaídas, los adultos asistieron a una charla en la que se informó de la realidad oncológica pediátrica de Extremadura y en la que intervinieron tanto madres de pacientes como voluntarios y miembros de la asociación.
Oncología pediátrica
La presidenta de la organización recordó que en los últimos años la situación de los pacientes oncológicos ha mejorado considerablemente en Extremadura. Se ha pasado de 2 a 8 áreas sanitarias oncológicas en la región, se han creado más unidades de radioterapia, se ha dotado al hospital Materno Infantil de Badajoz con un área específica de oncología infantil y se ha generalizado la presencia de psicooncólogos para que la atención al paciente sea integral y no sólo médica.
Uno de los logros más importantes fue la creación de la unidad infantil de oncología que atiende a niños de 0 a 14 años y que se inauguró hace casi 4 años. Antes de su creación, los pequeños diagnosticados eran derivados fuera de Extremadura, lo que suponía un importante coste «económico y emocional» para muchas familias, según afirmó María Isabel Pintor, oncóloga infantil.
Actualmente se está estudiando la posibilidad de ampliación de este área para poder acoger a más niños y solucionar los problemas de espacio que existen. Asimismo, la oncóloga infantil hizo hincapié en la posibilidad de crear unidades de adolescentes, como ya se está haciendo en otras comunidades autónomas, o ampliar hasta los 18 años el rango de edad en el área de oncología infantil ya que los jóvenes que se tratan en estas unidades tienen mejor supervivencia que los que son tratados junto a adultos.
Voluntariado
El tratamiento oncológico es un proceso largo y complejo en el que tiene mucha importancia el bienestar emocional tanto del paciente como de los familiares.
Los padres necesitan fuerza para poder transmitirla a sus hijos ya que cuando llega la enfermedad se desestructura todo, los problemas sociales se acrecentan y también los familiares necesitan apoyo psicológico, señaló Isabel Rolán.
Además de los psicooncólogos es importante la labor de los voluntarios. En la Asociación Oncológica Extremeña, actualmente hay unos 50, de ellos 28 trabajan en el área de oncología pediátrica. Acuden cada día para jugar con los pequeños que permanecen ingresados y les dan espacio a los padres para que puedan salir de la unidad y despejarse un poco.
«Somos como amigos,estamos con los niños y los padres y les damos mucha confianza. Ellos necesitan nuestra ayuda y nos lo agradecen mucho», señaló Antonio Bazo, un joven que lleva algo más de 2 años como voluntario.
«Si el paciente tiene una actitud positiva, la tolerancia al tratamiento es mejor y por tanto es más fácil y todo ello repercute en la supervivencia», apuntó la oncóloga infantil María Isabel Pintor.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Obra metafísica de Chirico en Museo de Arte Moderno de la Ville de París
|
|
14/02/2009
París
 El Museo de Arte Moderno de la Ville de París abrió ayer al público una macro-retrospectiva sobre Giorgio De Chirico que reúne cerca de 200 cuadros, esculturas y creaciones del inventor de la "pintura metafísica", figura clave en la historia del arte del siglo XX.
Es la primera vez en más de 25 años que París enfoca la creación de este artista italiano impregnado de sabiduría clásica y arquitecturas misteriosas, celebérrimo por sus obras de principios del siglo pasado, cargadas de dimensión profética y de absurdos oníricos y sutiles.
La retrospectiva "Giorgio de Chirico (1888-1978), la fábrica de los sueños" es, además, ante todo la primera en París donde se exploran los más recónditos aspectos de su creación, "sin etapas ni transiciones de un estilo a otro", de acuerdo con el análisis que en 1970 De Chirico hizo de su atípica trayectoria.
El ejercicio es arriesgado y hasta podría resultar "escandaloso", según vaticina el vespertino "Le Monde", ya que la muestra rompe la idea de que sólo vale el primer De Chirico.
Opinión comúnmente admitida por los especialistas desde que el llamado "padre del surrealismo", André Breton, se convirtiese en su más severo crítico, tras haber sido adepto entusiasta de sus revolucionarias trasposiciones metafísicas sobre el tiempo, el espacio y el ser humano, visto como un maniquí apenas mecánico.
El "rumor" de que había habido "traición", sumió al pintor italiano nacido en Volos (Grecia) en cierto destierro artístico, una vía a contracorriente ensalzada ahora de principio a fin en París, hasta el próximo 24 de mayo.
Libremente ajeno a la polémica, De Chirico nunca cesó de explorar a los maestros que le precedieron o de jugar con su propia genialidad. De ahí, en cualquier caso, que el director del Museo promotor, Fabrice Hergott, recuerde que "el concepto de modernidad evoluciona" sin cesar y que el "divagar pictórico" de De Chirico a partir de los años 20 "no es menos sorprendente" que el de sus primeros años, apoyado con tanto ahínco por Guillaume Apollinaire y Breton.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Científicos del Museo Jurásico de Asturias
hallan la mayor huella de estegosaurio conocida hasta la fecha
|
|
14/02/2009
Asturias
Un equipo de científicos del Museo Jurásico de Asturias (MUJA), encabezados por su director científico, José Carlos García Ramos, han recuperado en los acantilados del cabo Lastres, en el municipio de Colunga, la mayor huella de estegosaurio conocida hasta la fecha. Así lo ha explicado García Ramos antes de iniciar los trabajos de recuperación de la huella. Los estegosaurios, que vivieron en el Jurásico superior (hace aproximadamente 156 y 144 millones de años) en lo que hoy es América de Norte y Europa, tenían una longitud de hasta 9 metros y un peso de 2 toneladas.
Su cuerpo estaba sostenido por cuatro patas acabadas en pezuñas y se estrechaba y achicaba hacia delante, hasta terminar en una minúscula cabeza alargada dotada de un pico débil y dientes pequeños de escasa capacidad masticatoria.
El director científico del MUJA ha comentado que hasta la fecha se habían encontrado huellas de este tipo de dinosaurio de hasta cuarenta centímetros, y ha destacado que la rescatada hoy supera el medio metro.
 La huella, con una antigüedad de unos 150 millones de años, habría pertenecido a un ejemplar de unos 3,50 metros de altura y unos ocho metros de largo, según ha explicado García Ramos.
La icnita, de forma triangular y en la que se localizan tres dedos, ha sido hallada en un bloque de piedra de unos 70 kilogramos de peso. "Es una pieza excepcional para que esté en el MUJA", ha comentado su director científico, quien ha hecho hincapié en el hecho de que, a diferencia de otras partes del mundo dónde apenas han sido halladas huellas de estegosaurios, este tipo de testimonios "son muy frecuentes en Asturias".
"De hecho en el MUJA tiene la mejor colección que se conoce de huellas de estegosaurio", ha señalado García Ramos tras detallar que este tipo de restos también han aparecido con "relativa frecuencia" en la comarca de Yorkshire, en Gran Bretaña.
Para aclarar a qué obedece la abundancia de huellas de estegosaurio en la costa asturiana, el director científico del MUJA ha comentado que esa circunstancia podría venir explicada porque este tipo de dinosaurios "habitaba en zonas muy próximas al litoral".
Ha recalcado que muchos investigadores están sorprendidos por el "gigantismo" de muchos de los dinosaurios y de otros reptiles que están apareciendo en Asturias. "Es algo insólito y demuestras que hubo ejemplares más grandes que los conocidos hasta ahora", ha manifestado.
También ha anunciado que en la misma zona del hallazgo de "hay localizadas dos huellas más". Al respecto, el director científico del MUJA se ha referido a otra huella de una mano que podría corresponder al mismo ejemplar de estegosaurio, y a una segunda de terópodo cuyas grandes dimensiones exigirán la participación de un helicóptero en su futuro rescate.
García Ramos ha añadido que en la ya denominada "Costa Jurásica de Asturias" tiene localizados más restos llamados a ser recuperados por el equipo de científicos del MUJA. "En la zona de Quintueles hay parte de un esqueleto de ornitópodo", ha anunciado y ha explicado que estos restos forman parte de una gran piedra de unas 2,5 toneladas de peso, lo que obligará a ciertos trabajos previos antes de su extracción.
El director científico del MUJA ha añadido que en la costa de Tazones también se ha localizado una gran huella de saurópodo. "Es inmensa, la mayor de las que conocemos", ha concluido.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Rusia rescata parte de la mayor colección arqueológica
de la Europa del Este pertenecientes al Museo Prusia
|
|
13/02/2009
Moscú
Investigadores rusos hallaron en Kaliningrado, en el extremo oeste del país, una parte de objetos pertenecientes al Museo Prusia cuya colección arqueológica era la mayor de la Europa del Este antes de la Segunda Guerra Mundial. 
"Todos los países europeos de la cuenca del Báltico basaban en esta colección la cronología y la periodización de sus estudios arqueológicos", declaró Alexander Jojlov, del Instituto ruso de Arqueología.
Durante las excavaciones arqueológicas que precedían a la construcción de un hotel se descubrieron joyas, armas y utensilios de diversas épocas, empezando con la Edad de Piedra y terminando con el Medioevo.
El hallazgo hecho en Kaliningrado (antigua Königsberg, capital de la Prusia Oriental) "infunde la esperanza de que una colección que se daba por perdida se ponga nuevamente al servicio de la ciencia", manifestó Jojlov.
El Museo Prusia, fundado en 1844, tenía una colección de entre 240 y 450 mil objetos, según los datos correspondientes a 1943. Este patrimonio cultural se suponía perdido a raíz de los intensos bombardeos y el asalto que la ciudad sufrió a finales de la Segunda Guerra Mundial.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Museo Nacional de Ámsterdam pasea sus obras maestras por Vigo y A Coruña
|
|
13/02/2009
Vigo
 El centro de atracción del Rijksmuseum o Museo Nacional de Ámsterdam es La ronda de noche, de Rembrandt. El centro posee la más famosa colección de pinturas del siglo de oro holandés, numerosos grabados y una rica colección de arte asiático y egipcio, pero gracias a las obras de reforma que se acometen en este edificio monumental desde el 2003 (bajo la dirección de dos arquitectos españoles, Cruz y Ortiz), el público de medio mundo puede disfrutar de sus joyas sin moverse de su propia ciudad. Más de cien localidades de varios continentes se han beneficiado de esta contingencia.
En el Museo del Prado disfrutaron de algunas de las creaciones emblemáticas de Rembrandt, y ahora le toca a Vigo, donde desde ayer se exhiben en el Centro Social Caixanova 58 óleos y 16 acuarelas que conforman la exposición La escuela de La Haya. Obras maestras del Rijksmuseum . La muestra, centrada en el movimiento de finales del siglo XIX que, inspirado en sus grandes paisajistas del siglo XVII y siguiendo la estela de la escuela de Barbizón francesa, reivindicó el protagonismo de los paisajes rurales y sus gentes, se compone de algunas de sus piezas emblemáticas.
Además de las obras de Roelofs, Mesdag e Isräels, está Paseo a caballo por la mañana en la playa , de Antón Mauve, reconocido representante de esta escuela y guía de los primeros pasos artísticos de Van Gogh; En el mes de julio , de Gabriëls, referente de Piet Mondrian, o Niños del mar , de Josef Isräels, obra emblemática de las colecciones del Rijksmuseum que es la más vendida entre los diferentes artículos que comercializa la institución en su tienda.
Gestiones de Gerardo Porto
El acto de inauguración contó con la asistencia de la comisaria de la exposición, Renske Suijver, y de Taco Dibbits, director general de Colecciones del Rijksmuseum, que explicó que el impulsor de esta muestra fue el pintor coruñés Gerardo Porto tras una visita privada al museo holandés en que, acompañado por un artista neerlandés, quedó maravillado por la colección y fue el iniciador de las gestiones que culminó Caixanova tras un duro año de trabajo por parte de ambas entidades.
 La comisaria indicó que es la primera vez que se exhiben juntas en territorio español tantas joyas del arte holandés. El traslado, complicado por el enorme valor de las obras, se ha realizado contando con personal del propio museo para supervisar en todo momento el transporte y la manipulación, así como para coordinar directamente las labores de montaje. La exposición, formada por 74 cuadros, se ha organizado en siete apartados que abordan diferentes aspectos de la escuela de La Haya: Tras los pasos de la escuela de Barbizón, La Haya, En busca de lo rústico, El mar, La luz, Pintura en estado puro y Acuarelas.
Tras su estancia en el Centro Social Caixanova de Vigo, que finalizará el 12 de abril, la muestra se verá de la mano de la entidad financiera en la Sala de Exposiciones de Palexco, en A Coruña, del 23 de abril al 21 de junio.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Museo Pan de Mayorga abre al público con degustaciones y fotografías
|
|
12/02/2009
Valladolid
El Museo del Pan, la última propuesta turística y cultural de la Diputación de Valladolid, abrirá al público en la localidad de Mayorga, después de tres años de obras y una inversión de algo más de dos millones de euros, con varias degustaciones y una exposición fotográfica de Eduardo Margareto.
La trascendencia de ese alimento en la cultura, sociedad y economía de la provincia vallisoletana es el objetivo de esta nueva apuesta de la Diputación, ubicada en los 2.900 metros cuadrados que suman la antigua iglesia de San Juan y un anexo de nueva construcción con tres pisos de altura.
Las degustaciones previstas consistirán en el maridaje de pan de distintas clases -lechuguino, candeal y torta de aceite, entre otras- con productos agroalimentarios de la comarca de la Tierra de campos, donde se asienta el municipio de Mayorga, a unos 70 kilómetros al norte de la capital vallisoletana.
Con motivo de la inminente festividad de San Valentín, el panadero del museo elaborará en el obrador de la misma piezas de pan y repostería que se degustarán de forma gratuita y posteriormente se pondrán a la venta en la tienda del museo.
La otra actividad que saludará la apertura del nuevo recinto cultural consiste en una exposición de la serie que el artista y reportero gráfico Eduardo Margareto ha dedicado a la Tierra de Campos, una retrospectiva de pueblos, gentes y paisajes en blanco y negro que podrá contemplarse hasta el 31 de marzo.
En las diversas estancias habilitadas, el visitante podrá observar medidas para el grano como fanegas, medios celemines y un cuarto, así como diversas partes de los tradicionales arados romanos, caso de los barzones o brazaderas que unían el timón con el yugo, una mancera o esteva que servía para empuñarlo e incluso una lanza o pértiga.
La antigua iglesia de San Juan, hoy secularizada y que consta de una nave central y dos laterales, ha sido habilitada como lugar de recepción para los visitantes y albergará también un taller dirigido al público infantil para el amasado, horneado y degustación del pan.
El edificio anexo consta de tres plantas donde, a través de paneles y piezas originales, se mostrará la historia, geografía y genética del cereal, sus distintas variedades, los tipos de pan que pueden cocerse a partir de ellos y una reproducción en madera de la maquinaria de un molino. Incluirá un breve apartado etnográfico con las piezas referidas y cedidas por la Asociación Aperos del Ayer y enseñará las clases de pan existentes en la provincia de Valladolid.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Museo de la Ciencia de Terrassa
restaura el centro de cálculo IBM más antiguo de España
|
|
12/02/2009
Terrassa
El Museo de la Ciencia y la Técnica de Catalunya (mNATEC), ubicado en Terrassa (Barcelona), presentó hoy el centro de cálculo IBM más antiguo y completo del Estado y de los pocos que quedan en el mundo, tras ser restaurado. 
El conjunto está formado por una tabuladora, una clasificadora, una intercaladora, una calculadora y una perforadora datadas entre los años 1940 y 1950, por lo que el director regional de IBM, Lluís Núñez, las definió como "el paleolítico de la informática".
Se trata de cinco máquinas precursoras de los ordenadores, que realizaban 150 operaciones sencillas como sumas y restas por minuto, mientras que los actuales procesadores como los de los videojuegos alcanzan los 256.000 millones de operaciones por segundo.
El centro de cálculo entrará a formar parte de la futura exposición sobre la evolución de la informática 'El enigma de los ordenadores', para la que el museo prepara ya la restauración de nuevos equipos informáticos, según avanzó el director del centro, Eusebi Casanelles.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
¿Arte o pornografía?: un museo vienés invita a un viaje por "el lado oscuro"
|
|
11/02/2009
Viena
Fetichismo, sodomía, felaciones de todo tipo y escenas de sexo explícito no suelen formar parte del programa de los museos, aunque sí están presentes en "The Porn Identity. Una expedición al lado oscuro", que se inaugura mañana en la galería Kunsthalle de Viena.
La pornografía ha invadido el día a día, se encuentra en los medios, en la cultura y en el arte, pero todavía es un fenómeno invisible, lleno de tabúes, por lo que el conocido museo ha organizado un exposición para indagar por qué.
La primera sorpresa, un cartel que advierte: "Prohibida la entrada a menores de 18 años". Para poder visitar la exposición es obligatorio mostrar un documento de identidad a la entrada. "La pornografía es aquello sobre lo que todos hablan y nadie espera que lo pillen con ella", apuntó Gerald Matt, el director de la galería dedicada al arte contemporáneo.
La muestra trata de ofrecer una imagen crítica, tanto de los tabúes sobre el sexo como sobre la industria del porno y su claro sexismo.
La muestra cuenta con instalaciones de vídeo, esculturas y decenas de pantallas que parecen lanzar un reto al espectador: diferenciar el simple porno comercial de la obra de creadores consagrados.
El trabajo de videoartistas que han tratado el tema del sexo, como Carolee Schneemann y Lawrence Weiner, se mezcla con otras películas pornográficas, desorientando al espectador.
Esa mezcla está buscada por los comisarios de la muestra, que han defendido que la pornografía ha calado en todos los sectores de la sociedad y tratan de hacerlo evidente cambiando el contexto del porno, del espacio privado a las salas de un museo.
 La penetración del porno en la sociedad "inunda los medios, que en su carácter 'voyeuristà y su fiebre por buscar la provocación actúan como una forma de pornografía latente", explicaron los comisarios en el catálogo de la exposición. "Hemos tratado de mezclar el poder de las imágenes carnales con una visión crítica sobre su contenido", valoró uno de los responsables de la muestra, Thomas Edlinger.
El filme "La naranja mecánica", de Stanley Kubrick, también tiene un hueco con una reproducción creada por la artista Liz Moore de la escultura de una mujer de rodillas que aparece en la película. Con un sentido más explícitamente crítico resulta el "Establo" expuesto por el artista estadounidense Tom Burr, con una clara alusión a la domesticación y a la animalización del ser humano.
Otra de las instalaciones es una maquina de bolas "Playboy" con unas piernas de mujer que atrapan al jugador. Más explicito y sin pretensiones resulta la "Rainbow Wall" (muro arco iris) con decenas de pantallas que muestran escenas de las películas más famosas del género.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Museo de Bellas Artes inaugura una exposición
de estampas de Álvarez Folgueras
|
|
10/02/2009
Oviedo
La política de catalogar y dar a conocer todos sus fondos que sigue el Museo de Bellas Artes de Asturias está dando paso a una serie de exposiciones con obras del propio centro que permiten ver por primera vez muchos de los fondos adquiridos a lo largo de los años. Dentro de esa dinámica, el próximo jueves se inaugura la exposición «Oviedo Antiguo», una muestra que está formada por 38 estampas al aguafuerte de Adolfo Álvarez Folgueras (1912-1982), grabador y ceramista asturiano del que el museo conserva una colección adquirida hace años pero que nunca se expuso completa en público.
Los grabados representan distintos rincones del Oviedo antiguo, sobre todo aquellos que tienen un mayor interés histórico o artístico. Entre ellos se puede ver el arco de la calle San Vicente, la fuente de Foncalada, la plaza de Trascorrales, la calle Cimadevilla y la torre de la Catedral, entre otros. Los lugares del Oviedo antiguo están muy presentes en la obra de los pintores vinculados a la ciudad y Folgueras es uno de ellos. El museo posee 38 de las 40 estampas realizadas por el pintor, pero también conserva las dos planchas de las que faltan, que serán igualmente mostradas en la exposición para que el público pueda observar la técnica del grabado.
Los interesados en adquirir alguna de las estampas disponen de las carpetas editadas por el museo a finales del pasado año. Se realizó una tirada de 75 ejemplares de doce estampas que se venden sueltas o en carpeta. 
La exposición de Álvarez Folgueras abrirá paso a una serie de muestras de artistas asturianos o vinculados al Principado. Es el caso de Manuel Menéndez, profesor de la Escuela de San Fernando, donde mantuvo una estrecha relación con los asturianos que pasaron por la academia. Otras dos muestras previstas son las de Goico Aguirre y Bráñez de Hoyos.
Quienes se acerquen estos días al Museo de Bellas Artes tendrán además la oportunidad de admirar en el patio del palacio de Velarde cinco cuadros de artistas contemporáneos de primera magnitud. Se trata de pinturas de Palazuelo, Tàpies, Eugenio López, Saura y Barceló. Cuatro de ellas pertenecen a una colección particular y tres «Virtus Marin VI» de Palazuelo, «El perro de Goya» de Saura y el díptico «Confluencia I y II» de Eugenio López, se exponen por primera vez. Esta última fue adquirida por el museo el pasado año. El conjunto se completa con dos esculturas de Miquel Navarro y Amador, pertenecientes a los fondos del centro.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Thyssen hace un recorrido por "la sombra" en la historia del arte
|
|
09/02/2009
Madrid
"En pintura nada da mayor realce a la luz que las sombras". Esta afirmación de Plinio el Joven se hace realidad en la exposición que hoy inaugura el Museo Thyssen-Bornemisza sobre la representación de la sombra desde el Renacimiento hasta la actualidad.
Las sedes del Museo Thyssen y de la Fundación Caja Madrid muestran un total de 144 obras de más de un centenar de artistas, seleccionadas por el comisario Victor I.Stoichita, autor de "Breve historia de la sombra".
 En este ensayo plantea una historia de la sombra a partir de la antigua fábula de Plinio el Viejo que sitúa el origen de la pintura en Corinto, donde una joven muchacha, hija del alfarero Butades de Sición, habría trazado el contorno de su amante sobre una pared, ayudada por la luz de una vela.
Guillermo Solana, director artístico del Museo, ha recordado durante la presentación que cuando leyó el libro de Stoichita quedó fascinado por el argumento, "y pensé -ha dicho- que ese texto estaba pidiendo convertirse en exposición".
Aunque basada en el ensayo, la muestra "transcurre paralela a los argumentos desarrollados en el libro", con una distribución sencilla y desarrollo cronológico y a la vez temático. En opinión de Victor I.Stoichita, más que una traducción del libro en exposición, "se trata de una nueva creación".
El resultado ha sido un espectáculo visual sobre la sombra que comienza con pinturas relacionadas con el mito de Butades, ilustrado con obras de Joseph Wright of Derby, David Allan y Joseph-Benoît Suvée, así como de Matías de Arteaga y Karl Friedrich Schinkel.
Después de años de olvido en la época medieval, "en el Renacimiento se vuelve a descubrir la sombra", señaló el comisario, que ha seleccionado obras de autores renacentistas como Gentile da Fabriano, Giovanni di Paolo, Pier Maria Pennacchi, Lorenzo Lotto o el maestro de la Leyenda de la Magdalena, así como Jan van Eyck, con su díptico de la Anunciación, Lorenzo de Credi o Lodovico Carracci.
La sala del Barroco es "la más importante, ya que es un momento en que la sombra se vuelve elemento dinámico y dramático en un ambiente teatral y tenebrista", según el comisario, quien propone en el recorrido caminos transversales que unen épocas y artistas pese a la distancia cronológica.
Escenas religiosas de Jean Leclerc, Matthias Stom, Gerrit van Honthorst, Hendrick ter Brugghen, Georges de La Tour, Matia Preti o del llamado Maestro de la Luz de la Vela muestran como la sombra sirve para enfatizar la presencia sagrada. En obras de Rembrandt, Pieter de Hooch o Gerrit Dou, la luz y la sombra construyen espacialmente la composición.
También en el Romanticismo la sombra alcanzó protagonismo. Se asiste a la aparición de una "estética de lo siniestro", con obras de Goya, Joseph Wright of Derby, Adolf Menzel, Jean-François Millet, William Holman Hunt o Emile Friant.
Escenas de interior de Monet, Édouard Vuillard y Félix Vallotton ilustran el simbolismo, en el que también se exhiben pinturas de Léon Spilliaert o Xavier Mellery.
El recorrido por el Thyssen finaliza "con una nota alegre, la de los impresionistas". Según el comisario, sobre la sombra existe la impresión falsa de tristeza, "pero la sombra tiene importancia en los impresionistas". En la sala, "que podría dar nuevas ideas para la interpretación de la pintura impresionista", se exponen obras de Monet, Pissarro, Sisley, Sorolla, Rusiñol o Regoyos.
"La sombra sobre la mujer", óleo pintado por Picasso en 1953, centra el recorrido de la exposición en la Fundación Caja Madrid, en cuyas salas se analiza cómo con Giorgio de Chirico y el "retorno al orden" de los años veinte la sombra alcanza un nuevo protagonismo. Así se ve en obras de Edward Hopper, Rockwell Kent, Carel Willink, Pyke Koch, Alfonso Ponce de León o Gregorio Prieto.
Ocho cuadros de Dalí ilustran del uso de la sombra en el surrealismo, junto a obras de Yves Tanguy, René Magritte, Paul Delvaux y Esteban Francés. Completan la sala las obras intrigantes de Max Ernst y Joseph Cornell.
Andy Warhol y Roy Lichtenstein, en el pop, junto a Ed Ruscha, Gerhard Richter o Susan Rothenberg, muestran su atracción por la sombra, presente también en las fotografías de autores como Man Ray, Alexander Rodchenko o Constantin Brancusi, junto a fotógrafos españoles como Lekuona, Català-Roca o Masats. Cierra la sección un conjunto de tres fotografías de gran tamaño de Sam Taylor-Wood.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Takashi Murakami:
"Me hice artista al ver de niño un cuadro de Goya que me creó mucho trauma"
|
|
09/02/2009
Bilbao
El artista japonés Takashi Murakami (Tokio, 1962) ha llamado hoy a todos los niños menores de diez años a visitar la "espectacular" exposición que a partir de la próxima semana le dedicará el Museo Guggenheim Bilbao. Según ha reconocido, se hizo artista tras haber visto de pequeño "un cuadro de Goya con un monstruo que comía a una persona" y que le creó "mucho trauma". "Desde entonces quiero tener como público a los niños", ha indicado.
Murakami, al que no le importa que le denominen el 'nuevo Warhol japonés', es conocido internacionalmente por mezclar el arte tradicional japonés, el anime (animación) o el manga (cómic) con movimientos artísticos como el Pop americano y el Surrealismo europeo.
 Según ha reconocido durante su visita a Bilbao, para tratar de llegar al público infantil, al que en los últimos años presta especial atención, recurre al "lenguaje abstracto", de ahí que sus personajes tengan "muchos significados". De hecho, sus creaciones fueron ideadas para "expresar su identidad como japonés en el mundo occidental" ya que era "muy dificil entrar como artista en el mundo occidental, al igual que un occidental que quiera ser un dibujante de manga".
Este creador nipón es consciente de que el público cada vez pide mayor calidad a los artistas, de ahí que haya creado la empresa Kaikai Kiku, que emplea de forma fija a cerca de 160 personas. Esta enorme organización tiene como objetivo apoyar a los jóvenes artistas y ayudar a crear obras con la marca Murakami. A su juicio, aunque el público no está acostumbrado a esta forma de trabajar en el mundo del arte, el mismo esquema es utilizado en el mundo de la música o la moda. Sus empleados son jóvenes que se han contado desde pequeños con ordenadores por lo que para ellos "lo importante es utilizar el ordenador".
Así, a diferencia de 'The Factory', la empresa creada por Warhol en la que trabajaban "con drogas y en un ambiente de fiesta", en su organización, "la inspiración es el resultado de que más de cien personas están continuamente comunicándose por la pantalla". "La idea sale estando sentado frente al ordenador", explica.
Fruto de ese trabajo es resultado también el diseño creado para la firma francesa Luis Vuitton, del que se han vendido numeros bolsos. A su juicio, la crisis económica mundial va a dar a los jóvenes artistas la oportunidad de debutar en el mundo del arte, mientras que a los artistas ya consagrados y con renombre "no les irá muy bien y podrían verse obsoletos u olvidados".
La muestra del Museo Guggenheim reunirá más de 90 obras, desde sus primeros trabajos de la década de los noventa en los que explora su propia identidad, hasta sus esculturas de gran escala, finalizando con su galería de objetos de 'merchandising', sus proyectos de animación y del mundo de la moda y sus últimos trabajos.
La exposición arranca con una seria de pinturas creadas entre 1991 y 2000 con el objetivo de construir su autorretrato. Fruto de esa investigación interna, en 1993 creo un alter ego al que bautizó como Mr. DOB, un personaje inspirado en Sonic, símbolo de Sega, o Doraemon, un popular personaje animado japonés. Junto a las pinturas, el público tendrá oportunidad de contemplar las más aclamadas y controvertidas figuras escultóricas de los primeros años.
La muestra acoge también las pinturas abstractas de Murakami y su trabajo en el mundo de la animación, así como alrededor de 500 objetos de mercadotecnia o las piezas creadas por el artista para la firma francesa Luis Vuitton en 2003.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Guerrero de la Muralla se expondrá en el museo de La Alcudia
|
|
08/02/2009
Elche
El Guerrero de la Muralla, la última escultura descubierta en La Alcudia, quedará expuesta al público a partir del jueves 19 en el museo monográfico del yacimiento junto a otras piezas del conjunto de estatuaria ibérica.
 Para no romper el discurso expositivo del Centro de Interpretación, el Guerrero de la Muralla irá al museo monográfico, donde compartirá sala con algunas de las otras 16 piezas halladas en el yacimiento a lo largo de la historia.
El director adjunto de la fundación, Alejandro Ramos, explicó que, desde el hallazgo de la escultura en febrero del pasado año, se ha procedido a su descripción, comparación con otras piezas ibéricas de éste y otros yacimientos y al estudio de cada uno de los fragmentos de piedra caliza que formaban parte del tramo de muralla romana excavado, en cuya construcción fue reutilizada.
El Guerrero de la Muralla es la pieza número 17 del conjunto de estatuaria ibérica aparecida en este yacimiento. Está compuesto por Cabeza con casco, Cabeza femenina, Torso de guerrero, Torso de varón con fíbula, Torso del varón, Escena de guerreros en altorrelieve, Torso de adolescente, Guerrero con falcata, Dama de Elche, Dama entronizada, Faldeta, Cintura con anilla, Mano, Antebrazo y Pie de dama. Nueve de ellas son personajes de carácter bélico y otros cuatro son femeninos.
Según la Fundación La Alcudia, la pertenencia del Guerrero de la Muralla a este conjunto "es innegable, tanto por su lugar de hallazgo como por su técnica y materia prima. Por ello, queda incluida en el periodo clásico de la cronología del yacimiento, comprendido entre finales del siglo IV a.c. y mediados del III a.c.".
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El museo de la necrópolis romana se instala en la plaza de la Vila de Madrid
|
|
08/02/2009
Madrid
Los ciudadanos más pobres de la pequeña colonia romana de Barcino eran inhumados a orillas de la vía Sepulcral en una zona musgosa donde crecían avellanos y sauces. Celebraban banquetes junto a las tumbas en honor de su deudo y eran tan humildes que en su último viaje solo llevaban la moneda para pagar a Caronte, el barquero que les llevaba al otro mundo. Estas escenas tenían lugar en la actual plaza de la Vila de Madrid, donde se trabaja en la instalación de un centro de interpretación junto a los sepulcros que quedan.
La instalación del pequeño museo ha empezado ya en una zona subterránea bajo la plaza y está previsto que se complete en otoño. Un problema de filtración de aguas que no se resolvía ha retrasado varios años el proyecto, que ha ido mientras tanto completándose con una investigación arqueológica del Museu d'Història de Barcelona (Muhba).
DISCURSO SOBRE MUERTOS Y VIVOS
Joan Roca, su director, señala que en el nuevo centro "se presentará un discurso sobre el mundo funerario en la ciudad antigua con incorporaciones tanto del centro como de la periferia de Barcino hasta la Tarraconense". "Explicaremos el mundo de los muertos como espejo de los vivos", añade.
 Y antes de que se inaugure el centro, la colonia de gatos que allí se refugia desde hace mucho tiempo deberá marcharse. Los técnicos que restauran los sepulcros y mantienen la zona llevan años insistiendo sin éxito en que no son convenientes para la conservación de la necrópolis, que deterioran. Y además los gatos son incompatibles, a causa de las interferencias que provocan sus movimientos, con el sistema de seguridad por sensores que va a instalarse en el nuevo centro.
La actual plaza de la Vila de Madrid con el fragmento de necrópolis romana se creó en 1954 cuando de manera fortuita se hallaron las primeras tumbas. Bajo la dirección de Duran i Sanpere se excavó la zona y se preservó un fragmento considerable salvando la necrópolis de la destrucción total. En el año 2002, con motivo de la remodelación de la plaza volvió a excavarse el subsuelo y después se elaboró una investigación pluridisciplinar que incluyó estudios de paleoantropología, epigrafía, arqueobotánicos y análisis de estudios orgánicos.
LA LEY ROMANA
Julia Beltrán de Heredia, conservadora del museo, explica que las obras tienen como finalidad pavimentar el camino o vía entre la que discurrían las mejores tumbas de la la necrópolis. La ley romana, cuenta, estipulaba que los enterramientos se efectuaran fuera del núcleo urbano por razones de salubridad y sobre todo a causa de las humaredas de las piras. La gente paseaba entonces por las afueras, en el jardín funerario, más o menos como en la Via Appia de Roma.
Además, se están restaurando las cupas o tumbas reintegrándose las pérdidas producidas por la climatología. En su origen estuvieron decoradas con cenefas verdes y rojas, pero los pigmentos prácticamente se han perdido. Las placas que hay en los mejores sepulcros son reproducciones ya que los originales se conservan en el museo.
Cuando se abra el nuevo centro, se habrá mejorado la iluminación y el público podrá pasar por un fragmento de la antigua vía Sepulcral para entrar en el nuevo centro de interpretación, cuyo funcionamiento quedará vinculado al del museo.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Cultura sube a 3 euros la entrada a sus museos
|
|
07/02/2009
Madrid
Los principales museos de titularidad estatal dependientes del Ministerio de Cultura subirán el precio de sus entradas de 2,40 a 3 euros, a partir del próximo 1 de marzo, según una orden publicada ayer en el BOE.
 Esta medida afectará al Museo Arqueológico Nacional, Museo Cerralbo, al Museo de América, al Museo Casa de Cervantes de (Valladolid), al Museo del Greco (Toledo) y al Museo Nacional de Antropología, entre otros.
En la orden que establece esta medida, se especifica que es "necesario adaptar los precios de entrada a los museos a las condiciones socioeconómicas actuales, y a las novedades legislativas que han sido aprobadas en los últimos años, así como equiparar estos precios a otras instituciones museísticas análogas".
Esta disposición del ministerio de Cultura, que dirige César Antonio Molina, se publica precisamente un día después de que el director del Museo del Prado, Miguel Zugaza anunciara su intención de aumentar el precio de la entrada a la pinacoteca Nacional, ya que el Prado presenta una "tarifa baja" en relación al resto de los museos europeos y al precio de otras actividades culturales, según explicó Zugaza.
El Museo Nacional del Prado, es un organismo autónomo que no forma parte de los museos estatales adscritos y gestionados por Cultura y tampoco está incluido en el listado, el Museo Reina Sofía, el cual restableció su precio a 6 euros, según una orden publicada en mayo de 2006.
En la lista de museos que subirán sus precios, también se incluyen; el Museo Nacional de Arqueología Subacuática (Cartagena); el Museo Nacional de Arte Romano; el Museo Nacional Colegio de San Gregorio (Valladolid), el Museo Nacional de Cerámica de Valencia, el Museo Nacional de Altamira (Santillana del Mar), el Museo Romántico; el Museo Sefardí (Toledo); el Museo Sorolla (Madrid) y el Museo del Teatro (Almagro).
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Macba dedica la primera retrospectiva a Thomas Bayrle,
del que exhibe 300 piezas
|
|
06/02/2009
Barcelona
Cuenta Chus Martínez, conservadora jefe del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba), que cuando estaban preparando la muestra Thomas Bayrle. Me temo que ya no estamos en Kansas, el artista del título, nacido en Berlín en 1937, suplicaba que le abrieran las cajas para poder contemplar su propia obra. El motivo de tanta ansiedad es que había piezas que su autor no veía desde hacia 40 años, ya que muchas de las creaciones del alemán, sobre todo las realizadas en los 60 y los 70, se encuentran diseminadas entre múltiples colecciones privadas y no se habían expuesto antes. Tampoco se había hecho nunca una exposición tan ambiciosa en tiempo y obra como la que le dedica el Macba: 300 piezas entre colajes, acuarelas, obra gráfica, esculturas, animaciones digitales y dibujos, que recorren cuatro décadas de trayectoria.
 Esta falta de publicidad es una constante en la carrera de este artista, un gran desconocido incluso para los especialistas, que «transita por el arte sin hacer ruido pero dejando una profunda huella», según Bartomeu Marí, director del Macba. Y poco amante de las muestras, esta es su primera retrospectiva. Nunca antes se había abarcado toda su producción de golpe. Esto ha supuesto, según Martínez –que además de conservadora del museo, es la comisaria de la muestra–, un gran reto, tanto por la laboriosidad en la búsqueda del material como porque «no hemos querido monumentalizar lo ya hecho, sino activarlo, y hasta el último momento no hemos sabido qué contarían las piezas en las salas».
Y lo primero que hacen las obras expuestas es constatar que la etiqueta de artista pop art con la que se le conoce le queda pequeña y evidenciar que su trabajo es muy difícil de clasificar por los muchos lenguajes artísticos que utiliza. «Desde el punto de vista de un movimiento o de una escuela no tengo claro donde encajo», apunta Bayrle. Y, según Martínez, «se acaba situando a medio camino entre la poesía concreta y el arte conceptual, sin olvidar las influencias de Fluxus y el arte óptico». Aún así, la presencia del pop es importante, Bay-rle se sirve de su estética e iconografía para hablar del individuo y su relación con el grupo, el leitmotiv de su obra, junto con la denuncia de los excesos de la cultura de masas.
Para ello repite obsesiva e infinitamente pequeñas imágenes que forman sobre el lienzo el mismo motivo pero en dimensiones gigantescas; construye autopistas cuya red de vías se entrelaza repetidamente; y crea paisajes entrópicos, trozos de bosques de hormigón que se replican una y otra vez. Todo fruto de una experiencia laboral de juventud que, según dice, «influyó tanto en mí como en mi obra». A los 18 años, fue aprendiz en una fábrica textil y el ruido constante y sostenido de las máquinas, así como el trabajo repetitivo, «marcaron para siempre la perspectiva que adoptaría delante de la sociedad».
Pero en la obra del alemán también hay espacio para el humor, sobre todo, en las máquinas pintura, que es como Bayrle llama a una suerte de juguetes en movimiento que recuerdan a los autómatas de feria. Como Ajax (1966), donde decenas de amas de casa armadas con escobas se levantan las faldas, y Super Colgate (1965), donde numerosos personajes se cepillan una dentadura perfecta. También es divertida la instalación con la que finaliza la retrospectiva. El suelo de la torre del Macba se ha forrado con el papel M-Formation (1971), que dibuja repetitivamente un par de piernas abiertas que exhiben un sexo femenino; y las paredes se han decorado con la pieza Jacke wie Hose (1970), una secuencia interminable del mismo hombre y la misma mujer desnudándose una y otra vez.
¿Y el título de la muestra? Sale de una frase hecha, extraída de El maravilloso Mago de Oz, que alude a una actitud positiva hacia lo nuevo, sentimiento que casa muy bien con Bayrle.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
'Esqueletos enfermos' muestra las enfermedades de nuestros antepasados
|
|
05/02/2009
Barcelona
Más de 130 esqueletos y restos humanos se exhiben desde hoy por primera vez en España en el Museo Egipcio de Barcelona en una exposición que muestra el amplio abanico de enfermedades y dolencias que padecieron nuestros antepasados.
Procedentes de 32 instituciones de todo el mundo, las piezas de esta exposición muestran un amplio abanico de enfermedades, entre anomalías congénitas, degenerativas, infecciones, tumoraciones, traumatismos o lesiones por violencia.
'Esqueletos enfermos', que se exhibirá en Barcelona hasta el próximo 30 de junio, reúne piezas de diferentes períodos históricos, desde la Prehistoria hasta hace poco más de cien años.
La directora del Museo Egipcio, Mariangela Taulé, ha comentado en la presentación que el objetivo de esta exposición es 'conocer y documentar las enfermedades que han acompañado al ser humano'.
 La exposición, que ha supuesto más de dos años de preparación e investigación, ilustra asimismo, en palabras de Taulé, que 'arqueología y paleopatología trabajan juntas y permiten saber no sólo de qué murieron esos individuos y qué enfermedades padecieron, sino también deducir las condiciones sociales en las que vivían'.
El paleopatólogo Albert Isidro, comisario de la muestra junto con Assumpció Malgosa, ha subrayado que 'en el recorrido expositivo el público podrá constatar que las enfermedades que padecían nuestros antepasados son las mismas que tenemos hoy, como la poliomielitis, la tuberculosis, la lepra, la peste blanca o los tumores benignos y malignos'.
Otros huesos denotan fracturas por osteoporosis y tumoraciones óseas y otros nos muestran, añade Isidro, 'marcas de cortes de espada que llegaron a cicatrizar o trepanaciones sorprendentes (del tamaño de una nuez) que permitieron la curación del individuo'.
Otras lesiones, como las fracturas que se pueden ver en las primeras vértebras cervicales, sugieren ejecuciones violentas, mientras que cortes limpios, situados más o menos en el mismo segmento anatómico, son 'típicos de las decapitaciones por espada o por hacha'.
Precisamente, una de las principales líneas de estudio de las lesiones por violencia son los signos de supervivencia del individuo centrados en la regeneración que muestran los límites de la lesión. Al observar algunas de estas curaciones, los arqueólogos pueden comprender mejor el tejido social de esas poblaciones antiguas: 'muchas de estas enfermedades, sin un entorno social cohesionado, que apoyara al enfermo, no le habrían permitido sobrevivir', argumenta Isidro.
Según Isidro, las lesiones óseas son los que mejor puede identificar la paleopatología. En la exposición se exhibe el rastro de la enfermedad en tiempos anteriores a los homínidos en dos dinosaurios del Cretácico, un elefante del Pleistoceno y en diferentes trilobites.
La exposición dedica también un apartado al análisis molecular, ya que algunas enfermedades genéticas o infecciosas son susceptibles de este tipo de estudio. De hecho, concretan los comisarios, 'la enfermedad infecciosa es muy frecuente en el ser humano en todos los períodos de su historia y las infecciones son una evidencia bastante frecuente entre los hallazgos arqueológicos'.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Museo Oiasso pugnará por el premio al Mejor Museo Europeo del año
|
|
05/02/2009
Irún
El Museo Oiasso es uno de los 37 que aspiran este año al premio Mejor Museo Europeo, un reconocimiento que se otorga desde 1977. La instalación irundarra logró superar las dos fases previas y sus responsables acudirán a la localidad turca de Bursa entre el 6 y el 9 de mayo.
 Cuando Oiasso presentó su candidatura, lo hizo con fines muy concretos. «La clave», decía el alcalde, José Antonio Santano, «es darnos a conocer por todas partes, por el entorno cercano por supuesto, pero en Europa también». Por eso considera que «la misión está cumplida». Como explicó más tarde la gerente de Oiasso, Karmele Barandiaran, los finalistas del certamen, por el mero hecho de serlo, se incluyen ya en una red europea de promoción museística.
Santano explicó que este museo «ha tenido el reconocimiento de su singularidad por su carácter pedagógico dentro de su sencillez. Pero puede decirse que esas valoraciones están teñidas del cariño hacia algo nuestro, de nuestra ciudad. Pero ahora, vienen de Europa a hacernos un examen duro, muy exigente, con criterios europeos, y lo hemos aprobado. Es como una nominación al Óscar».
Barandiarán recordó que «el Gobierno Vasco nos incluyó en el Consejo de Museos de Euskadi junto al Guggenheim, el Artium... somos el único de Gipuzkoa».
La primera selección se realizó a partir de la documentación «exhaustiva» que se exigía para presentar la candidatura. La pasaron 60 museos de los que ahora quedan 37, después de la visita a los mismos de representantes del jurado. A Irun se acercaron el alemán Hermann Schäfer, ex director del Museo de Historia de Bonn y viceministro de Cultura en su país, y Michail Gndovsky, director del Instituto de Política Cultural de Moscú.
La directora del museo, Mertxe Urteaga, señaló que «la gran carencia que detectaron fue que las colecciones de objetos no están completas. Ése es el objetivo inmediato para mejorar», por lo que tanto ella como sus compañeros de mesa volvieron a incidir en la importancia de que el departamento de Cultura entregue las piezas que faltan. «Es una carencia que vemos nosotros, que se refleja en las encuestas de satisfacción e incluso en el libro de visitas del Museo», apuntó Barandiaran.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
La "sombra del museo" centra la exposición "Belfegor"
de Ángel Haro en el MUBAM
|
|
04/02/2009
Murcia
 El museo de Bellas Artes de Murcia (MUBAM) acoge la exposición "Belfegor. El eco de la sombra" del pintor Ángel Haro (Valencia,1958), que explicó que pretende mostrar al espectador "la sombra, esa parte del museo que no se aprecia a primera vista", compaginada con "los reflejos del suelo en la pared y con la sonoridad del museo".
La muestra está incluida en el proyecto "Asincronías" con el objetivo de generar un diálogo entre las obras de los artistas de la colección permanente con la de los artistas contemporáneos.
"Belfegor. El eco de la sombra", que está compuesta por once obras, distribuidas cada una de ellas en una sala del MUBAM, se podrá visitar hasta el próximo 12 de abril.
A la presentación de la exposición asistieron el consejero de Cultura, Pedro Alberto Cruz; el director general de Bellas Artes y Bienes Culturales, Enrique Ujaldón; y el autor de la muestra, Ángel Haro.
El consejero de Cultura Pedro Alberto Cruz calificó la obra de Haro como "sensacional" y explicó que surge del mito de la historia del fantasma que se paseaba por las salas del museo del Louvre proyectando su sombra, por lo que esta muestra incorpora su sombra y los puntos de oscuridad al museo.
"Lo que Ángel Haro ha hecho es reflejar las entrañas del museo, esas anomalías que normalmente se intentan ocultar mediante los sistemas de exposición y que ahora el pintor ha destapado", precisó Cruz, quien matizó que la exposición presenta "la no luz y la no presencia, dos elementos que normalmente no se dejan ver al espectador".
Por su parte, el autor de "Belfegor. El eco de la sombra" indicó que lo que ha pretendido con sus piezas es subrayar algunas de las obras de la exposición permanente del MUBAM, a través de la elección de los elementos esenciales que componen los cuadros a los que ha querido hacer un homenaje.
Los materiales más utilizados son el papel y la tinta, la madera, las telas, y en definitiva "objetos por los que ha pasado la vida", ya que, por ejemplo, los sacos que ha usado en la muestra pertenecen al correo americano.
Por último, Ángel Haro se refirió a la primera pieza de su exposición, que bajo el título "Sombra Náufraga", refleja el fracaso como herramienta de trabajo. Los materiales utilizados son reciclados y para el autor "define mucho el tiempo actual en el que vivimos".
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
La obra del Museo Würth "Favela" de Guimaraes
logra el Premio Escultura 2008
|
|
04/02/2009
Logroño
 La obra de José de Guimaraes "Favela", que se puede contemplar en el Museo Würth La Rioja, ha sido distinguida, por parte de la Academia de Bellas Artes de Portugal, con el premio Escultura 2008, según se lo han anunciado al director general de Würth España, Juan Ramírez.
El Museo Würth La Rioja, en un comunicado, ha recordado hoy que, en noviembre pasado, ya anunció que "Favela" se incorporaba al fondo de obras del propio Museo, que ha acogido, entre mayo y diciembre de 2008, una exposición dedicada a José de Guimaraes.
"Favela" es una escultura de grandes dimensiones, realizada a partir de una mezcla de técnicas que incluyen elementos como muñecos de juguete, banderas y luz de neón.
 Esta obra, ha añadido el Museo Würth, simboliza lo que el artista considera "la favela global", en la que están representados los cinco continentes.
En el acto de clausura de esta exposición dedicada a De Guimarães asistieron, además del propio artista, el presidente del Gobierno de La Rioja, Pedro Sanz Alonso, y del ministro de Cultura de Portugal, José António de Melo Pinto Ribeiro.
José de Guimarães está considerado como uno de los exponentes internacionalmente más renombrados de la cultura en Portugal y la muestra exhibida en el Museo Würrh La Rioja, que fue visitada por unas 25.000 personas, permitió contemplar una retrospectiva de las creaciones del artista a lo largo de tres décadas.
También se pudieron observar medio centenar de piezas correspondientes a la colección personal de arte tribal africano del artista.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El MURAM abrirá sus puertas en abril con la exposición "La era de Rodin"
|
|
04/02/2009
Cartagena
El Pensador y otras cincuenta obras del escultor francés Francois Auguste Rodin y alumnos de su escuela compondrán la exposición inaugural del Museo de Arte Moderno de Cartagena (MURAM), que abrirá sus puertas el próximo 23 de abril. Así lo anunció el consejero de Cultura y Turismo, Pedro Alberto Cruz, quien señaló que la exposición "La era de Rodin", que permanecerá hasta finales de septiembre en el MURAM, es "la más importante que quizás haya visitado nunca la Región de Murcia" y convertirá a Cartagena en "un lugar de peregrinación para los amantes del arte", ya que no podrá verse en ningún otro lugar de España.
Esta muestra sobre François-Auguste Rodin (1840-1917) pertenecía a Soumaya Slim, fallecida en 1999 y esposa del magnate mexicano Carlos Slim, cuya fundación ha cedido gratuitamente al MURAM la colección.
Ésta es la segunda más importante que sobre el artista francés existe fuera del Museo Rodín y actualmente se expone en el Museo de Soumaya (México).
Obras tan representativas de Rodin como "El pensador" (1880-1881), emblema del pensamiento libre; "El beso" (1886); "Máscara del hombre de la nariz rota" (1864) o "Eterna primavera" (o Céfiro y la Tierra o Juventud o Ideal, de 1884) podrán verse a partir de abril en Cartagena, así como la primera maqueta de Los burgueses de Calais o los bocetos elaborados para realizar "Las puertas del infierno".
Además, se exhibirán obras de discípulos y amigos de Rodin, considerado padre de la escultura moderna, entre ellas, "El arquero" y "La cabeza de Hércules" de su alumno Émile-Antoine Bourdelle; "La ola" y "El gran vals" de Camille Claudel -modelo y amante de Rodin-, y "El genio de la danza" y "Cupido desarmado", del que fuera uno de sus maestros Jean-Baptiste Carpeaux.
La magnitud de esta muestra, según el consejero, "ha desbordado" la capacidad del MURAM, tanto en el edificio ubicado en el Palacio Aguirre como en otro anexo a éste, por lo que tendrá una segunda sede en el Museo Teatro Romano de Cartagena.
Además de esta exposición, la programación del primer año de vida del MURAM, que acogerá obras realizadas entre la mitad del siglo XIX y 1960, contará con otras dos muestras temporales, una dedicada al "Legado de González Moreno" y otra sobre "Poéticas del siglo XX", que se podrán ver, paralelamente, a partir de septiembre.
Así, el Palacio Aguirre, albergará "El legado de González Moreno", compuesta por obras del artista murciano Juan González Moreno (Aljucer, 1908-1996), considerado uno de los mejores escultores del siglo XX, así como de autores como Garay, Molina Sánchez, Almela Costa o Benjamín Palencia.
Paralelamente, en el edificio anexo al Palacio Aguirre, se expondrá "Poéticas del siglo XX", una muestra compuesta por unas cuarenta obras de artistas tan destacados como Picasso, Soroya, Gargallo, Juan Gris, Tàpies, Barceló, Julio González o Millares.
Según explicó Pedro Alberto Cruz, el presupuesto para la puesta en marcha de estas tres exposiciones temporales asciende a 450.000 euros. Además, la exposición permanente del MURAM estará formada por unas 400 obras de pintores españoles contemporáneos, pertenecientes a la colección de Marifí Plazas y cedida por su dueño, el empresario cartagenero Fernando Gallego, que se expondrá cuando se construya el tercer edifico que conformará el museo.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
La obra de Paco Luis Martos estará en el Museo de la Memoria de Andalucía
|
|
03/02/2009
Granada
La obra del ubetense Paco Luis Martos, artesano especializado en artesonados mudéjares, formará parte del Museo de la Memoria de Andalucía que mostrará, desde la próxima primavera en que está prevista su inauguración en Granada, la cultura, historia e identidad andaluzas desde un enfoque innovador, lúdico y pedagógico.
Los artesonados mudéjares de Paco Luis Martos se expondrán en la sección del museo dedicado a la transmisión de conocimientos artesanales andaluces como es, en este caso, la preservación del arte mudéjar andaluz desarrollado entre los siglos XIII y XVII.
 Paco Luis Martos aportará al Museo de la Memoria de Andalucía una réplica del artesonado existente en el palacio sevillano Casa de Pinelo, del siglo XV (actual sede de la Academia de Bellas Artes y Academia de las Buenas Letras), compuesto por 41 casetones mudéjares, tallados, dorados y policromados a mano, que se mostrarán sobre un gran expositor a la altura de los visitantes.
El artesano ubetense que, además de su producción en España, exporta sus piezas a Estados Unidos, donde mantiene delegación en Los Ángeles (Hollywood), ha declarado sentirse «muy orgulloso de que un oficio artístico milenario, que representa en sí mismo toda la raigambre e historia multicultural andaluza, quede presente en este museo que será un referente cultural de primer orden en nuestra comunidad».
Paco Luis Martos, uno de los pocos especialistas españoles en artesonados mudéjares, elabora sus piezas tanto para edificios y monumentos de carácter histórico y artístico como para inmuebles y viviendas particulares cuyos propietarios demandan un tipo de decoración exclusivo. Entre sus obras más destacadas figura la recuperación de los artesonados del Alcázar de Toledo, el artesonado mudéjar de la antigua estación de tren de Sevilla y los de varios hoteles y palacios de Granada. Martos ostenta el reconocimiento de la Junta por su contribución a la preservación del oficio artesanal, es profesor del Centro Albayzin de Granada y habitual conferenciante en foros de patrimonio histórico y cultural.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El Museo de la Educación abrirá sus puertas en 2011 en Zamora
|
|
02/02/2009
Zamora
Zamora acogerá en 2011 el que está llamado a ser uno de los museos regionales de mayor emotividad. Pupitres, lapiceros, viejos mapas, campanillas y libros ajados compondrán una muestra que la Administración Regional pretende agrupar y poner a disposición de los visitantes en el Museo Regional de la Educación.
 El consejero de Educación, Juan José Mateos, explicó este lunes que el futuro centro tendrá como objetivo "estudiar y difundir el legado pedagógico regional" y, al mismo tiempo, "promover el conocimiento de la tradición educativa" de Castilla y León para saber quiénes fueron sus protagonistas, con qué medios contaron y cómo ha evolucionado la enseñanza en la comunidad a lo largo del tiempo.
El centro dispondrá inicialmente de un fondo con más de 1.800 piezas que forman parte de las colecciones de materiales de la propia Consejería de Educación, aunque también habrá una significativa aportación de la Dirección Provincial de Educación de Palencia. El consejero señaló que todavía es prematuro establecer qué contenidos tendrá el futuro museo, dado que todavía no se ha redactado la memoria ni tampoco el proyecto, pero avanzó que en la muestra permanente se podrán ver libros utilizados en las clases por generaciones anteriores, el mobiliario que formó parte de las escuelas tradicionales hasta no hace demasiados años, material didáctico, objetos relacionados con la actividad del profesorado y con los juegos desarrollados por los alumnos durante el recreo, así como abundante material bibliográfico.
El objetivo, añadió, es ir aumentando los fondos con aportaciones que puedan hacer los particulares o con la compra de fondos de las escuelas de la región. La intención es que el_Museo Regional de la Educación sea «un museo vivo» que además de recuperar y conservar las piezas que forman parte de la historia de la Educación de Castilla y León, pueda ofrecer un campo de trabajo a los investigadores y a todos aquellos vinculados con este campo, tanto profesores, como alumnos y también padres.
Juan José Mateos firmó este lunes con la alcaldesa de Zamora, Rosa Valdeón, un protocolo de colaboración a través del cual se pondrá en marcha el proyecto en el que está previsto invertir 800.000 euros a lo largo de dos anualidades. El consejero señaló que en esta primera anualidad, aunque no haya una partida específica en los presupuestos de la Junta, se dispondrá de dinero suficiente para poder acometer al menos la ejecución de la memoria y del proyecto.
El museo se ubicará en un edificio conocido como el antiguo laboratorio municipal. Se trata de un edificio modernista de 1912 que tendrá que ser reformado a lo largo de los próximos meses. Dispone de una superficie construida de cerca de 400 metros cuadrados y un solar de más de mil metros.
El consejero anunció el nombramiento del historiador y político zamorano Miguel Ángel Mateos como comisario para la puesta en marcha inicial del museo. Por tanto, Mateos ayudará a realizar la memoria para valorar que infraestructuras son necesarias y la manera de organizar los materiales en la exposición permanente del museo.
Rosa Valdeón se mostró satisfecha de que la ciudad pueda contar en el plazo de dos años con una infraestructura cultural "original" que puede ser un "un foco de atracción y un elemento dinamizador" para la capital. Apuntó, además, que el proyecto permitirá rehabilitar un edificio modernista diseñado por Francisco Ferriol, que se encuentra situado junto a la catedral y el complejo del castillo medieval.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
El balón del gol 5.000 del Barça ya está en el museo del club
|
|
 02/02/2009
Barcelona
El balón con el que Leo Messi marcó el pasado domingo el gol 5.000 para el FC Barcelona ya se encuentra entre los trofeos expuestos en el museo del club. Muchos han sido los que hoy se han interesado por la pieza, firmada por Messi y a la que se unirán en breve la camiseta y las botas que lució en el encuentro ante el Racing.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Roban diez raras y caras tortugas en un museo privado de Singapur
|
|
02/02/2009
Singapur
 Diez raras y caras tortugas han sido robadas en un museo privado de Singapur, su tercer robo en dos años, según publicaron los medios locales.
El atraco se realizó el sábado y escaparon con las tortugas cuyo valor asciende a 49.700 dólares (algo más de 39.000 euros).
Tres tortugas radiadas en peligro de extinción, una de las tortugas más raras en el mundo, y siete tortugas estrella indias fueron robadas, según dijo el dueño del museo, Danny Tan, a medios de comunicación locales. "Abrí el museo de las tortugas para educar al público sobre las tortugas. Por supuesto que me siento desilusionado", declaró Tan.
El comercio de tortugas radiadas es ilegal debido a que se encuentran en peligro de extinción, mientras que las tortugas estrella indias están prohibidas como mascotas en Singapur.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
| |
|
Crean en Italia museo sobre la mafia
|
|
01/02/2009
Reggio Calabria
La ciudad italiana de Reggio Calabria (sur de Italia) acoge desde hoy el "Museo de la Ndrangheta", que alberga un recorrido expositivo por la historia de este grupo delictivo en un edificio que la Policía italiana incautó a la mafia calabresa.
 Este museo, promovido por el Ayuntamiento de Reggio Calabria en colaboración con las autoridades regionales y la Universidad de Calabria, pretende ofrecer al turista de la ciudad sureña una visión más en profundidad de lo que supone el fenómeno mafioso de la Ndrangheta.
"La lucha de la cultura quiere decir acción, que tiene que ser pensada a largo plazo (...) Es necesaria y debe ser muy concreta, permanente, porque sólo con el tiempo, y quizá sólo para las generaciones que vendrán, se puede intentar construir una memoria crítica diferente", aseguran los responsables del museo en su página web.
"La Ndrangheta es el problema al que debe responder la Policía. La cultura debe hacer frente al estereotipo de la imposibilidad de cambiar el síndrome del `todo está hecho`, un pensamiento que no es útil para imaginar otro futuro", añaden.
En declaraciones que recogen hoy los medios de comunicación locales, el alcalde de Reggio Calabria, Giuseppe Scopelliti, expresa su satisfacción por acoger este museo en su ciudad y su intención de que éste contribuya a la lucha contra la mafia.
"La constitución de un museo de la Ndrangheta refuerza nuestra acción administrativa, dispuesta a dar siempre mayores signos de legalidad, sobre todo con acciones concretas como ésta", dice.
|
| |
|
Volver al índice de Noticias de Museos
|
|
|
Política de Privacidad
Este sitio web fue creado de forma gratuita con PaginaWebGratis.es. ¿Quieres también tu sitio web propio?